И баланс. Ближние микрофоны нужны чтобы добавить прозрачность/разборчивость. 6 страница

Центральный образ произведения – Ярославна, жена князя Игоря. Шедевром древнерусской лирики является плач Ярославны, обращение к силам природы с мольбой о спасении Игоря. Ярославна плачет в Путивле на городской стене, ее голос слышится на Дунае.

В " Слове" соединены два фольклорных жанра: " слава" и " плач" — прославление князей с оплакиванием печальных событий.

Это первое художественное русское произведение. Опубликовано в 1800 году, в 1812 – книга потеряна при пожаре, но сохранились опубликованные издания. Предполагаемый автор – летописец Петр Бориславович.

«Слово...» многократно переводилось на современный литературный язык. Переводы были созданы Жуковским, Майковым, Заболоцким, Юговым и др.

На сюжет «Слова...» написана опера Бородина «Князь Игорь». По его мотивам были созданы произведения живописи.

44. Древнерусское зодчества (архитектурный ансамбль Московского Кремля и Красной площади).

Русская архитектура следует за традицией, корни которой были установлены еще в Византии, а затем в Восточном Славянском государстве Киевская Русь. После падения Киева, российская архитектурная история продолжалась в княжествах Владимира-Суздаля, и Новгороде, и последующих государствах — Московского Царства, Российской империи, Советского Союза, и современной Российской Федерации.Средневековое государство Киевской Руси было предшественником современных государств России, Белоруссии, и Украины и их соответствующих культур, включая архитектуру.

Большие церкви Киевской Руси построенные после принятия Христианства в 988, были первыми примерами монументальной архитектуры в Восточных Славянских странах.

Архитектурный стиль государства Киевской Руси быстро утвердился под влиянием Византийского. Ранние Восточные Ортодоксальные церкви были главным образом сделаны из дерева, с самой простой формой церкви, которая известна под названием cell church. Главные соборы имеют множество маленьких куполов, что привело некоторых историков искусства к предположению, что это — признак того, на что должны были быть похожи языческие Славянские храмы.

Софийский собор в Новгороде (1044—1052), с другой стороны, выражал новый стиль, который проявил сильное влияние на русскую церковную архитектуру. Его строгие толстые стены, маленькие узкие окна, и защищенные шлемом купола имеют много общего с романской архитектурой Западной Европы.

Дальнейший отход от Византийских моделей очевиден в последующих соборах Новгорода: Николо-Дворищенский собор (1113 год), Рождественский собор Антониева монастыря (1117-19 годы), и Георгиевский собор Юрьева монастыря (1119 год).

Светская архитектура Киевской Руси едва ли сохранилась. До двадцатого столетия, только Золотые Ворота Владимира, несмотря на большие восстановительные работы восемнадцатого столетия, могли быть расценены как подлинный памятник предмонгольского периода. В 1940-ых, археолог Николай Воронин обнаружил хорошо сохранившиеся остатки дворца Андрея Боголюбского в Боголюбово (1158—1165).

Кремль – крепость, расположенная на Боровицком холме по левому берегу Москвы-реки. История Москвы начинается с Кремля. В 1156 году по распоряжению Юрия Долгорукого построена первая деревянная крепость. Архитектурный облик Кремля менялся из века в век. В 13 веке Кремль был обнесен дубовыми стенами, построен первый белокаменный храм (на месте Успенского собора). В 1367 году, в княжение Ивана Калиты, вместо деревянных были возведены каменные стены и башни из белого известняка (отсюда белокаменная).

Кремль окончательно стал доминирующим центром столицы. Это способствовало и его новому значению как месту пребывания правительства Русского государства. Строгий характер архитектуры кремлевских стен и башен свидетельствовал об их крепостном, оборонительном назначении.

Новые кремлевские стены и башни из красного кирпича строились в 1485-1495 гг. они построены архитекторами Фрязиным, Пьетро Солари и др.

Протяженность стен – 2 км 235 м. толщина в среднем составляет пять метров, высота – до 19 метров. Всего 19 башен. План Кремля, площадь которого равна примерно 27, 5 га, приближается к форме треугольника, что обусловлено естественным рельефом местности - высоким холмом у слиянии двух рек, на котором он расположен. В середине каждой стороны треугольника помещены прямоугольные проездные башни. Между ними и круглыми угловыми башнями, расположены дополнительные башни и ворота.

Главный въезд в Кремль, был по деревянному подъемному мосту через ров и Спасские ворота, в древности носившие название Фроловских. В XVI веке Спасские ворота были надстроены деревянной шатровой башней, в которой были помещены кремлевские куранты - большие городские часы со звоном. Первоначально башни заканчивались зубцами и имели невысокую деревянную кровлю, которая шла также вдоль всей кремлевской стены.

Главные памятники Кремля: Успенский собор, Благовещенский собор, Архангельский собор, церковь Ризположения, Грановитая палата, колокольня Ивана Великого, Патриаршие палаты, здание Сената, Большой Кремлевский дворец, новое здание Оружейной палаты. На территории Кремля установлены Царь-колокол и Царь-пушка, находится несколько музеев (Оружейная палата, Алмазный фонд).

С северо-восточной стороны к Кремлю примыкает Красная площадь. Она возникла после того, как в конце 15 века вдоль стены был прорыт ров, соединивший Москву-реку и Неглинную (позже был засыпан). Около этого рва образовалась торговая площадь, названная Торгом. С

начала 16 века площадь стала местом торжественных церемоний, получив название красной, то есть красивой.

Памятники архитектуры: Храм Василия Блаженного (Покровский собор), Храм иконы Казанской Богоматери, Лобное место, здание Исторического музея, Верхние торговые ряды, Мавзолей, памятник Минину и Пожарскому.

Покровский собор был построен в 1555—60 годах по приказу Ивана Грозного в память о взятии Казани и победе над Казанским ханством.

Ходят легенды, что после окончания строительства царь велел выколоть глаза архитекторам, чтобы они больше ничего подобного построить не смогли. А шатер в плане имел форму восьмиконечной звезды, как бы повторяя план самого храма. В 1588 году с северо-восточной стороны собора был пристроен придел над могилой юродивого Василия Блаженного, который умер в возрасте 82 лет и которого, как говорят, чтил и боялся сам Иван Грозный. С тех пор и укоренилось употреблявшееся в просторечии название храма.

За свою историю это уникальное произведение мирового зодчества пережило многочисленные пожары. Реконструкции и ремонты все больше изменяли первоначальный облик храма. В 1930 году, когда был построен каменный Мавзолей и проведена реконструкция Красной площади, к собору был перенесен памятник Минину и Пожарскому.

45. Искусство эпохи Возрождения («Джоконда» Леонардо да Винчи, «Давид» Микеланджело, «Сикстинская мадонна» Рафаэля, «Менины» Веласкеса).

Возрождение, или Ренесснс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Высоким Возрождением принято называть время самого пышного развития этого стиля, оно длится в Италии примерно с 1500 по 1580 г. В это время центр итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим. Именно в этот период достигли вершин своего творчества Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль.

Примерные хронологические рамки эпохи — XIV—XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин. В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета.

Концепция антропоцентризма привела к расцвету науки, культуры, искусства, светской жизни. Эпоха возрождения – это эпоха создания крупных государств. Формировались государственные языки из множества разных диалектов. Формировались нации. Рост городов- республик.

Двойственность: мыслители и художники чувствовали в себе безграничную силу проникать в глубины внутренних переживаний и красоты природы. Вместе с тем, был страх природы, ощущение беспомощности и бессилия.

Именно в этот период зарождаются естественные науки (Коперник, Бруно, Галилей).

В изобразительном искусстве в центре внимания – пластика, красота, гармония и мера. Искусство становится религией, а художники приобретают статус творцов, подобных Богу. Леонардо да Винчи объявляет живопись философией. Микеланджело убежден, что в своих поисках совершенной человеческой фигуры в пластике он подражает самому Богу.

Драматургия Возрождения – «Гамлет» Шекспира.

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ (1452-1519). Родился в Италии. Умер во Франции. Химик, механик, художник, анатом, изобретал летательный аппарат.

«Джоконда» («Мона Лиза») — картина является одним из самых известных произведений живописи в мире. Достоверно неизвестно время и место создания картины, и кто запечатлен на ней. По одной из версий, Леонардо зашифровал в картине собственный автопортрет.

«Мона Лиза», на создание которой он потратил много лет, стала красивым, но в то же время недосягаемым и бесчувственным образом. Она одновременно кажется сладострастной и холодной. Лицо и фон окутывает воздушная дымка. На фоне отдалённых гор фигура производит впечатление монументальной, хотя формат картины невелик (77х53 см). Эта монументальность присуща возвышенным, божественным существам. Неспроста Леонардо выбрал позицию модели, очень схожую с позициями богоматери в итальянских картинах XV века.

Секрет выразительности лица Джоконды — в технике многослойной живописи тонкими слоями краски поверх уже высохших слоёв. Выражение её лица постоянно неуловимо меняется, оно действительно как бы живёт. Загадка в том, как ему удалось достичь именно изображения черепа, смерти, мерцающей сквозь красивое женское лицо, ведь это почти невозможная задача.

Тайну «Джоконды» пытались разгадать художники разных эпох. Интерес к ней подогревался таинственной кражей картины из Лувра в 1911 году и еще боде загадочной находкой ее два года спустя.

«Давид» - мраморная статуя работы Микеланджело. 5-метровое изваяние стало восприниматься как символ Флорентийской республики и поэтому установлено на главной площади Флоренции.

Статуя, предназначавшаяся для кругового обзора, изображает обнажённого Давида, сосредоточенного на предстоящей схватке с Голиафом (в отличие от Донателло, изобразившего Давида после поединка с Голиафом). Юноша готовится к бою с превосходящим его по силе врагом. Он спокоен и сосредоточен, но мышцы его напряжены. Свободная поза героя выражает силу и уверенность в предстоящей победе.

«Сикстинская мадонна» - самое совершенное произведение Рафаэля Санти. Это его последнее завершенное произведение. Полотно было создано Рафаэлем в 1512—1513 годах по заказу Папы Юлия II в честь победы над французами, вторгшимися в Италию.

В обрамлении зеленых занавесей на светлых облаках стоит Мария с младенцем Христом на руках. Слева от Мадонны святой Сикст 2, у ног его папская тиара, справа – святая Варвара. В глубине картины, на заднем плане, едва различимые в золотой дымке – лица ангелов, внизу – два ангелочка, облокотившиеся на парапет. Присутствие Сикста закономерно: этому святому посвящен монастырь, для которого создавалась картина. Первоначальное место картины было перед большим распятием, поэтому выражения лиц и позы фигур на картине обусловлены их чувствами при виде страданий и смерти Христа.

Предполагают, что моделью для мадонны послужила возлюбленная Рафаэля Форнарина.

«Менины (Фрейлины)» (1656) — картина Диего Веласкеса. Ещё одно название — «Семья Филиппа IV». Эта одна из самых знаменитых картин в мире находится в музее Прадо в Мадриде.

Ателье Веласкеса в королевском дворце в Мадриде. Художник пишет портрет Филиппа IV и его супруги Марианны, которые видны отраженными в зеркале, висящем на дальней стене его ателье. В центре сцены стоит пятилетняя инфанта Маргарита, которая, по всей видимости, только что вошла в комнату со своей свитой. Свет, также как и взгляды родителей, направлен на девочку. Веласкес создает впечатление семейного счастья, богатства и блестящего будущего.

Это единственная картина Веласкеса, на которой король и королева изображены вместе, но очень неотчетливо, схематично. Филипп на 30 лет старше своей второй жены и является ее дядей. Инфанта Маргарита на момент написания картины была их единственной дочерью.

Сюжет картины строится как ситуация, застигнутая врасплох. Любопытная деталь: на груди художника рыцарский крест, хотя на момент написания картины Диего не был посвящен в рыцари. После смерти художника Филипп распорядился дописать эту деталь.

46. Литература эпохи Возрождения (роман Сервантеса «Дон Кихот»).

Занимает период с XIV по XVI век. От средневековой литературы отличается тем, что базируется на новых, прогрессивных идеях гуманизма. Синонимом Возрождения является термин " Ренессанс", французского происхождения. Сам термин Возрождение связан с увлечением античной культурой. Античность становится непререкаемым авторитетом для деятелей культуры. Идеи гуманизма зарождаются впервые в Италии, а затем распространяются по всей Европе. Также и литература Возрождения распространилась по всей Европе, но приобрела в каждой отдельной стране свой национальный характер. Термин Возрождение означает обновление, обращение художников, писателей, мыслителей к культуре и искусству античности, подражание ее высоким идеалам. Искусство Возрождения базируется на всестороннем раскрытии человеческой сущности. Человеческая сущность прекрасна, если он – главное творение Господа.

В средневековье бытовала религиозная и феодальная идеология. Средневековое направление мысли принижало роль человека в природе, в качестве высшего идеала представляя бога. Церковь насаждала страх перед богом, призывала к смирению, покорности, внушала мысль о беспомощности и ничтожности человека. Гуманисты начали рассматривать человека иначе, приподняли роль его самого, и роль его ума и творческих способностей.

В эпоху В. появились идеи раскрепощения личности, утверждения высокого достоинства человека, как свободного творца земного счастья. Эта эпоха связана с появлением новых жанров и с формированием раннего реализма, который так и назван, " реализм Возрождения" (или ренессансный). Важнейшим открытием 15 века стало книгопечатание (Гуттенберг).

В творчестве таких авторов, как Петрарка, Рабле, Шекспир, Сервантес выражено новое понимание жизни человеком, отвергающее рабскую покорность, которую проповедует церковь. Человека они представляют, как высшее создание природы, стараясь раскрыть красоту его физического облика и богатство души и ума. Для реализма Возрождения характерна масштабность образов (Гамлет, король Лир), поэтизация образа, способность к большому чувству и одновременно высокий накал трагического конфликта (Ромео и Джульетта), отражающего столкновение человека с враждебными ему силами.

Наиболее популярным был жанр новеллы, который так и именуется новеллой Возрождения. В поэзии становится наиболее характерной формой сонет. Большое развитие получает драматургия. Наиболее выдающимися драматургами Возрождения являются Лопе де Вега в Испании и Шекспир в Англии.

Первая часть романа Мигеля де Сервантеса «Дон Кихот» вышла в свет в 1605 году. Роман представляет собой пародию на рыцарский роман. Они были полны многочисленных опасных приключений, где герой неизменно побеждал. В романе Сервантеса гармония мира и человека рушится, между идеалом и действительностью возникает разрыв. Дон Кихот – бедный захолустный идальго, выезжает на подвиг в честь своей прекрасной дамы Дульсинеи. Миссия Дон Кихота – защита слабых и обездоленных.

Спутник Дон Кихота хлебопашец Санчо Панса – его антипод и в то же время пародийный двойник. Он не ставит перед собой высоких целей. Он рассудителен, практичен, обладает смекалкой. Образ Санчо – лишь на первый взгляд, типичный образ карнавального шута. По мере развития действия он все более углубляется, приобретая черты Дон Кихота.

Безумие героя – постоянный мотив сюжета. Само решение стать странствующим рыцарем – помешательство. Безумие – его призвание, стихия, вдохновение. Он живет ради высшей справедливости.

В финале Дон Кихот отрекается от взятой на себя миссии и исцеляется перед смертью от своего помешательства. Герои как будто меняются ролями.

«Дон Кихот» – вторая книга после Библии по числу языков, на которые она была переведена.

47. Ренессансный театр и драматургия (трагедия Шекспира «Гамлет», испанская комедия плаща и шпаги, итальянская комедия дель арте).

Помпонио Лето. Первая попытка реконструкции античного театра.

Себастьяно Серлио. Возникла идея создания здания театра. Схема зрительских мест. Он восстановил амфитеатр. Появляется рисованный задник. Серлио использует в театре световую аппаратуру, создает макеты. Стремление к созданию иллюзии реальной жизни с помощью технических средств.

Ренессанс – это ярко выраженная театральность всех форм жизни, общественной, политической, религиозной, корпоративной и бытовой, всех видов искусства, с возрождением театра. И тому есть объяснение: человек берет на себя функции Бога, а именно Бога-мастера, и творит новую действительность, превращая определенные формы жизни в искусство, с перенесением действия на подмостки.

Основной принцип культурной революции - театрализация жизни, театрализация миросозерцания, театрализация самого процесса жизнетворчества - от свадеб, крещения, похорон до всевозможных торжеств - и творчества. Впервые это увлечение всенародными празднествами, вплоть до создания театра, мы увидели в Греции в Золотой век Афин.

Театральные представления становятся частью придворных празднеств в Ферраре, в Мантуе, а на площадях во время карнавалов в Венеции или Флоренции выступают профессиональные труппы актеров с зарождением комедии дель арте, что связывают с именем актера и драматурга Анджело Беолько (1502-1542).

Как празднества, так постановка пьес на сцене театра сопровождались интермедиями, с участием музыкантов, танцоров и певцов.

ШЕКСПИР (1564-1616). 37 пьес. Двойственное положение драматурга – работа на публику и для себя.

Шекспир разработал систему взаимодействия между зрителями и сценой. Зритель должен понимать, что происходящее на сцене для него не опасно.

«ГАМЛЕТ». Трагическая история о Гамлете, принце Датском - трагедия Уильяма Шекспира, одна из самых известных его пьес, и одна из самых знаменитых пьес в мировой драматургии. Написана в 1600—1601 годах. Трагедия основана на легенде о Гамлете и посвящена прежде всего мести — в ней главный герой, Гамлет, как и два других, ищет отмщения смерти своего отца.

Рядом с Эльсинором, королевским дворцом Дании, солдаты несколько раз видели призрака, удивительно похожего на недавно почившего короля. Новость доходит до датского принца Гамлета и он решает увидеть призрака. Встреча с ним Гамлета приводит в ужас и смятение —

призрак рассказал ему о том, что его дядя, нынешний король, подло убил его, и завещает сыну месть. Гамлет поражён и растерян настолько, что его принимают за сумасшедшего. Он пытается получить неопровержимые доказательства вины Клавдия. Король, догадываясь, что " Гамлет не сошёл с ума, а притворяется с какой-то целью", посылает к нему его друзей — Розенкранца и Гильденстерна, чтобы они за соответствующее вознаграждение выведали, что на самом деле на уме у Гамлета. Но Гамлет, поняв истинную цель их приезда, ничего им не открывает, отвечая бессмысленными монологами на их распросы. В это время в Эльсинор приезжает труппа бродячих актёров. Гамлет просит их поставить пьесу «Убийство Гонзаго», вставив туда несколько строк своего сочинения. Таким образом «Убийство Гонзаго» будет изображать убийство прежнего короля со слов призрака. Король внимательно следит за действием пьесы и уходит после того, как в пьесе Гамлета происходит убийство. После этого Гамлет идёт в покои королевы и разговаривает с матерью, упрекая её в том, что выйдя замуж за Клавдия, она оскорбила прежнего мужа. Король понимая, что Гамлет для него опасен, отсылает его в Англию, чтобы его сразу же по приезде казнили. Принц спасается от этой участи и возвращается в Данию. Дядя прибегает к уже испытанному приёму — яду. Гамлет умирает, перед смертью убивая короля. Датский престол переходит к Фортинбрасу.

Но «Гамлет» - лишь на первый взгляд «трагедия мести». Главному герою не очень хорошо удается роль мстителя. Гамлет не верит, что его вмешательство сможет соединить «цепь времен», которая безнадежно распалась.

Гамлет понимает, что прежние ренессансные доблести – мужество, энергия ума и воли больше не правят миром. На вершине оказываются такие люди, как Клавдий: хитры, подлые, изворотливые. В этом безумном мире нет места Гамлетам, поэтому герой и притворяется сумасшедшим.

Кульминация трагедии связана с очень важным для Шекспира приемом «сцена на сцене». Гамлет подстраивает Клавдию ловушку, приглашая на представление бродячих актеров, которые разыгрывают перед лицом короля сцену «Убийство Гонзаго».

Разыгрывает доброго дядю Клавдий, изображает из себя безумца Гамлет. В этой новой эпохе, когда ренессансные иллюзии рухнули, все большее значение приобретает умение «казаться», а не «быть».

Чтобы победить, Гамлет сам должен встать на путь Клавдия. Гамлет не готов к этой роли, он медлит в осуществлении мести. Мысль героя преобладает над действием, потому что он понимает: один его смертельный удар уже не сможет вернуть миру утраченную гармонию.

О «Гамлете» написано несколько тысяч книг и статей. Но среди них трудно найти два сочинения, которые были бы полностью согласны в своей характеристике великого произведения Шекспира. Ни один шедевр мировой литературы не породил столь великого множества мнений, как «Гамлет».

Комедия дель арте, или комедия масок — вид итальянского народного (площадного) театра, спектакли которого создавались методом импровизации, на основе сценария, содержащего краткую сюжетную схему представления, с участием актёров, одетых в маски. В разных источниках также упоминается как сценарный театр, театр импровизации или комедия дзанни.

Театр просуществовал с середины XVI до конца XVIII в., оказав при этом ключевое воздействие на дальнейшее развитие всего западно-европейского драматического театра. Труппы, игравшие комедии масок, были первыми в Европе профессиональными театральными труппами, где закладывались основы актёрского мастерства (термин комедия дель арте, или искусный театр, указывает на совершенство актёров в театральной игре) и где впервые присутствовали элементы режиссуры.

К XIX в. комедия дель арте изживает себя, но находит своё продолжение в пантомиме и мелодраме.

КОМЕДИЯ ПЛАЩА И ШПАГИ. Вторая группа пьес, комедии «плаща и шпаги», названа так по типичным принадлежностям дворянского костюма, в котором выступают их персонажи –

представители главным образом среднего и низшего современного дворянства. Это бытовые комедии Лопе де Веги, иначе говоря «комедии нравов», составляют очень значительную часть его драматического наследия. И сейчас еще эти пьесы чрезвычайно популярны в Испании. Особенной известностью пользуются: «Собака на сене», «Сети Фенисы», «Мадридские воды», «Валенсианская волна», «Девушка с кувшином», «Капризы Белисы», «Раба своего возлюбленного» и т.д. Сюжеты этих пьес основаны почти исключительно на игре чувств: любви, ревности, дворянской гордости и фамильной чести. При этом в них почти совсем не показаны общественная среда, фон, жизненные обстоятельства, которые могли бы влиять на развитие чувств героев. Зато для оживления действия широко использован запас традиционных мотивов и условных приемов, как, например, тайные свидания, серенады, дуэли, переодевания, неожиданные встречи, недоразумения, подмены, всякого рода совпадения, узнавания и т.п.

Несмотря на некоторую идейную и художественную ограниченность комедий «плаща и шпаги» Лопе де Веги, они являются блестящим, во многих отношениях передовым образцом искусства испанского Возрождения. Лопе де Вега всегда имеет в виду любовь не как чувственную прихоть, какою она зачастую была в аристократическом обществе того времени, а как глубокое, всеполагающее чувство, утверждающее идею полноценной человеческой личности. Такая «честная» любовь, всегда стремящаяся к браку, является, в понимании Лопе де Веги, здоровым, естественным чувством, ровно доступным как дворянину, так и самому скромному крестьянину.

Эти пьесы полны жизнерадостности и оптимизма. Они дышат верой в возможность счастья, в успех человеческой личности. Герои Лопе де Веги отважны, решительны, полны энергии; движения их порывисты, слова и поступки пылки и стремительны. Замечательны женские образы Лопе де Веги: его героини обладают не меньшим духовным богатством, они не менее предприимчивы, умны и смелы, чем их партнеры. Охваченные страстью, они не останавливаются ни перед чем. В этом отношении Лопе де Вега нисколько не отступает от действительности, поскольку в современном ему дворянском обществе женщины, стесненные суровой опекой отцов, братьев или мужей, играли очень незаметную роль. Он раскрыл и усилил возможности, которые ощущал в испанской женщине своей эпохи.

Бытовые комедии Лопе де Веги блещут остроумием. В них высмеиваются чванство, вспыльчивость, тупой педантизм, чрезмерная доверчивость, болтливость и тому подобные человеческие слабости и пороки. Тип слуги-шута встречается уже у предшественников Лопе де Веги, но у них это обычно простак, веселящий зрителей своей глупостью или неуклюжестью. Слуга-забавник Лопе де Веги выступает иногда и в такой функции, но еще чаще он остроумно высмеивает других. Сплошь и рядом он оказывается умнее или, по крайней мере, находчивее своего господина, которого он выручает из беды.

В его изображении самые скромные крестьяне или ремесленники по своему уму стоят ничуть не ниже аристократов. Только нравы их проще.

48. Русская музыкальная культура доклассической эпохи (Х-XVII вв). Фольклор, церковная музыка, светская музыка. (Хвоина)

Русская музыкальная классика начала формироваться во второй половине XVIII века и достигла своего расцвета в XIX веке, в творчестве Михаила Ивановича Глинки и его последователей. Для того, чтобы возникла русская классическая музыка, отечественные композиторы должны были освоить общеевропейские (т. е. классические) жанры и формы (оперу, симфонию и т.п.), но наделить их национальным своеобразием. Национальное своеобразие русской классической музыки определялось особенностями ее музыкального языка (т. е. особенностями национальной мелодики, ритмики, гармонии и т. д.). Этот музыкальный язык складывался в доклассическую эпоху, на протяжении многих веков истории традиционных форм русской музыки.

Несмотря на то, что доклассическая эпоха охватывает почти восемь столетий (с момента формирования Древнерусского государства до начала Петровских реформ), русская музыкальная культура всего этого периода обладает общими особенностями:

1) Исключительное внутреннее многообразие, определяемое обширностью территории и «пересеченностью местности»

2) Ярко выраженное национальное своеобразие, определяемое культурной обособленностью от стран Европы (из-за трех веков монголо-татарского ига, а также в результате постоянного ограждения православной культуры от влияния католицизма и протестантизма)

Русская музыка доклассической эпохи представлена тремя типами музыкального творчества: народная музыка, церковная музыка и светская музыка (в основном, развлекательного характера).

Русская народная музыка – устная, преимущественно вокальная (песенная) традиция (исключение – пастушьи наигрыши). Включает множество жанров. Наиболее древние восходят еще к языческим временам, к жизни восточно-славянских племен. Это:

• Календарно-обрядовые песни – неотъемлемая составляющая языческих ритуальных праздников (обрядов), приуроченных к смене времен года и направленных на заклинание сил природы (например, масленичные песни, прогоняющие зиму, веснянки – «заклички» весны и т. д.). Календарные песни просты. Их мелодии складываются из многократно повторяющихся коротких попевок в небольшом диапазоне (3-4 звука), с четким ритмом. Таким образом воспроизводятся интонации заклинаний, зовов и т. п.

• Трудовые песни звучали во время совместной работы (песни сенокоса и жатвы, мельничные, кузнецкие и т. п.). Их общая черта – четкий ритм: размеренные возгласы помогали согласовывать трудовые движения.

• Семейно-бытовые песни сопровождали частную жизнь человека с момента рождения и до смерти. Эта обширная группа песен включает величание новорожденного, колыбельные, детские считалки, потешки, а также множество разнообразных песен свадебного обряда, который на Руси разыгрывался на протяжении нескольких дней. Особую разновидность семейно-бытовых песен представляют погребальные плачи.

В эпоху Киевской Руси (9-12 вв.) в народном творчестве появились новые жанры, главный из них - былина.

• Былины – эпические повествовательные песни, в которых соединяются описания реальных исторических событий и вымысел. Выделяют два цикла былин – киевский и новгородский. Главные герои киевского цикла – богатыри (Илья Муромец и др.), а новгородского – купцы, торговые гости, музыканты (Садко). Музыкальный язык былин основан на выразительном «сказывании» - произнесении текста нараспев, с постоянным варьированием одной-двух исходных фраз, под аккомпанемент гусель. Исполнители былин нередко становились профессиональными музыкантами (служили при княжеском дворе). Их называют певцы-сказители (один из них - легендарный Боян, упоминающийся в «Слове о полку Игореве»)