Оперетта, мюзикл

Развитие музыкального театра связано с такими жанрами популярной музыки, как оперетта и мюзикл. Оперетта – это музыкально-сценическое произведение комедийного характера, сочетающее музыку, танец, разговорный диалог. Спектакль обычно исполняется солистами, хором, оркестром и в небольшом количестве танцорами балета.
Оперетта возникла в середине XIX века в Париже. От оперы этот жанр отличается отсутствием речитативов между ариями (которые заменили на диалоги и монологи), а также порой комическим или сатирическим содержанием.
Истоки оперетты уходят в глубь веков. Уже в античных празднествах в честь бога Диониса имеются некоторые жанровые признаки оперетты: сочетание музыки с пантомимой, танцем, карнавалом.
Официальным днем рождения оперетты считается 5 июля 1855 года. В этот день французский композитор Жак Оффенбах открыл свой маленький театр в Париже – «Буфф-Паризьен». В течение последующих двадцати лет он написал и поставил в театре 89 оперетт, среди которых Орфей в аду (1858). Мелодия Канкана из «Орфея в аду» и сегодня не теряет своей популярности.
Величие и блеск классическая оперетта приобрела в Вене, где творил И. Штраус-младший. В 1874 году Штраус создал настоящий шедевр, высочайшее достижение в жанре оперетты – Летучую мышь. Оперетта была закончена за 42 дня и с тех пор стала воплощением обаяния, веселья и радости жизни в доброй старой Вене. Один из самых известных фрагментов этой оперетты – Чардаш.
Композиторы в качестве средства выразительности часто использовали в опереттах танцевальные ритмы канканов, вальсов, полек. Франц Легар – автор «Веселой вдовы» (1905) – одной из наиболее часто исполняемых оперетт во всем мире. В нее композитор включает Вальс, танец, отражающий дух своего времени.
Замечательные оперетты были созданы венгерским композитором Имре Кальманом. Его «Принцесса цирка», «Фиалка Монмартра», «Сильва», «Баядера» с блеском проходят на современных театральных сценах. Ария Мистера Икс из оперетты «Принцесса Цирка» И. Кальмана долгое время пользуется огромной популярностью и у исполнителей и у поклонников жанра оперетты.

МУЗЫКАЛЬНЫЙ ЖАНР «ДЛЯ ВСЕХ»

Особым сценическим жанром, в котором сливаются драматическое, музыкальное, вокальное, хореографическое и пластическое искусства, является мюзикл. Исполнители должны обладать хорошими вокальными данными и прекрасно танцевать, но специфика этого яркого театрального жанра в том, что голоса не могут звучать «по оперному», а танец – выглядеть «балетным». Хореография, пластика становятся важнейшими выразительными средствами мюзикла наряду с пением.
Энциклопедическое определение мюзикла звучит так: «музыкально-сценический жанр, использующий выразительные средства музыки, драматического, хореографического и оперного искусств. Их сочетание и взаимосвязь придали мюзиклу особую динамичность; характерной чертой многих мюзиклов стало решение серьезных драматургических задач несложными для восприятия художественными средствами» (133).

Мюзикл – сокращенная форма понятий Musicalcomedy («музыкальная комедия») и Musicalplay («музыкальная пьеса»).

Предшественниками мюзикла были множество легких жанров. Его истоки можно проследить с музыки XVIII века – английской балладной оперы. Это была комедийная пьеса со вставными песенными номерами, и именно эти пьесы и прибыли с эмигрантами на американский континент и получили свое своеобразное продолжение в менестрельном театре.

Следующий предшественник мюзикла – французский жанр «экстраваганца», для которого характерна экстравагантность («необычность»), фантастичность представления, мелодраматичность событий (мелодрама – пьеса с острой интригой, резким противопоставлением добра и зла, преувеличенной эмоциональностью), яркие сценические эффекты, песни, танцы, варьете, цирковые аттракционы. Именно постановку американской экстраваганцы считают исходной точкой нового жанра, впоследствии названной «мюзикл», в 1866 году на сцене Нью-Йорка прошла постановка спектакля «Black Crook» («Черный плут» или «Злодей-мошенник»).

Жанр бурлеска также ведет свою историю с XVIII века. Тогда бурлеск (итал. − «шутливый») представлял собой пьесу-пародию на серьезную и известную пьесу. Эстрадный американский бурлеск XIX века сохранил элемент пародии, он был насыщен комическими эффектами и известными песнями.

На рубеже XIX-XX веков любимым жанром американцев был водевиль. Европейский водевиль – вид «комедии положений» с песнями-куплетами, романсами и танцами. Американский водевиль был просто набором эстрадных номеров, слегка скрепленным сквозным сюжетом.

В конечном результате, на рубеже веков сложился тип музыкальной комедии, которая подразумевала легкое развлекательное представление, где важным был не сюжет, а скорее популярные вокальные номера в исполнении кумиров публики.

Ближе всех к жанру мюзикла стоит оперетта. Как и в оперетте, язык мюзикла – бытовая и эстрадная музыка. Но в мюзикле большее внимание отводится литературной основе, его действие более насыщенно, в оперетте же главный элемент – музыка.

Тонкими нитями мюзикл связан и с джазом. С 10-20-х годов трудно найти любое эстрадное представление, где не было джазовых номеров; его музыкальный язык стал одной их главных составляющих американской музыки, что повлияло и на музыкальный язык мюзикла.

История мюзикла – это процесс постепенного сплава отдельных жанров. Первый мюзикл появился в Америке в марте 1943 года, когда на Бродвее состоялась премьера спектакля «Оклахома!». Жанр активно развивался, и в дальнейшем на бродвейской сцене были представлены лучшие постановки мюзиклов, таких как Звуки музыки, Вестсайдская история, Хелло, Долли!, Смешная девчонка, Моя прекрасная леди и множество других.
Автором ряда блистательных мюзиклов Иисус Христос – Суперзвезда, Фантом оперы, Эвита, Кошки стал английский композитор Эндрю Ллойд Уэббер.

На современном этапе мюзикл – один из самых сложных и своеобразных жанров, в котором нашли свое отражение чуть ли не все жанры сценического искусства, существовавшие прежде, и прежде всего – оперетта.

В период 20-х и 30-х годов, с приходом новых американских композиторов Джерома Керна, Джорджа Гершвина, Кола Портера и других, мюзикл приобретает истинную американскую окраску. Усложнилось либретто, в ритмах стало заметно влияние джаза, рэгтайма, в песнях появились типичные американские обороты. Многие песни из мюзиклов стали музыкальной классикой. Значительно возросло актёрское мастерство певцов. В 1932 году Джордж Гершвин впервые награждён Пулицеровской премией за работу над мюзиклом «Пою о тебе» (1931). При совместной работе Роджерса и Хаммерстайна II появились такие постановки, как «Оклахома!» (1943), «Карусель» (1945), «Саут-Пасифик» (1949), отличавшиеся высоким уровнем драматургии. Они имели ошеломительный успех у публики.

После Второй мировой войны фабула мюзиклов стала более серьёзной. В 50-е годы на эстраде появились произведения, которые по полному праву можно назвать первыми «шедеврами» жанра мюзикла. С разницей в один год выходят постановки «Моя прекрасная леди» Лоу (1956)и «Вестсайдская история» Бернстайна (1957). «Моя прекрасная леди» американского композитора Фредерика Лоу (1901-1988) написана по пьесе Бернарда Шоу «Пигмалион». Особую популярность мюзиклу принесла его киноверсия, мелодии пьесы зазвучали по всему миру. Американский дирижер, пианист и композитор Леонард Бернстайн (1918-1990) за литературную основу своего мюзикла «Вестсайдская история» взял шекспировскую трагедию «Ромео и Джульетта», но при этом действие перенес современный Нью-Йорк. Два враждующих рода Монтекки и Капулетти превратились молодежные группировки «Ракеты» и «Акулы». Мюзикл Бернстайна обозначил растущее значение хореографии. С тех пор артист мюзикла должен был идеально сочетать качества актера, певца и танцовщика.

В конце 60-х годов XX века под влиянием новых музыкальных стилей приходит новое понимание мюзикла как жанра. В спектакле «Волосы» Г. Макдермота (1967) нашли отражение модные тогда идеи хиппи, тем самым постановка получила название «мюзикла первобытного американского лирического рока». С 70-х годов количество спектаклей сокращается, однако декорации и костюмы новых мюзиклов становятся более роскошными.

Англо-американская монополия мюзиклов прекратилась в 1985 году, когда на лондонской сцене состоялась премьера французской постановки «Отверженные» Мишеля Шонберга по мотивам одноимённого романа Гюго. Особую популярность получил мюзикл «Нотр-Дам де Пари» («Собор Парижской Богоматери») Риккардо Коччианте (1998), написанный также по роману Гюго. Достижение французской сцены последних лет – «10 заповедей» с музыкой Паскаля Обиспо (2001).

С постановки «Орфея и Эвридики» Александра Журбина (в 1975 году) начинается история «русского мюзикла». Этот спектакль до сих пор звучит в репертуаре Санкт- Петербургского театра «Рок-опера».

Но особая страница в истории российских мюзиклов – это постановки Александра Рыбникова (род.1945). Его произведения подобно и другим мировым мюзиклам, написаны на границе мюзикл- и рок-культур. В 1976 году состоялась премьера рок-оперы «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты». В 1981 году в Московском театре имени Ленинского комсомола состоялась премьера «Юнона и Авось» по поэме Андрея Вознесенского. Музыка этого спектакля – микст различных жанров: эстрадной песни, английского арт-рока, русской православной молитвы, элементов оперы. Выпущенный в 1983 году, альбом «Юнона и Авось» занял 1-е место в хит-параде; спектакль за 20 лет выдержал более 700 представлений и идет до сих пор с неизменным аншлагом.

В 2001 году был поставлен, как назвали его авторы, «первый российский мюзикл» «Норд-Ост». Музыка, либретто и постановка – Алексея Иващенко и Георгия Васильева (получивших известность в мире бардовской песни как «Иваси»). Мюзикл основан на версии романа В.Каверина «Два капитана». К сожалению, в 2004 году спектакль закончил свою «сценическую жизнь», что было последствием страшного террористического акта, устроенного чеченскими боевиками на спектакле.

90-е годы – начало русского «мюзикл-бизнеса». За последние годы на столичных сценах поставлены самые знаменитые мировые мюзиклы: «Чикаго» американца Джона Кэндера, «Метро» польского композитора Януша Стоклоса, «Нотр-Дам де Пари» Риккардо Коччианте (известна фраза композитора, французу по матери, итальянцу по отцу: «начинаю фразу по-французски, а заканчиваю ее по-итальянски»).

Поговорим о «масскульте»

«Массовая культура» – особое понятие, охватывающее многообразные и разнородные явления культуры ХХ века. «Массовость» определилась в связи с научно-технической революцией и постоянным обновлением средств массовой коммуникации. В музыке «масскульт» во-многом определен «широким» понятием «поп-культуры», «поп-музыки» (англ. popmusic- «популярная музыка»). Возникла эта область музыкального искусства в конце XIX века как реакция на усложнившиеся формы «серьезной» музыки, а интенсивное развитие получила с начала ХХ века. В дальнейшем «поп-музыкой» стали называть модную коммерческую развлекательную музыку, преимущественно эстрадную песню.

Музыкальный «масскульт» определился эстетикой шлягера и TinPanAlley. «Тин пэн элли» – буквально «аллея жестяных сковородок» – популярное название индустрии развлекательной музыки, которая возникла вначале в Нью-Йорке, потом по всей Америке, на рубеже XIX-XX веков. «Слово «шлягер» взято из жаргона австрийских торговцев конца XIX века, оно означало «успешно сбываемый товар». После первой мировой войны «шлягерами» стали называться расхожие песни.

Индустрия шлягеров началась в 20-х годах. «Текстовики несли в издательство или на фонофирму (или исполнителю) “рыбу”. Для нее подыскивалась подходящая мелодия, “насвистанная” композитором-мелодистом (он часто не знал нотной грамоты, потому такого специалиста и прозвали “насвистывающий композитор”). Отталкиваясь от мелодии, текстовик доводил “рыбу” до “жареного” состояния, то есть концентрировал тему шлягера в нескольких наиболее броских, запоминающихся и отвечающих структуре мелодии словах припева. Готовую “болванку” песни отправляли к аранжировщику-гармонизатору. После этого результат записывался на пластинку. Пластинки продавались на радио и в рестораны, а также отдавались в музыкальные магазины»«Если проанализировать музыку ХХ столетия, то, пожалуй, оно прошло под знаком Элвиса, «Битлз «и «Куина» и именно эта троица внесла наибольший вклад в мировую музыкальную рок-культуру. Элвис зажег пламя рок-н-ролла в 50-х и сделал музыку популярной в массах, «Биттлз» подхватил его в 60-х как Олимпийский огонь и снова передал обратно Элвису на исходе десятилетия. Ну а после смерти Элвиса только «Куин» смог продолжить славные традиции рок-музыки и, к сожалению, со смертью Меркури в начале 90-х пожалуй, что славные традиции рока остались в прошлом и действительно 90-е остались за поп-музыкой, а рок остался на задворках музыкальной культуры. Вот и подумаешь о роли личности в истории. Иными словами рок был жив до тех пор, пока было кому зажигать, когда был эдакий флагман, на который можно было ориентироваться всем остальным рок-музыкантам» (113). Не со всеми утверждениями этого высказывания можно согласиться, но бесспорно одно – рок- музыка пошла по пути «упрощения», и на рубеже ХХ и ХХI столетия многие музыканты резко различают понятия «поп» и «рок» музыки. Поп-музыка (на молодежном жаргоне «попса») – это эстрадная развлекательная, легкая для восприятия музыка, которая тиражируется средствами массовой информации и имеет коммерческий характер. Такого рода развлекательная музыка приобрела невиданный размах, она стала по-настоящему явлением «массовой культуры» или «музыки массовых жанров». В настоящее время поп-музыка одна из наиболее прибыльных отраслей. В некоторых странах по проценту от числа национального валового продукта эта отрасль занимает второе место после военно-промышленного комплекса. Сегодня ученые уже употребляют термин «звуковой терроризм», так как эта музыка подстерегает нас «на каждом шагу». Вместе с тем, «шлягер создается для среднеарифметического представителя городской массы…, который является идеальным уравнением спроса на определенный вид песенной продукции. Впервые развлекательная музыка получила возможность манипулировать аудиторией, создавая слушателя “под себя”» (92, с. 175). Новая волна поп-музыки неизменно связана с продуктированием видеоклипов – результат слияния двух традиционных зрелищных форм подачи шлягера: эстрадного концерта и кинофильма.

Но вместе с тем, точных «классификационных» признаков, по которым определяется принадлежность сочинений «массовой музыки» к тому или иному типу, нет, разница между рок- и поп-музыкой часто стерты. Рок-музыка представляет собой сложный конгломерат течений, выделившихся по музыкальным и внемузыкальным признакам: принадлежности к определенным социально-культурным движениям (например, психоделический рок, панк-рок), возрастной ориентированности (рок для подростков, для взрослых), динамической интенсивности (тяжелый рок), технической оснащенности (электронный рок), взаимодействию с теми или иными музыкальными традициями и стилями (барокко-рок, джаз-рок, фолк-рок и др.). Рок-музыке сложно дать однозначное определение. Это связано с её постоянным развитием – появлением новых направлений. Каждое последующее рок-поколение отвергало достижения предшественников, а представители разных направлений зачастую отрицали принадлежность друг друга к року. Поэтому любые определения рок-музыки носят относительный, временный характер. Не претендуя на охват всех направлений «массовой музыки», перечислим часть их (135), чтобы как-то представить картину самой тиражируемой части современной культуры.

Disco – один из самых популярных танцевальных музыкальных стилей 70-х годов. Цель этой музыки была одна: любыми способами заставить людей выйти на танцплощадку, поэтому диско преуспело главным образом как студийное творчество, увековеченное на пластинках, а далеко не как живые концертные шоу. Почти для всех произведений диско характерен монотонный акцентированный ритм, фоновое звучание ведущих инструментов группы или оркестра (гитары, струнные, духовые) и достаточно выразительный вокал. С наступлением 80-х и появлением новых форм танцевальной музыки, волна диско пошла на убыль.

Folk Rock – музыкальное направление, которое оформилось в конце 50-х − начале 60-х годов, когда ритмические приемы, получившие распространение в поп-музыке, стали использовать для аранжировки народных мелодий. Один известный американский музыковед Алан Ломакс определяет этот стиль так: «Если в “очищенной” от аранжировки рок-композиции слушатель способен хотя бы фрагментарно уловить народные мотивы, значит, мы безусловно имеем дело с фолк-роком» (113).

Hard Rock – дословно: «жесткий» или «тяжелый рок». Понятие настолько всеобъемлющее, что многие не видят разницы между собственно рок-музыкой и этим, одним из ее наиболее массовых и популярных ответвлений. Композиции в стиле хард-рок вызывают субъективное ощущение тяжести, достигаемое за счет выделения ритм-секции на передний план, что требует от музыкантов виртуозного владения своими инструментами. Но в хард-роке, помимо «выпуклости» ритм-секции, все входящие в нее инструменты напрямую связаны с мелодическим лидером − гитаристом или клавишником, поэтому здесь не может быть обособленной импровизации одного инструмента, а это означает, что в импровизации участвуют все инструменты группы, создавая целостность и монолитность произведения.

Heavy Metal – буквально «тяжелый металл» или «тяжелые орудия». Это одно из ответвлений хард-рока, получившее широкое распространение в начале 80-х годов. До сих пор существует путаница в определении хард-рока и «хэви-метал». Для обоих направлений характерно исключительно мощные гитарные риффы, доведенные до виртуозности соло и «канонадные» ударные, очень сложные ритмические импровизации.

Psychedelic Rock –известен под сокращенным названием «психоделия», а также как «кислый рок» (acid rock). По сути, это свободные эксперименты с музыкой и музыкальными инструментами под воздействием галлюциногенов или мощных психотропных средств – так начиналась эта музыка. Позже, психоделическим роком стали называть любую «странную» музыку, гармонии и тональности которой отличались от принятых. Группы именно этого жанра начали первыми устраивать затяжные импровизационные концерты, создав тем самым ассоциативную связь между роком и джазом.

Progressive Rock – в данном случае слово «прогрессивный» предполагает такую форму рок-музыки, когда при традиционном для рок-группы составе исполнителей и инструментарии задействуются структуры классической европейской музыки, в результате чего произведения прогрессивного рока становятся, как правило, сложнее и продолжительнее, нежели стандартные 3-5-минутные композиции; большое значение имеет импровизация. Направление прогрессивного рока начало развиваться в конце 60-х годов в Англии, в какой-то степени его корни уходят в психоделию, космические темы которой вначале неизменно присутствовали у «прогрессивистов», но если рассуждать с музыкальной точки зрения, прогрессивный рок – высшая форма психоделии. Как музыкальный стиль, прогрессивный рок получил наивысшее развитие в семидесятые годы, когда музыканты достигли поистине виртуозного владения инструментами и научились мыслить нетривиально.

Punk Rock. Корни панк-рока прослеживаются с первой половины шестидесятых, когда американские группы попытались дать отпор «британскому вторжению» – это была динамичная агрессивная музыка, но играли ее любители. Расцвет панк-рока пришелся на середину семидесятых. Это была сырая резкая и быстрая музыка с хаотичными изменениями ритмических структур и гармоний. Играли панк-рок любители, не обладавшие даже минимальной музыкальной подготовкой и практикой.

Rap – это форма танцевальной музыки, для которой характерны рваный ритм, простые гармонии и короткие музыкальные фразы, «закольцованные» в непрерывный рефрен. Вокал, как таковой, отсутствует, его заменяет речитатив, накладываемый на предварительно записанные инструментальные трэки. Впервые рэп появился в черных диско-клубах Нью-Йорка в середине 70-х годов, специализировались на этой музыке главным образом диск-жокеи, отбиравшие репертуар для танцев, и обслуживающий персонал концертных залов и площадок, имевший доступ к аудиоаппаратуре; в силу специфических особенностей стиля, в тот период для исполнения рэпа не требовались даже минимальные музыкальные навыки. Первых рэпперов называли «спиннерами» (от английского to spin − вращать), потому что их работа сводилась к манипуляциям с диском проигрывателя, на котором была установлена пластинка.

Soul − вокальная манера, для которой характерны «пение из глубины души» (англ. soul − «душа») и обязательно пение эмоциональное. На слэнге черных людей «соул» означал также и «подлинность», «честность» и «искренность», что и есть наиболее точное определение этого понятия.

Sympho Rock − «симфо-рок» («симфонический рок»). Так в конце 60-х − начале 70-х годов стали называть манеру групп, использовавших в своих композициях инструментарий симфонического оркестра и прямые цитаты классических произведений. В качестве таковых назовем английские групп Move и Electric Light Orchestra, черты симфо-рока присутствуют и в стиле группы Pink Floyd.

Понятие «симфо-рок» близко к понятию «арт-рок» (от слова «арт» – искусство). Профессиональные музыканты с негодованием наблюдают, как переделывают, а часто и кромсают дорогую их сердцу классику. Но это явление получило широкое распространение в среде рок-музыкантов. Такое обращение к сфере «высокого профессионализма» стало попыткой преодолеть то чувство культурной неполноценности, которое пришло на смену культурному нигилизму 60-х годов. Ещё одна форма рок музыки – рок-опера. Это театрализованное представление с сюжетом, действующими лицами, декорациями; музыка пишется и исполняется в рок-стиле. У истоков жанра стояла британская группа «Ху» (англ. The Who − «Кто»), создавшая рок-оперы «Томми» (1969 г.) и «Квадрофения» (1973 г.).

Наиболее выдающееся произведение – рок опера «Иисус Христос − Супер звезда» (1970 г.) английского композитора Эндрю Ллойда Уэббера. Композитор Александр Журбин пишет в своих воспоминаниях о впечатлении, которое вызвала эта опера у великих композиторов: «Альфред Гарриевич Шнитке, чутко интересующийся всем, что происходит в музыкальном мире, попросил меня показать ему запись новой оперы. «Знаете, в этом что-то есть. Надо послушать еще. Судить по одному прослушиванию вообще нельзя. Но мне кажется – это интересно. И талантливо». Сходное суждение высказал тогда же и Дмитрий Дмитриевич Шостакович, посмотревший спектакль в Лондоне; «Наверное, и таким путем надо идти». Эти слова он сказал самому Уэбберу

Кроссворд. «МУЗЫКАЛЬНАЯ ФОРМА».

1. Первый раздел сонатной формы.

2. Изменяемая часть в форме рондо.

3. Наименьший элемент музыкальной формы.

4. Повторение какой-либо части музыкального произведения.

5. Форма из 3-5 частей с чередованием рефрена и эпизодов.

6. Второй раздел сонатной формы.

7. Законченная музыкальная мысль, напев.

8. Момент раздела между частями музыкального произведения.

9. Музыкальная форма основанная на проведении темы и ее неоднократном видоизмененном повторении.

10. Вид искусства, которому покровительствует одна из девяти муз -Терпсихора.

11. Внутренная структура произведения

Блиц опрос

1. Музыкальные жанры это роды и виды музыкальных произведений

2. Чередование звуков различной длительности - метр

3. В сонатной форме 5 частей, 3 - обязательные и 2 - дополнительные.

4. Романс - жанр инструментальной музыки.

5. Чередование сильных и слабых долей в музыке называется - ритм.

6. Кода в переводе на русский язык обозначает «хвост».

7. Камерная музыка — это инструментальная или вокальная музыка, предназначенная для исполнения в большом помещении

8. Соната - бытовой, народный жанр.

9. Смешанные инструментально-вокальные жанры - кантаты, оратории.

10. Балет - жанр вокальной музыки.

11. Композиция это внутренняя структура произведения.

12. Драматургия - сюжетно-образная основа хореографической композиции.

Музыкальные стили.

Если музыкальный жанр предназначен для выявления общего в музыке – с помощью типичных интонаций, то музыкальный стиль существует для того, чтобы подчеркнуть индивидуальное и оригинальное в музыке.
Стиль – общее понятие, применяемое в различных искусствах (архитектуре, музыке, живописи, литературе). Мы говорим: «БАРОККО, ГОТИКА», - подразумевая архитектурный стиль. «Стиль РУБЕНСА, ГОЙИ», - подразумевая манеру письма художников; «Стиль ВЕНСКИХ КЛАССИКОВ», - говоря о художественном направлении композиторской школы. То есть, стиль – это то самое своеобразие, присущее музыке определенного исторического периода, или национальной композиторской школы, или целого направления, или творчеству отдельных композиторов. Соответственно можно говорить о стиле историческом, национальном, или индивидуальном.

Искушенный слушатель по стилю легко отличит расчлененные, строгие формы музыкального классицизма от текучей массивности барокко; по первым звукам узнает Моцарта или Шопена, но возможно затруднится в определении на слух композиторов одного стиля, одного музыкального направления, школы, например: Моцарт или Гайдн? А вот Бетховена, как правило, узнает сразу.

Музыкальные стили связаны со стилями других искусств. Как похожи, например, наполненные изящными и галантными украшениями клавесинные пьесы французских композиторов XVIII века Рамо и Куперена на живопись в стиле рококо, с легкими завитками линий. Как близка музыка Дебюсси, одного из ярких представителей музыкального импрессионизма, живописи импрессионизма.

Как устроен стиль? Своеобразие стиля выявляется в отличительных признаках. Приметы стиля присутствуют решительно во всех сторонах музыки – в

фактуре, ритме, мелодике, гармонии и т.д. Однако стиль это не традиционный набор средств музыкальной выразительности, ведь на первом плане остается содержание музыки, а средства выразительности всего лишь средства воплощения образа. Именно поэтому мы отличаем мечтательную, мятущуюся душу Шопена от спокойной созерцательности Лядова.