В музыкальном театре

Музыкальные театры осуществляют постановку произведений различных музыкально-сценических жанров – опер, балетов, оперетт, музыкальных комедий. Они объединяют артистов, хор, оркестр, вспомогательный состав. Художественное руководство осуществляют дирижеры, режиссеры, хормейстеры, балетмейстеры, художники.
Опера – жанр вокального музыкально-драматического искусства. Это театральное представление, в котором разговорная речь полностью или частично заменена пением, а воздействие на зрителя усиливается благодаря музыке.
Опера – синтетический жанр, объединяющий в одно целое вокальную и инструментальную музыку, драматическое искусство и поэзию, изобразительное декоративное искусство и танец, а также различные виды театрального искусства от мимики и жеста актеров до световых эффектов.
Существует большое разнообразие типов оперных произведений, созданных в разные эпохи, в разных странах, разными композиторами. Условно их разделяют на 2 группы.
Первая – это опера, в которой музыка и пение чередуются с обычной разговорной речью, с диалогами действующих лиц. С этим типом оперной драматургии связаны ранние формы оперного искусства, особенно относящиеся к периоду становления русской школы оперной музыки. В XVIII веке – это опера «Мельник - колдун, обманщик и сват» Михаила Матвеевича Соколовского и Евстигнея Ипатовича Фомина, а в XIX столетии - Алексея Николаевича Верстовского «Аскольдова могила». (Таковы, например, украинские оперы «Запорожец за Дунаем» Семена Степановича Гулака-Артемовского, «Наталка Полтавка» Николая Витальевича Лысенко.)
Другая большая группа оперных произведений – это оперы с непрерывным музыкальным развитием, основанные только на пении. Большинство опер, написанных с конца XIX века по наши дни, относятся к этому типу. Вместо разговорной речи и диалогов в таких операх широко применяются разнообразные формы музыкального речитатива, т.е. музыкальной декламации – особого вида пения, стремящегося к воспроизведению в музыке оттенков и особенностей человеческой речи.
Велико жанровое разнообразие оперных произведений, зависящее обычно от содержания, положенного в их основу. К наиболее распространенным жанрам следует отнести: историческо-драматический (М. Глинка, М. Мусоргский, А. Бородин, Н. Римский-Корсаков), лирический (А. Рубинштейн, П. Чайковский), эпический (М. Глинка, Н. Римский-Корсаков).
Опера – большое музыкально-драматическое произведений, делящееся на части, которые называются «действия» или «акт». Часто акты (действия) делятся на отдельные самостоятельные большие части – картины, внутри которых различают более короткие эпизоды – сцены.
К формам оркестровой оперной музыка относят увертюру, вступление, антракт. Предшествует началу спектакля увертюра – оркестровое вступление. Она исполняется для того, чтобы подготовить слушателя к восприятию спектакля. Большинство увертюр написаны на основе музыкальных тем, взятых из самой оперы. («Иван Сусанин», «Руслан и Людмила» М. Глинки, «Князь Игорь» А. Бородина)
Часто композиторы вместо большой увертюры для вступления к действию пишут небольшие по размеры симфонические вступления, или как нередко их называют прелюдии или интродукции (Интродукция к опере «Иван Сусанин» М.И. Глинки, вступление к опере «Евгений Онегин» П.И. Чайковского.)
Оркестр, кроме увертюры, исполняет самостоятельные музыкальные отрывки между действиями или картинами - музыкальные антракты. Их задача – эмоционально подготовить слушателей к событиям, которые развернуться в следующем действии. Так, вступление к пятой картине оперы «Евгений Онегин» П.И. Чайковского (сцена дуэли Онегина и Ленского) рисует переживания Ленского и построено на теме его арии «Куда, куда вы удалились».
Вокальная музыка в опере имеет разнообразные формы. Наиболее известна – ария, законченный отрывок из оперы, предназначенный для исполнения одним певцом в сопровождении оркестра. Ария является важнейшим средством характеристики героя, его душевного состояния, его отношения к происходящим на сцене событиям.
Речитатив – своеобразный способ пения, близкий к напевной мелодической декламации, основан на речевых интонациях, акцентах, паузах. Берет свое начало от манеры исполнения народными певцами эпических, поэтических произведений.
Большую роль в оперном произведении играют ансамбли: дуэты (два исполнителя), терцеты (три исполнителя), квартеты, квинтеты и т.д. В русских операх большая роль отводится хорам, музыкальным номерам, предназначенным для хорового исполнения. Главным видом использования хора в оперном спектакле является создание образа народных масс, активно участвующих в развитии драматического действия.
Опера как самостоятельный вид искусства возникла в последнее десятилетие XVI века в Италии. Первой считают оперу композитора Якобо Пери «Эвридика», поставленную 6 октября 1600 года во Флоренции. Однако она оказалась весьма скромным опытом по сравнению с появившейся в 1607 году в Мантуе оперой «Орфей» Клаудио Монтеверди. Монтеверди создал произведение, с которого фактически начинается история оперного искусства.
Первые оперы в России появились в 70-х годах XVIII века под влиянием идей выражавшихся в стремлениях правдиво изобразить народную жизнь. Оперы представляли собой пьесы с музыкальными эпизодами.
С 30-х годов XIX века русская опера вступает в свой классический период. Характерной чертой русской оперной школы является ее глубокая народность, наиболее ярко проявившаяся в грандиозных развернутых народных сценах, в которых большую роль играет хор, и в использовании композиторами интонаций русской народной песни.
Основоположником русской национальной оперной школы считается М.И. Глинка, создавший глубоко самобытные, национальные русские оперные произведения. Народно-патриотическая опера «Иван Сусанин» и сказочно-эпическая опера «Руслан и Людмила» положили начало двум важнейшим направлениям русского музыкального театра: исторической опере и волшебно-эпической. Последователем Глинки явился А.С. Даргомыжский, создавший первую в России социально-бытовую оперу «Русалка».
Эпоха 60-х годов вызвала дальнейший подъем русской оперы, который был связан с творчеством композиторов «Могучей Кучки», П.И. Чайковского, перу которого принадлежат 11 опер.

Балет

Балет - это вид сценического искусства, содержание которого раскрывается в танцевально-пластических образах. Это единственный вид синтетического искусства, в котором отсутствует живая разговорная речь. Балет говорит языком хореографии: танца, мимики, ритмического жеста. Его содержанием являются настроения, чувства, состояния, поступки людей, их взаимоотношения.
Балет слагается из взаимодействия хореографии, музыки, литературы, живописи, мастерства актеров-исполнителей.
Основой для хореографического спектакля является либретто. В переводе с итальянского «либретто» значит «краткое содержание». Это литературное произведение, созданное либреттистом, в котором дано подробное описание действия с обязательным разделением его на сцены, картины, акты.
Искусство хореографии органически связано с музыкой, которую пишет композитор на основе либретто. Ее особенностью является танцевальность.
Главное значение живописи состоит в изобразительном оформлении самого танца (решение актерского костюма) и балетного представления в целом (создание сценической площадки). Оформление балетного спектакля имеет специфические особенности, диктуемые условиями жанра. Оно определяется музыкально-хореографической драматургией, то есть действием, музыкой и танцем в их единстве.
В танце раскрываются содержание балета, характеры действующих лиц, их мысли, чувства, настроения и поступки. Искусство артистов – балерин и танцовщиков – делает его одухотворенным осмысленным, поэтически содержательным.
Существует тематическое разнообразие балета.
- эпические (Борис Владимирович Асафьев «Пламя Парижа»)
- лирические («Шопениана»)
- драматические (Рейнгольд Морицевич Глиэр «Медный всадник») лирико-эпические (Сергей Сергеевич Прокофьев «Каменный цветок»)
- лирико-драматические («Лебединое озеро») эпико-драматические (Арам Ильич Хачатурян «Спартак»)
- балет – поэма (Борис Владимирович Асафьев «Бахчисарайский фонтан») балет-сказка (Петр Ильич Чайковский «Щелкунчик»)
- опера-балет (Николай Андреевич Римский-Корсаков «Млада»).
Балет бывает многоактным («Спящая красавица» П.И. Чайковский) или одноактным («Паганини» С.В. Рахманинов), балетом-пьесой с развернутым сюжетом, балетом-симфонией – бессюжетным произведением или хореографической миниатюрой. В балете взаимодействуют несколько видов танца: классический, характерный, ритмопластический, современный.
Классический танец – это главная «пластическая речь» в балете. Развиваясь в течение длительного времени, он приобрел точные, узаконенные формы, стал стройной системой, сложившейся на основе элементов народных танцев и танцев различных эпох (античности, Возрождения и др.). В XVII веке во Франции была разработана терминология классического танца, принятая повсеместно и в настоящее время.Все движения и позы классического танца изящны и возвышенны. Часто главные действующие лица балета танцуют вдвоем. Их дуэт назвается па-де-де.Сольные танцы называются в балете вариациями. Подобно оперной арии, балетная вариация словно бы рисует портрет героя, помогает понять его характер.Кроме солистов в балете принимает участие и большая шруппа артистов, которая называется кордебалет. Роль кордебалета аналогична роли хора в опере. Танцы кордебалета оттеняют действие, вносят в него разнообразие.
Характерный танец построен в значительной мере на народной хореографии. Его значение особенно возросло в современном балете, где он наряду с классическим танцем служит для создания ярких реалистических образов.
Составной частью балета является пантомима. В пантомимных сценах актеры мимикой и жестами выражают чувства, переживания героев, передают смысл происходящих событий.
В своих истоках балетное искусство связано с народным музыкально-танцевальным творчеством. Исторические корни его находятся в древнеязыческих обрядовых песнях-играх, в танцевальных элементах и пантомимах народных ярмарочных театров. Перенесенный на подмостки придворной сцены, культивируемый в светских кругах, балет постепенно превращается во внешне эффектное, развлекательное зрелище.
Первоначально хореографическая драма подменялась механическим чередованием «характерных» или «классических» танцевальных номеров, которыми заполнялись интервалы между отдельными актами в опере или драме. Одновременно развивались балетные сцены в опере. Они были органически связаны с развитием действия, в них разрабатывались народные музыкально-танцевальные жанры. Эти особенности балета русской классической оперы, начиная с опер М.И. Глинки, а затем А.С. Даргомыжского, М.П. Мусоргского, Н.А. Римского-Корсакова и А.П. Бородина способствовали обогащению отечественной хореографии реалистическими чертами и явились предпосылками формирования русского классического балета.
История русского балета, как самостоятельного музыкально-сценического жанра, начинается со 2-ой половины XVIII века. Первое танцевальное действо на сюжет мифа об Орфее было показано иностранцами-гастролерами при дворе царя Алексея Михайловича.Постепенно из дворцовых покоев балет переместился в общедоступные театры горожан. Первоначально во главе русского балетного искусства стояли французские балетмейстеры. К ним можно отнести Ш.Л. Дидло, Ф. Тальони, М. Петипа, Л.Ф. Минкуса. К классике балетного романтизма принадлежат два балета, на музыку Минкуса, хореография Петипа, «Дон-Кихот» и «Баядерка».
Настоящая реформа русского балета связана с именем П.И. Чайковского, создавшего в содружестве с выдающимися хореографами М.И Петипа и Л.И. Ивановым новый тип так называемого симфонического балета. Отныне музыка становится главной слагающей спектакля, а ее содержание направляет хореографическое решение. С музыкой Чайковского пришла в балет реалистичность музыкальных образов, точная обрисовка характеров, драматическая взволнованность, страстность. Содержательный, действенный танец, выразительная пантомима соединились в непрерывно развивающуюся музыкально-хореографическую драму. Перу П.И. Чайковского принадлежат три великих балета: «Лебединое озеро», «Спящая Красавица», «Щелкунчик».
На рубеже XIX-XX веков выразителями новых веяний, новых путей в русском балете стали талантливые балетмейстеры А.А.Горский (Большой театр) и М.М.Фокин (Мариинский театр). Плеяда одаренных артистов воплощает их творческие замыслы.Среди них прославившиеся на весь мир балерины – А.П. Павлова, Е.В. Гельцер, Т.П. Карсавина, танцовщики – В.Ф. Нижинский, В.Д. Тихомиров, М.М. Мордкин и др.
В своих балетах («Дон Кихот» муз. Л.Ф. Минкуса, «Конек-Горбунок» муз. Ч. Пуньи) Горский утверждал новые художественные принципы создания балетных спектаклей, которые определялись драматической выразительностью образов, разнообразием танцевальных жанров, режиссерской разработкой мизансцен спектаклей, возросшим значением роли кордебалета как массового действующего лица.
Крупный вклад в русское балетное искусство внес Фокин, расширивший круг идей и образов в балете и обогативший его новыми формами и стилями. Постановка Фокина для «Русских сезонов» в Париже в 10-х годах ХХ века «Шопенианы» (на муз. Ф. Шопена), «Петрушки» и «Жар-птицы» (оба балета И.Ф. Стравинского), «Половецких плясок» на музыку из оперы «Князь Игорь» Бородина) принесли мировую славу русскому балету.
Художественное совершенство «Умирающего лебедя» (муз. К.Сен-Санса), созданного Фокиным для Анны Павловой, в гармонии с вдохновенным исполнением балериной превратило его в поэтическую эмблему русского классического балета.