Становление и развитие жанров камерно-инструментальной музыки

К концу XX века в мировой музыкальной культуре сложилось много новых музыкальных стилей и направлений, возникли новые музыкальные жанры, но камерно-инструментальное искусство, имеющее глубокие исторические корни, не только не утратило своего значения, а напротив, характеризуется заметным увеличением популярности этого жанра в концертно-исполнительской практике. Не будет преувеличением сказать, что оно является одним из самых содержательных в музыкальном творчестве. Ведь не найдётся, пожалуй, ни одного крупного композитора мира, который не обратился бы к этому жанру.

Притягательная сила камерного жанра, несомненно, заключена в его богатых выразительных возможностях. Б. Асафьев оценивает этот жанр как область «музыкального интеллектуализма».

Противоречивой и изменчивой стихии музыкального искусства XX века камерная музыка ответила чуткостью к малейшим душевным движениям, тончайшим эмоциональным состоянием, возможностью отображения философских концепций. Благодаря своей мобильности, гибкости камерные жанры таят в себе широкие возможности экспериментирования, что имеет большое значение в разработке и поиске новых средств выразительности, новых систем музыкального мышления.

Когда же зародилась камерная музыка, и где искать её истоки? Музыка по своей природе искусство не только прикладное, она имеет в себе и иные качества, она может вызвать бурю эмоций, заставить волноваться, переживать, может успокаивать и умиротворять. В народной песне, танце созревали зёрна искусства глубоко серьёзного, полного внутренних чувств и эмоциональной глубины. Когда у человека появилась необходимость самовыражения, вот тогда-то и были заложены основы камерной музыки, но ей пришлось пройти долгий путь становления и развития.

Здесь нельзя не вспомнить об античной культуре. Именно она стала неотъемлемой частью духовного опыта всего человечества, заложила многое в основу того, что мы сегодня зовём современной культурой. В Древней Греции развивалась хоровая, сольная и инструментальная музыка. Музыкальное искусство включалось в Пифийские игры, где состязались певцы и музыканты. Значение античной музыки трудно переоценить, впрочем, как и других видов искусства Древней Греции. До сих пор музыканты пользуются многими понятиями и терминами, ведущими своё происхождение от греческой теории музыки: «мелодия», «гармония», «ритм», «гамма» и др. Античные мифы, придания, трагедии в течение многих веков были источником вдохновения для композиторов. Профессия музыканта была особенно почётна и уважаема.

В Средневековье музыкальное искусство складывалось в песнях странствующих бардов, менестрелей, гауклеров, хогларов, скоморохов.

Странствующие музыканты сами сочиняли и исполняли песни, сопровождая их игрой на лютне, средневековой арфе, волынке, смычковых ребеке и фиделе. Истоки камерной музыки восходят к средневековью, но лишь в эпоху Ренессанса стали зарождаться более устойчивые и определённые формы.

Эпоха Возрождения берёт своё начало в Италии XIV века, в странах Западной Европы – в XV-XVI веках. Существенной особенностью этой эпохи явилось обращение к художественным идеалам античности. В эпоху Высокого Возрождения итальянская музыка заняла ведущее положение среди европейских музыкальных культур. В атмосфере общего подъёма художественной культуры развивалось музицирование в различных слоях общества. Сам термин «камерная музыка» утвердился в XVI-XVII веках. В этот период под камерной музыкой, в отличие от церковной и театральной, подразумевалась музыка светская, которая звучала в домах горожан, знати, при дворах монархов. Camera – (от лат.) – комната, камерная музыка предназначалась для исполнения в небольших помещениях. Именно придворная музыка и называлась «камерной», а исполнители, работавшие в придворных ансамблях – «камермузыкантами». Самые ранние из известных образцов камерной музыки принадлежат итальянцам Вичентино и Арригони (XVI в.). И всё же, вплоть до конца XVII- нач.XVIII столетий не существовало камерного искусства как жанра. Вся музыка в Европе подразделялась церковную и светскую, народную и профессиональную.

В 1580 году во Флоренции было создано одно из первых музыкальных обществ, которое объединило композиторов, исполнителей, поэтов, любителей музыки – Флорентийская камерата. Инициаторами этого объединения были композитор и меценат Барди и любитель музыки Корси. Члены Флорентийской камераты ратовали за возрождение античных традиций в искусстве, противопоставляли господствующей в XVI веке хоровой полифонии монодию с сопровождением, выдвинув на первый план гомофонно-гармоническое начало. Обращение к античности дало толчок к развитию всех видов искусства. Ренессанс активно расцвёл именно на итальянской почве. Нельзя переоценить ведущую роль итальянских музыкантов в раннем развитии скрипичного творчества как одного из передовых явлений европейской музыки. Именно Италия дала миру развитое скрипичное искусство, непревзойдённые образцы скрипичного инструментария, созданные мастерами Амати, Страдивари, Гварнери. В Италии зародились новые прогрессивные музыкальные жанры. Таким образом, сложились благоприятные условия для бурного развития инструментальной и ансамблевой музыки, первые самостоятельные образцы которой были созданы А. и Дж. Габриели.

В разных странах издавна музыка для народных танцев исполнялась ансамблями. Постепенно танцевальная музыка потеряла своё прикладное значение и стала музыкой для слушания. В то время господствовала сюита – циклическая форма, состоящая из ряда контрастных танцев. Становление инструментальной музыки основывалось на

завоеваниях прошлых столетий. Сюита (фр.) – ряд, последовательность. Термин возник во Франции в XVI веке. Прообразом сюиты послужили серии из трёх танцев. Сначала это были аллеманда, сарабанда и жига. Затем после аллеманды утвердилась куранта. С развитием жанра сюиты появляются: прелюдия, увертюра, фантазия, токката, менуэт, буре, паспье, ригодон, лур, полонез, сицилиана, тамбурин и др. Вводились и нетанцевальные пьесы: ария, рондо, скерцо, бурлеска, чакона, каприччо, пассакалия. В Италии образцы этого жанра создают Дж. Габриели, Витали. В Германии, где сюита называлась партитой (т.е. разделённая на части) – Букстехуде, И.С.Бах. Но, всё же, ведущей инструментальной формой в музыке барокко стала трио-соната с её разновидностями – церковной и камерной, сольная соната, соната с сопровождением basso continuo. Чуть позже складывается жанр concerto grosso. Классические образцы этих жанров были созданы Корелли, Вивальди, Тартини. Их музыка оказала значительное воздействие не только на итальянских музыкантов – она нашла преломление в творчестве И. С. Баха, Г. Генделя, Телемана и др. На ней учились многие поколения музыкантов.

Искусство итальянских скрипачей-виртуозов повлияло на развитие камерной ансамблевой музыки Европы. Во Франции скрипка долгое время считалась «инструментом толпы». В домах знати господствовали «благородные» виолы. В 1577 году при Катарине Медичи ко двору был приглашён итальянский скрипач Балтазарини во главе большой группы скрипачей. Яркий звук скрипичного ансамбля произвёл необыкновенное впечатление на слушателей. При Людовике XIII, большом любителе музыки, была создана капелла «двадцать четыре скрипки короля», в которую входили не только скрипки, но и другие инструменты скрипичного семейства, в том числе и виолы. Этот знаменитый ансамбль просуществовал около полутора веков и включал в себя лучших скрипачей Франции.

В XVIII веке заметно оживляется концертная деятельность музыкантов Франции. В 1725 году Ф.А. Филидор основал общество «Духовных концертов», они стали первыми светскими концертами, в которых выступали лучшие исполнители. В 1741 году создаётся «Академическое общество детей Апполона», объединившее исполнителей и композиторов, создававших камерные произведения и обеспечивающее исполнение новых произведений. Это общество целиком перешло на концертное исполнение камерно-инструментальных сочинений. Это общество существует и ныне. И всё же, самой распространённой формой музыкальной жизни в Европе было домашнее и салонное музицирование. В домах знати постоянно проходили многочисленные концерты. Многие аристократы содержали собственные ансамбли, в которых работали известные музыканты.

К XVIII веку стиль изложения камерной музыки ещё не сложился. Подлинная история развития камерного искусства и камерных жанров связана с именами великих композиторов, создавших шедевры камерной музыки. Это И.С. Бах, Г. Гендель, Й. Гайдн, В. Моцарт.

Творчество И.С. Баха – вершина музыки эпохи барокко. Бах венчал новую эру в истории мировой музыкальной культуры – эру развитой полифонии. Автор многочисленных сочинений, создатель образцов полифонического стиля. Его органные, клавирные, скрипичные, виолончельные сочинения, а также произведения для духовых инструментов, ансамбли, инструментальные концерты – это величина, силу, мощь и влияние которой испытывают на себе многие поколения музыкантов.

Г. Гендель дал развитие органному концерту. Его скрипичные сонаты, трио и concerti grossi относятся к лучшим образцам мировой музыкальной культуры.

С творчеством венских классиков связан блестящий расцвет ведущих камерно-инструментальных жанров. Гайдн и Моцарт – авторы множества бессмертных симфоний. И, тем не менее, именно эти великие имена можно назвать, говоря о наиболее серьёзных достижениях XVIII столетия в области камерной музыки. Эти композиторы и в камерном жанре создали высочайшие образцы. Они фактически оторвали камерную музыку от оркестровой, создали собственно камерный стиль, откристаллизовали и отшлифовали его. Камерные жанры в творчестве венских классиков – высочайшее достижение.

На первый план выдвигаются принципы логической обоснованности, внутренней гармонии, типизации и обобщённости выразительных средств. Гайдн и Моцарт создали классические образцы сонаты, струнного квартета, трио с типичным инструментальным составом этих ансамблей, установилась тесная связь между характером изложения каждой партии и возможностями инструмента.

Моцарт в камерной музыке – это особое явление. Кто может сравниться с ним в красоте и разнообразии мелодий? В творчестве Моцарта фортепианная соната приобрела законченные совершенные формы. Фортепианная соната ушла из камерного зала и зажила самостоятельной жизнью. А в камерном зале продолжали звучать сонаты для двух инструментов, трио, ансамбли, квартеты.

Струнный квартет утверждается как основной вид профессионального камерно-инструментального ансамбля. Главная заслуга Гайдна - усовершенствование I части квартета – сонатного аллегро, структура которого стала основой для первых частей сонат, симфонических циклов. Вторая часть квартета, как правило, была медленной, как ария или песня. Третья часть – лёгкий менуэт. Финал всегда яркий и динамичный, в котором часто использовались народные мелодии. В своих квартетах Гайдн увлёк слушателя в интеллектуальную сферу, где голоса, по выражению Стендаля, напоминают дружескую беседу четырёх умных людей.

В первой половине XIX века стиль квартетного исполнения лишь начал складываться. Квартет рассматривался не как единый исполнительский ансамбль, а главным образом как окружение скрипача-виртуоза. Это отражалось и в расположении участников квартета. Скрипач, исполнявший партию первой скрипки, стоял на эстраде, а другие участники ансамбля

сопровождали его, находясь в оркестровой яме. Позже первый скрипач сидел напротив второго, а виолончелист – напротив альтиста.

На протяжении двух столетий жизни квартета его содержание, при почти постоянной форме, сильно изменялось. Если в квартетах Гайдна и Моцарта инструментальные партии ещё единомышленники, то в квартетах Шостаковича – это яростный спор и противоборство.

Огромную ценность представляет собой камерное наследие Бетховена: трио, квартеты, квинтеты, скрипичные и виолончельные сонаты, вариации для виолончели и фортепиано. В 1794 году в Вене был организован первый профессиональный квартет, содержавшийся на средства мецената. Этот квартет впервые исполнил все камерно-инструментальные сочинения Бетховена, которые разучивались под руководством самого автора.

В поздних произведениях Бетховена чувствуются элементы нового романтического стиля, и те, кто пришёл ему на смену, считали его своим духовным отцом.

Обладающий богатыми выразительными возможностями инструментальный ансамбль, и особенно струнный квартет, привлёк внимание почти всех композиторов романтиков. Новые темы и образы потребовали от романтиков разработки новых средств музыкального языка и принципов формообразования, индивидуализации мелодики и внедрения речевых интонаций, расширения тембровой и гармонической палитры музыки (натуральные лады, красочные сопоставления мажора и минора). Психологическая и лирико-драматическая трактовка присуща в эпоху Романтизма и камерно-инструментальным жанрам – сонате, квартету, трио. Тяга к свободному самовыражению, постепенной трансформации образов, сквозному драматургическому развитию, привела к разработке системы лейтмотивов, к монотематизму. Эпоха Романтизма обогатила камерную музыку тончайшей лирикой, глубоким психологизмом. Новая образная сфера потребовала новых форм и жанров. Первым романтиком столетия был Ф. Шуберт, а первым романтическим жанром стала немецкая песня. Фортепианные одночастные пьесы Шуберта – это подлинно камерные произведения. Шуберта можно считать создателем «экспромта» и «музыкального момента». Ещё один романтический камерный жанр – танцевальные миниатюры. Это танцы Шуберта и вальсы, мазурки, полонезы Шопена. Широко культивируются новые жанры: ноктюрн, элегия, рапсодия, баллада, фантазия, поэмного типа соната. Романтики неслучайно обращаются к жанру миниатюры, ведь герой романтиков – одинокая, отвергнутая обществом личность, либо простой человек, который находится во внутреннем разладе с действительностью. Романтики отказываются от античных идеалов, они обращаются к средневековому мистицизму, фантастике, уходят в мир глубоких личностных переживаний.

Развитие камерно-инструментальной музыки было связано с основными стилевыми направлениями каждой эпохи. В позднем романтизме, сложившемся к концу XIX века, в сложной социально-психологической атмосфере этого периода отразился взволнованный, доходящий до трагизма

мировосприятия строй чувств человека, его мечты о прекрасном, страстные поиски положительного идеала, область духовного, субъективного, сокровенного, что всегда было близко природе романтизма. У романтиков формируются яркие индивидуальные стили. Шуберт, Шуман, Шопен, Берлиоз, Григ, Мендельсон, Брамс, Сен-Санс, Лало – это далеко не все имена тех, кто создавал золотой век романтизма.

Камерно-инструментальная музыка привлекала внимание композиторов новых направлений, складывавшихся в конце XIX – начале XX веков. Импрессионизм породил утончённый камерный стиль, основные черты которого откристаллизовались в творчестве Дебюсси и Равеля. Импрессионисты стремились передать тончайшие оттенки чувственного восприятия мира и природы, переливы звуковых красок. Главные отличительные свойства импрессионистов – внимание к детали, к звуковому или тембровому, мелодическому или гармоническому нюансу. Этим требованиям отвечала более всего область камерной музыки.

Начало XX века было времен формирования прямо противоположного импрессионизму течения, противоположного по духу и эстетике – музыкального экспрессионизма. В экспрессионизме отразилось трагическое мироощущение человека в преддверии Первой мировой войны, болезненные, иррациональные состояния души, порождённые страхом и отчаянием. Экспрессионистским музыкальным сочинениям свойственны отказ от традиционных ладово-гармонических средств (композиторы обращаются к атональности, додекафонии), разорванная мелодика, предельно диссонирующая гармония. В творчестве нововенцев (Шёнберг, Берг, Веберн) эта система осваивалась именно в рамках камерных форм.

В XX веке камерная музыка обогатилась новыми выразительными средствами и приёмами: алеаторика, сонорика, пуантилизм, конкретная и электронная музыка. В этом направлении работали: Пендерецкий, Лютославский, Штокхаузен, Кейдж, Булез и многие другие. Не порывали с традициями: Бриттен, Барбер, Пуленк, Мийо, Хиндемит, Прокофьев, Шостакович, Хачатурян, Шнитке, но новые веяния отразились на их музыкальном языке. Обращение композиторов к неоклассицизму и неоромантизму во второй половине XX века – протест против крайностей «второго авангарда». Возврат к «новой простоте», обращение к прошлому как к одной из стилевых «красок» сочинения, свободное использование старинных стилей и жанров - стало одной из существенных черт камерной музыки конца XX века.

Камерная музыка прошла долгий путь становления и развития, который исчисляется не одним столетием, в ней заложено такое глубокое духовное богатство, накопленное предыдущими поколениями, что интерес к ней не иссякает.