Вагнер, Бизе, Верди , Берлиоз , Лист 3 страница

- отказ от изображения реальной действительности, уход в воображаемые миры, созданные творческой волей художника; следование принципу: «Искусство – другая планета, вы сами по себе, мы сами по себе». (В конце жизни Скрябин задумал «Мистерию» - священный ритуал, соединяющий все виды искусства, в процессе исполнения которого все участники должны были перейти в иное состояние, фактически умереть и воскреснуть)

Поздние романтики использовали традиционный музыкальный язык, но значительно обогатили его. Так, Скрябин использовал расширенную тональность, соединил музыку со светом. В грандиозном произведении для оркестра и хора «Прометей. Поэма огня» тонический аккорд состоит не из 3-х, а из 6 разных звуков (это «неземная», космическая гармония).

Экспрессионизм представлен в творчестве композиторов Австрии и Германии, представителей «нововенской школы» - Арнольда Шенберга и его ученика Альбана Берга. Возник во всех видах искусства как реакция на уродливые явления в жизни общества в преддверии Первой мировой войны. Как и романтизм, экспрессионизм выражает субъективные переживания. Однако у романтиков внутренний мир противопоставлялся внешнему - как источник возвышенных, идеально-прекрасных представлений (мечты, надежды, грезы, творческие фантазии). Экспрессионизм показывает человека в условиях свершившейся катастрофы, когда рушится не только внешний мир, но и внутренний. Душевная жизнь приобретает искаженные, уродливые формы.

Страдание, отчаянье, тревога, страх, состояния перевозбужденной психики, бред - типичные эмоции экспрессионизма. Основное настроение – крайняя боль.

Экспрессионизм потребовал новых средств выражения. Это изломанная мелодия, диссонансы, рваные ритмы, контрастная динамика, жесткие, пронзительные тембры инструментов, в вокальной партии – «шпрехштимме» (полупение-полуговор). Атональность (отказ от тональности).

Первый образец муз. экспрессионизма – моноопера Шенберга «Ожидание» 1909 года, которую слушатели назвали «драмой крика» (ср. в живописи - картина Эдварда Мунка «Крик»). Героиня ждет возлюбленного ночью, в лесу, во время непогоды. Ей страшно, она мечется по лесу. В конце концов находит возлюбленного на скамейке, разговаривает с ним – оказывается, это труп.

Лучшие произведения экспрессионизма – вокальный цикл Шенберга «Лунный Пьеро» (1912 г., любование мрачным колоритом) и особенно опера Берга «Воццек» (1921 г., «страшная драма ревности, взрастающая в лесу нищеты, сплетен, пошлости, глупого чванства, животного влечения, пьяного угара» - слова академика Асафьева). Денщик Воццек убивает свою возлюбленную, мать своего ребенка Мари, которую оговорили соседи. Все герои изначально пребывают во взвинченном состоянии, пребывая в атмосфере унижения и оскорбления человеческой личности – провинциального военного городка.

Если экспрессионизм заостряет, утрирует трагизм действительности, то импрессионизм и особенно абстракционизм, наоборот, стремятся средствами искусства внести в мир красоту и гармонию.

Импрессионизм представлен творчеством французского композитора Клода Дебюсси (1862-1918). Этот музыкальный стиль сформировался под влиянием импрессионизма в живописи и символизма в поэзии. Импрессионизм, в отличие от романтизма и экспресионизма, не погружает в субъективный мир. Он передает впечатления (фр. impression - «впечатление») от мира внешнего. Часто это пейзажи, созерцание и любование картинами природы. (Симфонический ноктюрн «Облака», симфония «Море», фортепианная пьеса «Лунный свет» и др.). Импрессионизм пытается передать изменчивость мира и при этом красоту и ценность каждого мгновения. Отсюда в музыке – замена протяженных мелодий короткими мотивами (которые возникают и тут же исчезают), свобода и спонтанность формы («начало не знает, каким будет конец, конец не помнит, каким было начало»), неопределенные, «скользящие» аккорды.

С символизмом в литературе музыкальный импрессионизм связан через идею Тайны мира, когда все, что мы видим в реальном мире, является лишь знаком, символом невидимого, ирреального мира. В творчестве Дебюсси к символизму особенно близки опера «Пеллеас и Мелизанда» (по пьесе Меттерлинка), фортепианные пьесы «Шаги на снегу», «Колокола сквозь листву» и мн. др.)

Абстракционизм представлен в музыке творчеством Антона Веберна (1883-1945), еще одного ученика Шенберга, представителя «нововенской школы». Абстракционизм – наиболее радикальное авагардное течение начала 20 в. в живописи, литературе и музыке. Представители этого течения вообще отказываются от изображения «натуры», какой бы то ни было реальности – как внешнего, предметного мира, так и внутренних, душевных переживаний. (Живопись становится беспредметной, музыка перестает вырахать эмоции). Абстракционизм пытается непосредственно воплотить категории Духовного, Идеального. Для этого используется метод ассоциаций. При этом, чтобы не вызывать ассоциаций с реальностью, абстрактное искусство отказывается от всех привычных средств выражения. Оно оперирует лишь первоэлеиентами своего языка, без которых оно перестало бы существовать. Так, в живописи остаются цвет и форма, в литературе – слово, в скульптуре – объем, в музыке – звук. Комбинируя первоэлементы, абстракционисты вызывали ассоциации с абстрактными духовными категориями (Пространство, Время, Вечность, Гармония, Дисгармония, Движение, Покой, Красота и т. п.)

Однако в музыке звуки тяготеют к объединению в мелодию или как минимум, в краткие мотивы (мы так слышим). Мотивы же обладают интонацией, а интонация неизбежно выражает человеческую эмоцию. Абстракционизм не может этого допустить. Поэтому для того, чтобы обособить звуки, не дать им сцепиться в интонации, был придуман ряд приемов. Например, в оркестровой музыке поручать каждый следующий звук другому инструменту.

Наиболее тотальный принцип, изобретенный для разъединения и последующей организации звуков в абстрактной музыке – додекафония (двенадцатизвучие). Этот принцип подразумевает, что каждый из 12 звуков, составляющих октаву (с учетом «черных» и «белых» клавишей) не может повториться, пока не были использованы (в том или ином порядке, по отдельности или в созвучиях) остальные 11. Это обеспечивает равную весомость каждого звука, его самостоятельность и самодостаточность.

Из таких «прочувствованных звуков» состоит вся музыка Веберна, которую знатоки считают воплощением высшей красоты – красоты не души, но духа. У Веберна больше 40 произведений (включая симфонию), но все вместе они звучат около 2, 5 часов – поскольку каждый звук по значимости равен целой мелодии в традиционной музыке.

Не менее радикально обновил содержание музыки и музыкальный язык Игорь Федорович Стравинский (1881-1971). Это поистине культовая фигура в музыке 20 в., композитор, которого всю жизнь сопровождала слава, однако нередко скандальная. (На премьере его балета «Весна священная» в Париже на сцену от возмущения публика кидала стулья).

И жизнь, и творчество Стравинского полны парадоксов. Он трижды легко сменил страну проживания (Россия-Франция-Америка). Но главное, он неоднократно менял стиль своей музыки (сам он называл эти стили «манерами»). Как правило, Стравинский осуществлял тот или иной стилевой поворот первым, открывая для музыки новые пути, по которым уже вслед за ним устремлялись другие композиторы. Поэтому, прожив долгую жизнь, Стравинский сумел также долго оставаться остросовременным художником.

Основных стилистических манер было три – Стравинский определял в них себя как «варвар», «эстет», «аскет». Мы называем эти стили неофольклоризм, неоклассицизм, абстракционизм (в последнем он следовал за Веберном).

Неофольклоризм представлен «русскими балетами», поставленными в 1910-е гг. в Париже в антрепризе Дягилева («Жар-птица», «Петрушка», «Весна Священная») и целым рядом других произведений этого десятилетия на сюжеты из русского фольклора. Подобные сюжеты традиционны для русской классической музыки, но крайне необычна их музыкальная интерпретация. Так, в «Весне священной», где изображается языческий обряд жертвоприношения богу весны, мы не найдем ни одной протяженной мелодии, с которой ассоциируется русская народная песня: композитор оперирует лишь краткими мотивами. Зато на первый план Стравинский выводит ритм. Ритм «Весны» жесткий, со сбоями, с разрывами, с постоянной сменой акцентов. При этом музыка в балете движется сразу несколькими пластами, у каждого из которых своя ритмическая пульсация, перекрывающая ритм другого пласта – не случайно «Весну» называют музыкальным кубизмом.

Выдвижение на лидирующие позиции ритма было связано с определенными художественными задачами. Передавая характер первобытного языческого обряда, Стравинский воспевал дикие, варварские, стихийные силы, которые пробуждаются коллективным обрядовым действом, чтобы приблизить буйное весеннее обновление. Все это как нельзя лучше отражало взрывчатую атмосферу времени, проникнутую жаждой очистительного разрушения, расчищающего путь к новому. Благодаря «русским балетам» Стравинский был признан лидером музыкального модернизма.

Неоклассицизм образуют произведения центрального периода (20-40-е гг.). Здесь основой творчества становится не фольклор, а самые разные модели музыки прошлых эпох – средневековья, Возрождения, барокко, классицизма. Стравинский работает в классических жанрах (концерт, симфония, опера, оратория), подражает старинным формам, приемам композиции, отдельным элементам техники композиторов прошлого. (Открывает период балет «Пульчинелла», где использованы мелодии композитора 18 века Перголези). Некоторые поклонники Стравинского обвинили егов отказе от модернизма, но были не правы. Звучание произведений Стравинского остается при современным, их принадлежность к XX веку безошибочно определяется слухом по своеобразному сочетанию «бахизмов» с «фальшивизмами». Новой была и сама идея творческого диалога с прошлым, смешения его с остросовременным.

Однако новаторство его музыки в целом не исчерпывается открытиями того или иного периода, а касается всего творчества в совокупности. Самое смелое нововведение Стравинского заключается в самой возможности кардинальных стилевых переломов в творчестве одного автора. Единство стиля, его неповторимость, узнаваемость всегда считалось достоинством композитора. Стиль являлся проявлением индивидуальности автора. Однако Стравинский в своей музыке вообще не показывает миру свою личность. (Когда в результате эпидемии у него умерла мать, жена и одна их дочерей, это никак не отразилось в музыке). Он не считает музыку самовыражением (как романтики и экспрессионисты), иди отражением окружающей действительности – реальной или идеальной (как реалисты иди абстракционисты). Для него музыка – нечто третье. Это – игра. Игра как процесс, который доставляет радость. Игра как пребывание в иной, особой, «игровой» реальности. Игра, как действие, в котором есть правила, есть порядок. Стравинский не сам придумал такое понимание музыки – ведь на разных языках исполнение музыки на инструментах обозначается словом «играть». Дать людям возможность играть в такую интеллектуальную и творческую игру, как музыка, чтобы хотя бы на время отвлечься от страшных катаклизмов 20 века, было благородной миссией Стравинского.

60. Искусство авангарда (картины «Черный квадрат» К.С. Малевича, «Полет над городом» М.З. Шагала, «Танец» А. Матисса, «Герника» П. Пикассо)

Рсский авангрд — общий термин для обозначения значительного явления в искусстве, процветавшего в России с 1890 по 1930 год, хотя некоторые ранние его проявления относятся к 1850, а поздние — к 1960 годам. К русскому авангарду можно отнести различные новаторские направления в российском искусстве, обозначавшиеся терминами «модернизм», «новое искусство», «футуризм», «кубофутуризм», «левое искусство» и др.

Русский авангардизм включает в себя различные школы и направления. «Голубая роза» открыла новую живописную тему Востока. «Бубновый валет» - связь русских живописцев с европейскими, стремление строить форму при помощи света.

В 1912 году молодые художники Гончарова, Малевич, Шагал, отделившись от «Бубнового валета», назвали свою группу «Ослиный хвост». Название подчеркивало бунтарский характер

Вопрос 2. Искусство русского авангарда (картины «Черный квадрат» К.С.Малевича, «Полет над городом» М.З.Шагала, «Пир королей» П.Н.Филонова).

творчества, направленный против художественных норм. Позже Малевич, Татлин, Кандинский встали на путь абстракционизма.

Направления:

АБСТРАКЦИОНИЗМ – направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. В живописи России XX века главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (работавший в Германии, где и создал первые абстрактные композиции), Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, основавшие в 1910—1912 гг. «ЛУЧИЗМ», и, считавший себя основоположником нового типа творчества супрематизма, Казимир Малевич, создатель знаменитого «Чёрного квадрата».

Родственным абстракционизму течением является КУБИЗМ, стремящийся изобразить реальные объекты множеством пересекающихся плоскостей, создающих образ неких прямолинейных фигур, которые воспроизводят живую натуру. Одними из самых ярких примеров кубизма были ранние работы Пабло Пикассо.

СУПРЕМАТИЗМ (от лат. supremus — наивысший) — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х гг. в России К. С. Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в лишённых изобразительного смысла комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). В беспредметных полотнах краска, по мысли К. С. Малевича, была впервые освобождена от подсобной роли, от служения другим целям, — супрематические картины стали первым шагом «чистого творчества», то есть акта, уравнивавшего творческую силу человека и Природы (Бога).

Супрематизм стал одним из центральных явлений русского авангарда. Начиная с 1915 г., когда были выставлены первые абстрактные работы Малевича, в том числе «Чёрный квадрат», влияние супрематизма испытали такие художники как Ольга Розанова, Любовь Попова, Иван Клюн, Надежда Удальцова, Александра Экстер, Николай Суетин, Иван Пуни, Нина Генке, Александр Древин, Александр Родченко и многие другие. В 1919 г. Малевичем и его учениками была создана группа УНОВИС (Утвердители нового искусства), развивавшая идеи супрематизма. В дальнейшем, даже в условиях гонений на авангардное искусство в СССР, эти идеи нашли свое воплощение в архитектуре, дизайне, сценографии.

«Чёрный квадрат» — самая известная картина Казимира Малевича.

Картина представляет собой полотно размером 79, 5 на 79, 5 сантиметров. На нём изображён чёрный квадрат на белом фоне. «Черный квадрат» задумывался Малевичем как некая «картина картин», свободная от всего внешнего и преходящего. В картине совершался вызов всему тому, что традиционно изображала живопись – пейзажи, портреты, натюрморты.

По утверждению художника, он писал её несколько месяцев. Впоследствии Малевич выполнил несколько копий «Чёрного квадрата» (по некоторым данным, семь). Достоверно известно, что в период с 1915 по начало 1930-х годов Малевич создал четыре варианта «Чёрного Квадрата», которые различаются рисунком, фактурой и цветом. Им были также написаны картины «Красный квадрат» (в двух экземплярах) и «Белый квадрат» («Супрематическая композиция» — «Белое на белом») — один.

" ПОЛЕТ НАД ГОРОДОМ" ШАГАЛ. Стиль Марка Шагала сложился под воздействием сразу нескольких течений современного искусства — это, прежде всего, кубизм, экспрессионизм и сюрреализм. Однако художник всегда предпочитал идти собственным путем. Шагал черпал вдохновение в повседневной жизни, и ведущими в его творчестве всегда оставались вечные темы рождения, любви и смерти. Шагал их решал поэтически, а иногда просто фантастически. В созданном им мире фантазия смешивается с реальностью, а иудейский символизм — с символизмом христианским. Он был удивительно плодотворным художником, и хотя некоторые

его работы осуждались за сентиментальность и вторичность, лучшие из них заняли свое место в одном ряду с классикой современного искусства.

Картина «Над городом», написанная в течение 4 лет с 1914 по 1918 год. Представляет она собой, с одной стороны, изображение любимого Витебска. Все узнают тут Покровский собор, узнают дома, узнают заборы, козочек. Какая картина Шагала без козочки? Но больше всего в этой картине неба. И в этом небе летят двое возлюбленных - это Марк и Белла Розенфельд (возлюбленная Шагала). В картине есть одна пикантная деталь, а именно: на самом переднем плане за забором мы видим человечка, который примостился уютно, поскольку у него неотложная нужда. Этой картиной Марк Захарович как бы всем ответил, что существует наша земная жизнь с ее радостями, печалями, с ее повседневностью. Но любовь – это то чувство, которое окрыляет человека. Человек отрывается от земли. Не случайно ведь в обыденной речи говорят о влюбленных, которые не чуют ног, земли под своими ногами, они воспарили.

Авангард (фр. Avant-garde, «передовой отряд») — обобщающее название течений в европейском искусстве, возникших на рубеже XIX и XX веков, выраженное в полемически-боевой форме (отсюда само имя, взятое из военно-политической лексики). Его временными рамками принято считать период с 1870 по 1938 год. Авангард характеризуется экспериментальным подходом к художественному творчеству, выходящим за рамки классической эстетики, с использованием оригинальных, новаторских средств выражения, подчёркнутым символизмом художественных образов.

Для авангарда характерно стремление к коренному обновлению художественной практики, разрыву с принципами и традициями, поиски новых необычных средств выражения произведений. Кубизм, фовизм, абстракционизм, сюрреализм, дадаизм, поп-арт, кич.

Кубизм – новая система живописи, созданная Пикассо и Ж. Браком (Сезанн, Леже). В живописи вступает умственный фактор. Задачей кубистов было одновременное изображение на полотне нескольких сторон одного предмета, как бы видимых с разных точек.

«Герника» — картина Пабло Пикассо написана в период гражданской войны в Испании. В основе картины – трагический эпизод гражданской войны, бомбардировка Герники, в результате которой город был стерт с лица земли.

После выставки полотно выставлялось в ряде стран (в основном в США).

Это огромное полотно было написано с невероятной скоростью - всего за месяц. Выбор черно- белой палитры, с одной стороны, передает хронологическую близость к газетной фотографии того времени, с другой — отражает безжизненный характер войны.

«Герника» изображает страдающих людей, животных, и здания, трансформированные под воздействием насилия и хаоса. Катастрофа разворачивается в тесном пространстве бомбоубежища, в левой открытой части которого над женщиной с мертвым ребенком на руках стоит бык с широко открытыми глазами.

Все это отражает идею, что все мы часто вынуждены страдать безо всякой на то причины. Пикассо использует хорошо опознаваемый образ, чтобы продемонстрировать, как все мы схожи с Христом, в котором все мы страдаем и в конечном счете умираем.

Фовизм – организация пространства с помощью света, отсутствие светотени, декоративность. Главный представитель – Анри Матисс. Живопись фовистов отличают насыщенность цветов, подчеркнутый контур. Все эти особенности проявились в картине «Танец» Матисса, построенной на сочетании трех цветов: синего, зеленого и розового.

«Танец» — созданная в 1910 году картина французского художника Анри Матисса. Существует в двух версиях: первая находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке, вторая и наиболее известная — в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.

Два полотна из этой серии — «Танец» и «Музыка» — находится сейчас в Эрмитаже, панно «Купание, или Медитация» — так и осталось незаконченным, сохранились лишь наброски художника.

Танец выполнен по заказу коллекционера Щукина. Перед отправкой полотна в Россию оно было выставлено в Осеннем салоне 1911 г. и вызвало скандал. Заказчика за глаза называли сумасшедшим и собирателем декадентствующего хлама. После революции собрание Щукина было национализировано, и «Танец» поступила в собрание Эрмитажа.

Сюжет картины Матиссу навеяли увиденные им в Коллиуре народные пляски. Другая версия — «Танец» — написана под впечатлением от греческой вазовой живописи и русских сезонов С. Дягилева. На картине изображен танец, хоровод пяти обнаженных людей на вершине холма.

Сюрреализм сделал источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а своим методом – разрыв логических связей. Главные черты сюрреализма: противоестественность сочетания предметов и явлений. Метод Дали заключался в способности видеть разные образы в одной форме, симулировать параноидальные состояния, зарисовывать сны.

«Мягкая конструкция с варёными бобами (предчувствие гражданской войны)» — картина испанского художника-сюрреалиста Сальвадора Дали. Картина была написана Дали незадолго до начала гражданской войны в Испании.

Дали изображает жуткого монстра с лицом, искаженным болезненной гримасой, и деформированными частями тела, раздирающими друг друга. Эта странная конструкция из человеческих рук и ног своей формой напоминает очертание Испании. Сооружение как будто нависает над традиционным для Дали низким горизонтом. Внизу на земле рассыпаны варёные бобы. Трагический эффект усиливается тем, что фигура расположена на фоне равнодушной природы. Сочетание этих предметов создаёт абсурдное, болезненно-фантастическое сочетание, передающее впечатление Дали от событий, происходивших в те годы в Испании.

Как и написанный в том же году «Осенний каннибализм», это картина — ужас испанца, понимающего, что происходит с его страной и куда она движется. Это полотно сродни «Гернике» испанца Пабло Пикассо.

61. Рождение кинематографа - цепь исторических событий, предшествующих возникновению киноискусства (фенакистископ Ж.. Плато; фотографическое ружье Ж. Марея; кинетограф Т.-А. Эдисона; синематограф братьев Люмьер; «Прибытие поезда» Л. Люмьера; «Путешествие на Луну» Ж. Мельеса; «Большое ограбление поезда» Э. Портера; «Нетерпимость» Д.-У. Гриффита; «Понизовая вольница» В. Ромашкова; «Пиковая дама» Я. Протазанова).

Кинематограф возник не в один день, а в результате нескольких событий. Изобретение кино связано с древней потребностью людей наблюдать движение, мечтой изображать его. В этом смысле высшей точкой оказалось творчество импрессионистов (Моне, Ренуар, Дега, Роден,

Инструментальные:

Пьеса, соната

Инструментальный ансамбль (квартет)

Оркестр (концерт, симфония) Балет

Мухина), они старались запечатлеть миг, мгновение, которое в следующий миг станет историей. Перемена света, его движение – очень важная стадия в разработке процесса движения. Художник выстраивает композицию, управляя нашим взглядом, т.е создает некую точку, куда падает взгляд. Чтобы создать подобное на экране, надо создать движение камеры. Любое произведение скрывает в себе идею, ради которой автор создает его. На экране эта идея достигается через движение кадра, или движение в кадре. Изображение должно быть подвижным или предполагать движение. Реальное движение, его ожидание лежит в основе постижения смысла увиденного на экране.

В 1826 году Плато 25 секунд смотрел на солнце, и в результате этого опыта сделал вывод: сетчатка глаза помнит то, что уже не видит. Принцип, на котором основан этот оптический обман, очень прост: инерция зрительного восприятия. И этот принцип лежит в основе кинематографа. В конце 1832 года Плато создает фенакистископ. «Если несколько предметов, постоянно меняющих форму и положение, будут последовательно возникать перед глазами через очень короткие промежутки времени и на маленьком расстоянии друг от друга, то изображения, которые они вызывают на сетчатке, сольются, не смешиваясь, и человеку покажется, что он видел предмет, постоянно меняющий форму и положение» - Жозеф Плато, август 1833 года. В своих комментариях к принципам действия фенакистископа Плато очень точно сформулировал «...принцип действия современного кино, или, скорее, закон, на котором основана съемка или проецирование фильмов». Иллюзия непрерывности – то, что мы видим на киноэкране, когда сетчатка глаза монтирует предыдущее событие со следующим.

Вот тогда возник следующий этап в передаче движения на экране, плоскости – фотография. Она ловит мгновение, изображая нечто натуральное. Вывод: раз фотография передает один миг, одну фазу движения, значит нужно показать несколько фотографий одну за другой, чтобы возникло реальное движение. Майбридж (фотограф) провел опыт на скачках, установив 12 фотоаппаратов, к спуску каждого натянул нитки, лошадь при движении обрывала нитки, фотоаппараты срабатывали; выяснилось, что в определенный момент лошадь полностью находится в воздухе. Во время показа этих снимков подряд получилось движение.

Этим опытом заинтересовался Марэй. В 1884 году Ж. Марей сконструировал фотографическое ружье, позволяющее делать до 100 кадров в секунду. Опыты Майбриджа и Марея внесли значительный вклад в изучение движений человека и животных и в развитие техники.

Это был период изобретений (водопровод, электрическая лампочка, радио). До изобретения кинематографа оставался одни шаг, и сделал его Эдисон, он создал фонограф. Кинематограф был изобретен в качестве технической идеи. Его аппараты создают эффект зрительного восприятия. В 1889 году Эдисон создает кинетограф, а потом, вместе с Диксоном, коммутирует его с фонографом. На этот аппарат, кинетофонографом, он снял сам себя – это первый в мире фильм, снятый на пленку. И он был звуковым! Но он не знал, что с этим делать... Эдисон не верил в будущее кинематографа.

Братья Люмьер – первые, кому пришла в голову идея устроить общественный киносеанс. Изобретение братьев Люмьер, которые в 1895 г. разработали конструкцию киноаппарата для съемки и проекции движущихся фотографий, было названо синематографом (в него входили съемочный аппарат, емкость для проявки пленки, проекционный аппарат). Опытная демонстрация фильма, заснятого на кинопленке (Прибытие поезда), состоялась в марте 1895 г., а в конце декабря того же года в Париже уже начал функционировать первый кинотеатр. Первый в мире платный общественный киносеанс прошел 28.12.1895 г. «Прибытие поезда» Люмьера: поезд прибывает на станцию, приближаясь из глубины внутрикадрового пространства; паровоз проезжает мимо съемочной камеры и исчезает из кадра, поезд останавливается. Из вагонов, открывая двери купе прямо на перрон, выходят пассажиры, суетятся проводники и контролеры. Это одни из фильмов, показанных на бульваре Капуцинов в Париже на первом публичном киносеансе. В фильме интерес вызывает угол съемки, под острым

углом к движению поезда. Весь фильм снят одним кадром, без склеек. «Кормление ребенка», «Выход рабочих с фабрики», «Политый поливальщик» - в основе всех фильмов лежит хроника.

Жорж Мельес – первый гений кино, подошел к делу с творческой стороны. Фокусник и фотограф, попав на киносеанс к бр. Люмьерам, был потрясен. Он понял, что фокусы реальны на экране. Он – изобретатель 70% всех спецэффектов. Без Мельеса не было бы фантастического кино. В кино принято различать два направления – Люмьеровское и Мельесовское. Люмьеры снимали хронику. Мельес – либо фантастические феерии, либо реконструировал реальные события. Он запатентовал ряд кинематографических приборов, которые позволяли делать задержки, замедления, ускорения, накладывание изображений одно на другое.

«Путешествие на Луну» - предшественник «Звездных войн», 1902 год. Астрономы бурно обсуждают возможность полета на Луну. Обсуждение заканчивается потасовкой. Участники полета приходят на завод, где посредством огромной пушки их запускают в космос. Прилунившись, ученые укладываются спать. Затем они отправляются в подлунье, где попадают в плен. Освободившись, они погружаются в «космолет» и попадают на Землю. Это пародия, шарж, исполнители не знают, как вести себя перед камерой. Приемы, которыми пользовался Мельес – игра с масштабом изображения, съемка с движения (трэвелинг).

Кинематограф воспринимался как аттракцион. До 1902-04 зрители шли, чтобы увидеть Movie pictures. Но Шарль Пате заработал на нем деньги, организовал фирму по созданию кинопроизводства, построил киностудию, создал фабрику по производству фильмов в Венсане. Таким образом, он создал кинопромышленность.

Пате, переехав в США, занялся кинопромышленностью и там. В США фильмы уже снимались на улице. Движущаяся камера появилась в США с появлением ковбойских фильмов. «Большое ограбление поезда», Портер, 1903.

Первые цветные фильмы появились у Патэ, их раскрашивали от руки кадр за кадром. Следующий этап – «вираж» - в закрепитель добавлялся краситель (с 10-х до 20-х гг.) – окрашенные, вирированные фильмы.

«Большое ограбление поезда» Портера (1903) – бандиты останавливают поезд, убивают охранника, взрывают сейф, забирают деньги, уезжают на отцепленном вагоне, а затем скрываются на лошадях. В итоге, их все равно догоняют солдаты, и всех убивают. Фильм заканчивается выстрелом одного из бандитов прямо в объектив. Фильм считается первым вестерном, хотя этот термин появился в 50-х гг. Он интересен тем, что в действии используется параллельный монтаж, скорее неосмысленный, т.к. надо показывать разные места действия. Некоторые кадры в фильме окрашены (взрывы, выстрелы, некоторые одежды). Без этого фильма не было бы и дальнейшего развития кино. В 1909 году начало заселяться поместье Холливуд (остролист+ рощица).