Вторая главная идея Авангарда II – открытие «нового звука». 6 страница

Композитор Александр Журбин отмечает: «А вот тема Старого Дойтеронимуса явно носит следы прокофьевского влияния (я сказал об этом Эндрю, и он был, по-моему, очень польщен: ведь Прокофьев – один из его любимых композиторов). Можно указать на отдаленное сходство ее, скажем, с темой любовного дуэта из «Обручения в монастыре» или побочной темой из 1-й части Седьмой симфонии» (117).

Распорядитель бала Манкустрап устраивает для кошачьего патриарха шоу: кошки разыгрывают историю двух враждующих собачьих племен, пародию на жизнь вечных врагов («О лютой битве мопсов с некоторым участием боксеров и шписов и последующим вмешательством кота Содомогора»). Эта сцена – «театр в театре», её давние предки – английская балладная опера и менстрельный театр. На словах «Они встали в строй и гудят на волынке «Как шли из-за гор голубые косынки» композитор использует инструментовку и мелодику народных английских песен. Драматургический прием «спектакля в спектакле» применен и во втором действии, где Рыктигр разыгрываетцену с иратами, в которой нельзя не заметить пародии на итальянскую оперу.

Главный персонаж контрдействия – «кошачий дьявол», преступный гений Макавити. Котенок Деметра (который тоже когда-то был похищен Макавити) и Бамбуларина − чувственная красотка рассказывают о том, что им известно о Макавити:

«Макавити – волшебный кот. У нас его зовут

Незримой лапой потому, что он – великий плут.

В тупик он ставит Скотланд-Ярд, любой патруль, пикет.

Где был он миг тому назад, - его и духу нет!

Макавити, Макавити, таинственный Макавити!

«Макавити» – типичный номер бродвейского мюзикла. Он построен на блестящих вариациях одной мелодической формулы, «с большим количеством остановок, сбивок, брейков и т. д., то есть всего того, что дает возможность каждому из них становиться шлягером и неизбежно вызывать после себя “шквал аплодисментов”» (117).

Вновь «криминальный гений» Макавити появляется в облике Олд Дьютерономи, но оказывается разоблачен и в жестокой драке с котами терпит крах. Мистер Мистофилис, кот-чародей, возвращает кошачьего предводителя. Наступает эмоциональная кульминация мюзикла. Главный приз достается самой «драной кошке» – Гризабелле, именно она отправляется в «кошачий рай», чтобы затем, вернувшись на землю, возродиться в новой жизни. Все поражены этим выбором, но зрители всем сердцем – на стороне победительницы. На волшебной покрышке, которая напоминает корабль инопланетян, она, в сопровождении Второзакония поднимается в небо.

«Путешествие в ионовый рай» – хор-гимн, подобный «счастливым» оперным финалам.

Ввысь, ввысь, ввысь, над веселой толпой,

Лапушка, мчись в ионовый слой.

Ввысь, ввысь, ввысь, бал кошачий, прощай,

Лапушка, мчись в ионовый рай.

Ты-тайная божественность, кошачья Естественность.

Храм сотрясает крик «Виват!».

Вечную жизнь тебе сулят!

Но завершает мюзикл последнее обращение Олд Дьютерономи к зрителям с речью о том, как нужно обращаться к коту. Теперь люди знают, что кошки – существа с одной стороны необыкновенные, но с другой стороны:

«Познавши сердца и умы, что эти звери совсем как мы,

Совсем как люди, а потому обо всех не судят по одному,

Ибо кто-то хороший, а кто-то плохой, ко-то добрый, а кто-то злой,

Кто дарит радость, кто сеет страх, (все это я изложил в стихах)».

«Кошки» завершаются торжественным гимном хора.

«Кошки» – пожалуй, самый известный мюзикл Эндрю Ллойда Уэббера, мюзикл -рекордсмен. Премьера «Cats» состоялась 11 мая 1981 года в Уэст-Энде, в Новом Лондонском Театре. Спектакль до сих пор с большим успехом идет в Лондоне, заслужив звание самой «долгоиграющей» театральной постановки в истории английского театра.

Вместе с тем, критика относится к композитору далеко не однозначно, каждое его новое произведение вызывает споры. Так, неоднократно выясняется, являются ли «Кошки» высокохудожественным произведением или же своим успехом они обязаны сумасшедшими спецэффектам и грамотному промоушну.

В жанре мюзикла есть то, что гарантирует ему непременный успех у зрителей, его смотрят и те, кто предпочитает развлекательную, «легкую» музыку, и те, кто любит музыкальную классику. И на рубеже ХХ – ХХI веков это, пожалуй, редкий пример особого жанра «ДЛЯ ВСЕХ».

СЛОВАРЬ

Айвз Чарльз (1874-1954), американский композитор-новатор, наиболее самобытная фигура в истории американской музыки. Айвз родился 20 октября 1874 г. в Данбери (шт. Коннектикут) в семье капельмейстера городского оркестра. Обучаться музыке начал под руководством отца, рано научился играть на рояле и органе. В 1898 г. Айвз окончил музыкальный факультет Йельского университета, где изучал композицию у X.Паркера, игру на органе у Д.Бака. С 1888 до 1902 гг. исполнял обязанности церковного органиста, работая в это время страховым агентом. Начав со скромной должности, Айвз стал руководителем одной из лучших страховых компаний Америки. Чарльз Айвз – «композитор выходного дня». Досуг он посвящал композиции, за собственный счет издавал свои сочинения, рассылал их крупным музыкантам, оркестрам, библиотекам. В пятьдесят четыре года (а прожил Айвз почти 80 лет) из-за болезни Айвз отказывается как от предпринимательской, так и композиторской деятельности (результатом многолетнего перенапряжения стала болезнь сердца). Единственное сочинение, к которому Айвз возвращается, но так и не закончил – симфония «Вселенная». До 30-х годов его сочинения не были известны, хотя композитором было написано 3 симфонии, большое количество оркестровых, камерно-инструментальных, хоровых и вокальных произведений. В 1937 г. с успехом была исполнена его 3 симфония, а в 1947 г. композитор удостоен премии Пулитцера − высшей награды, присуждаемой в США за произведения искусства. Настоящее признание заслуг Айвза пришло лишь после его смерти. Умер композитор 19 июня 1954 года в Нью-Йорке.

Основные сочинения:

Для симфонического оркестра: 4 симфонии, «Три места в Новой Англии», симфония «Праздники», симфония «Вселенная» (неоконченная). Для камерного оркестра: «Вопрос, оставшийся без ответа», «Центральный парк в темноте», «Звуковые пути». Камерно- инструментальные ансамбли. Произведения для фортепиано. 185 песен и романсов; псалмы; хоры.

Алеаторика (от лат. Alea − игральная кость или жребий) – техника композиции, основанная на факторе случайности. Элементы структуры, фрагменты произведения исполнитель играет в произвольном порядке, выбор может быть предписан композитором или осуществлен исполнителем.

Балет ХХ века – вид сценического искусства, содержание которого раскрывается в танцевально-музыкальных образах. Балет начал формироваться в Европе в 16 в. Расцвет его связан с романтизмом, выдвинувшим, начиная со второй трети 19 в. На рубеже 19-20 вв. приходит новое понимание балета, как сценического жанра: пересматриваются старые нормы, возрастает роль музыки, живописности танца и пантомимы. Американская танцовщица Айседора Дункан (1877-1927) ввела в балет «свободный танец». Русский балет начала 20 в. ознаменован реформаторской деятельностью балетмейстеров М. М. Фокина, А. А. Горского. Огромное влияние на мировой балет оказали «Русские сезоны» – выступления русской оперы и балета, организованные С. П. Дягилевым в 1907 г. за границей. В 1911-13 гг. на основе «Русских сезонов» была создана постоянная труппа «Русский балет Дягилева» (1911-1929). В течение двух десятилетий, находясь в центре внимания художественной жизни Запада, «Русский балет» служил стимулом к возрождению этого вида искусства. Реформаторская деятельность хореографов и художников дягилевской труппы повлияла на дальнейшее развитие мирового балета: Дж. Баланчин в 1933 г. переехал в Америку и стал классиком американского балета, Серж Лифарь возглавил балетную труппу парижской оперы. Во Франции в числе наиболее известных балетмейстеров – Серж Лифарь, Морис Бежар. В Великобритании национальный балет возник благодаря усилиям Н. де Валуа, М. Рамбер, Ф. Аштона. В США, где работали Дж. Баланчин, Дж. Роббинс, на балет оказал влияние американский танец «модерн» (М. Грэхем и др.). В числе наиболее известных российских мастеров: балетмейстеры К. Я. Голейзовский, Ф. В. Лопухов, Р. В. Захаров, В. И. Вайнонен, Л. М. Лавровский, Ю. Н. Григорович; артисты Г. Уланова, М. Плисецкая, М. Семенова, О. Лепешинская, В. Чабукиани, А. Мессерер, К. Сергеев, Н. Дудинская, В. Васильев, Е. Максимова, Н. Бессмертнова, М. Лиепа, Р. Нуреев, М. Барышников.

Барток Бела(1881-1945) – венгерский композитор, пианист и музыковед-фольклорист.Родился в семье директора сельскохозяйственного училища, музыканта-любителя. Учился в Будапештской музыкальной академии им. Листа (1899-1903). С 1907 г. профессор этой академии по классу фортепьяно. Перелом в мировоззрении мастера произошёл в 1905-1906 гг., когда он вместе с Золтаном Кодаем начал серьёзно изучать венгерский фольклор (всего Барток записал около 30 тысяч мелодий разных народов). Эта работа привела его к созданию нового направления в музыке − неофольклоризма. В сочинениях 1900-1910-х гг. сочетал элементы архаического песенного фольклора с остродинамичными современными средствами выражения («Варварское аллегро» и другие пьесы для фор тепьяно). В 10-е годы созданы новаторские произведения для театра: опера «Замок герцога Синяя Борода», балеты «Деревянный принц» и «Чудесный мандарин». 20-30-е гг. − период расцвета гастрольно-концертной деятельности Бартока-пианиста. С особым блеском дарование Белы Бартока раскрылось в инструментальных произведениях 30-40-х гг. Сочинение «Музыка для струнных, ударных и челесты» по глубине и масштабности замысла не уступает симфонии. Для фортепиано он писал главным образом циклы миниатюр, лучшим из них считается цикл «Микрокосмос». В период фашистской диктатуры, в 1940 г., Барток эмигрировал в США, где не достиг признания музыкальных кругов и умер в нищете в Нью- Йорке. Из произведений американского периода наиболее значительны концерт для оркестра (1943) и фортепьянный концерт (1945). Наиболее важное место в творчестве Бартока занимают инструментальные сочинения, выдающееся значение имеют научные исследования в области фольклористики. Посмертно удостоен премии им. Кошута (1948) и Международной премии Мира (1955).

Основные сочинения:

Опера «Замок герцога Синяя Борода» (1911). Балеты: «Деревянный принц» (1916), «Чудесный мандарин» (1919). Для оркестра: симфоническая поэма «Кошут» (1903 г.), «Музыка для струнных, ударных и челесты» (1936), «Дивертисмент» для струнного оркестра (1939). Концерты для различных инструментов с оркестром. Камерные сочинения. Для фортепиано: пьесы, Аllegro barbaro («Варварское аллегро», 1911), фортепьянный цикл «Микрокосмос» (153 пьесы, 1937). Песни. Произведения для хора.

Берг Альбан (1885-1935) – австрийский композитор. Представитель Новой венской школы. Берг родился в Вене в 1885 году. Его отец, выходец из Баварии, был антикваром, а мать − дочерью придворного ювелира. Уже с раннего возраста он проявлял большой интерес к литературе и музыке. Первые его композиторские опыты относятся почти исключительно к жанрам вокальной музыки.

Жизнь Берга не богата внешними событиями. Получение в 1906 году семейного наследства обеспечило ему относительно безбедное существование, возможность обходиться без обременительной службы и полностью посвятить себя музыке. Решающую роль в его жизни сыграла встреча с Шёнбергом и занятия с ним в 1904-1910гг. После окончания занятий Берг по-прежнему видел в Шёнберге своего наставника и лучшего друга. С юности композитор отличался слабым здоровьем. 24 декабря 1935 года, достигнув лишь пятидесятилетнего возраста, он неожиданно скончался от заражения крови. Творчество Берга вполне поддается периодизации, аналогичной творчеству его учителя Шёнберга: тональные − атональные − додекафонные сочинения. Но его можно разделить и на два периода: первый, охватывающий все созданное до оперы «Воццек», и второй, включающий саму эту оперу и последующие произведения. Творческий процесс у Берга протекал трудно, с большими перерывами. До «Воццека» им были написан небольшой список произведений, вместе взятые они звучат примерно столько же времени, сколько один «Воццек». Премьера «Воццека» принесла Бергу мировую славу. После «Воццека» Берг создал еще четыре произведения, сравнимых с ним по масштабу и значимости: оперу «Лулу» и три крупных инструментальных опуса – Камерный концерт для фортепиано, скрипки и тринадцати духовых инструментов, «Лирическую сюиту» для струнного квартета и Концерт для скрипки с оркестром. Вместе с «Воццеком» они составляют ядро творчества композитора, которое в целом охватывает немногим более пятнадцати произведений.

Основные сочинения:

Оперы: «Воццек» (1917-1921), «Лулу» (1929-1935). Три пьесы для оркестра, ор. 6 (1914). Камерный концерт для фортепиано, скрипки и тринадцати духовых инструментов (1925). Концерт для скрипки с оркестром (1935). Лирическая сюита для струнного квартета (1926).Камерно-инструментальные произведения. Камерно-вокальные произведения.

Булез Пьер(р. 1925) – французский композитор и дирижёр. Учился в Парижской консерватории у Оливье Мессиана, затем занимался под руководством Р.Лейбовица серийной техникой. Булез – один из лидеров европейского композиторского авангарда в 1950-1960 годы. Экспериментировал в области конкретной музыки, пуантилизма, тотального сериализма, в его музыке присутствуют также элементы сонорики и алеаторики. Пьер Булез основал в центре Парижа специальный институт нового звука − ИРКАМ (Институт музыкально-акустических исследований) и возглавлял его с 1975 по 1992 гг. Был руководителем оркестра Би-Би-Си, Нью-Йоркского филармонического оркестра. Крупнейшим достижением Булеза-дирижера стали записи оперы «Пеллеас и Мелизанда» Дебюсси и вагнеровской тетралогии «Кольцо Нибелунга». Булез – автор симфонических, вокальных, инструментальных, электронных произведений, среди которых наиболее известны пьеса для контральто и шести инструментов «Молоток без мастера» (1954), «Структуры» для 2-х фортепиано (1952-1961), три сонаты для фортепиано.

Варез Эдгар (1883-1965) – французский и американский композитор, дирижёр. По происхождению француз, учился в Парижской консерватории. Работал в Германии и Франции, в 1915 г. эмигрировал в США. Варез – один из представителей музыкального авангарда, он первый стал экспериментировать в области электронной музыки (пьесы «Интегралы», 1925, «Ионизация», 1931, «Экваториал», 1934). «Пустыни» (1954) – произведение для 14 духовых, ударных (5 исполнителей) фортепиано и магнитофона – первая в истории партитура в жанре электронной музыки, сочетающая «живые» (акустические) инструменты с электроникой. Его «Электронная поэма» (1958) стала одной из самых ярких достижений электронной музыки. Один из организаторов Международной гильдии композиторов (1921), Панамериканской ассоциации композиторов (1928). Варез – один из самых смелых экспериментаторов ХХ века, именно он оказал значительное влияние на послевоенный авангард.

Веберн Антон фон (1883-1945) – австрийский композитор, дирижер. Представитель Новой венской школы. Антон Веберн родился в 1883 г. в Вене, в семье горного инженера. Ребенком он с увлечением занимался игрой на виолончели, мечтал стать дирижером. Но первые опыты сочинения музыки вовсе не дали блестящих результатов. Решающую роль в жизни Веберна сыграли занятия с Шёнбергом, у которого он учился в 1904-1908 гг. Именно в эти годы он обрел себя как композитор. Однако на жизнь он зарабатывал дирижированием, сначала в ненавистной ему оперетте и только с 20-х г. занимая более престижные должности. Жизнь композитора протекала скромно, вдали от суеты, не балуя его шумным успехом; она небогата внешними событиями.

Его сочинения принимались публикой с особенным трудом и композитору приходилось бороться с нуждой и браться за тяжёлую работу. Особым гонениям Веберн подвергался в годы немецкой оккупации, нацисты причислили его − чистокровного «арийца», но ученика Шёнберга к разряду «еврейских прихвостней». В жизни случилось еще одно трагическое событие – на фронте погиб единственный сын. В тесном кругу немногочисленных преданных друзей, понимавших и разделявших его художественные устремления, прошли последние годы его жизни, оборвавшейся в результате трагической случайности: 15 сентября 1945 года, уже после крушения нацистской империи, он погиб в деревне под Зальцбургом от случайной пули американского солдата.

Основные сочинения:

Пассакалья для оркестра ор. 1 (1908), Шесть пьес для большого оркестра ор. 6 (1909), Пять пьес для оркестра ор. 10 (1913), Симфония для кларнета, бас-кларнета, двух валторн, арфы и струнных ор. 21 (1928). «Свет глаз» для хора и оркестра. Две кантаты. Инструментальные ансамбли. Концерт для девяти инструментов. Фортепианные произведения. Произведения для хора. Камерно-вокальные произведения.

Веризм (от лат. vero – «истинный, правдивый») – течение в итальянской литературе и искусстве, возникшее в 70-е гг. 19 века. Ведущий тезис эстетики веризма – показать «жизнь как она есть». В основе веристских опер – правдивое изображение повседневности, выдвижение героям оперы обычного человека, сочетание достоверного изображения быта с показом сильных эмоциональных переживаний и трагедий. Для опер характерны напряжённые лирико-драматические кульминации, связанные с выражением открытого эмоционального стиля, подчас преувеличенно поданного чувства. Возникновение музыки веризма ознаменовалось премьерами опер «Сельская честь» Масканьи (1890) и «Паяцы» Леонкавалло (1892). К высшим достижением в развитии итальянского оперного веризма относится «звездная тетралогия» Дж. Пуччини «Манон Леско» (1894), «Богема» (1896), «Тоска» (1900) и «Чио-Чио-сан» («Мадам Баттерфляй», 1904).

Вила-Лобос Эйтор (1887-1959) – бразильский композитор, дирижёр, фольклорист, педагог, музыкально-общественный деятель. Родился в Рио-де-Жанейро. Отец его научил играть на виолончели, но систематического музыкального образования Лобос в детстве не получил. Подростком он выступал с популярными в Рио-де-Жанейро музыкантами. Затем наступили «годы странствий». С 16 лет, путешествуя по Бразилии, собирал и записывал бразильский музыкальный фольклор (записал свыше 1000 народных мелодий). В возрасте 24 лет он возвращается в Рио-де-Жанейро и берет несколько уроков у профессиональных музыкантов. С 1923-1930 гг. как правительственный стипендиат Вила-Лобос совершенствовался в Париже, где общался с французскими композиторами. С 1932 г. Вила-Лобос – правительственный уполномоченный по вопросам музыкального образования в Бразилии. Основал во многих городах Бразилии музыкальные школы и хоровые коллективы. Создал стройную систему музыкального воспитания детей (придавал большое значение хоровому пению). В 1942 г. организовал Национальную консерваторию хорового пения. В 1945 г. по его инициативе в Рио-де-Жанейро открыта Бразильская музыкальная академия. Вила-Лобос является автором специальных учебных пособий («Практическое руководство», «Хоровое пение», «Сольфеджио»), теоретического труда «Музыкальное воспитание». Он также выступал как дирижёр, пропагандировал на родине и в других странах бразильскую музыку. Творчество Вилла-Лобоса глубоко национально. В своих сочинениях композитор обобщил типичные черты народного искусства. Яркий пример музыки, созданной на основе фольклора – четырнадцать «Шоро». Творчество Вила-Лобоса – одна из вершин латино-американской музыки. В 1986 г. в Рио-де-Жанейро открыт музей Вила-Лобоса.

Основные сочинения:

Оперы, 15 балетов, 12 симфоний, 14 «Шорос» (для различных инструментов, инструментальных составов, 1920-29), цикл из 9 сюит «Бразильские бахианы» (1930-1945), 17 квартетов; концерты для фортепьяно, виолончели, гитары, арф. Фортепианная музыка.

Гаврилин Валерий Александрович (1939-1999) – российский композитор. Родился в Вологде. Окончил в 1964г. Ленинградскую консерваторию. Центральное место в творчестве Гаврилина занимают вокальные циклы − «О любви» (1961), 2-е «Немецких тетради» на слова Г. Гейне (1963 и 1968), «Русская тетрадь» на народные тексты (1965), «Марина» на слова М. Цветаевой (1967), «Времена года» на слова народные и С. Есенина (1969). Валерий Гаврилин − автор нескольких опер и ораторий. Им написаны три балета − «Дом у дороги», «Подпоручик Ромашов» и «Анюта». Балет «Анюта» написан по просьбе российских звезд балета Екатерины Максимовой и Владимира Васильева и завоевал огромную популярность. Широко известна его хоровая симфония-действо «Перезвоны», посвященная памяти российского писателя и актера Василия Шукшина. Среди других сочинений − оперы «Моряк и рябина» (1968), «Семейный альбом» (1969), «Пещное действо» (концертное исполнение 1970), оратории «Скоморошьи игрища» (1967) и «Солдатские письма» (1970); 2 сборника пьес для фортепиано (1968, 1970).

Гершвин Джордж (1898-1937) (настоящее имя − Яков Гершович) − самый известный американский композитор первой половины XX столетия, в творчестве которого синтезировались академические традиции, джаз и эстрада.

Джордж Гершвин родился в бедном районе Нью-Йорка − Бруклине в семье эмигранта из России. Рано проявив музыкальные способности, он, тем не менее, не имел возможности получить образования. С большим трудом пришлось ему пробиваться в жизни. Формирование композитора проходило на основе эстрадно-бытовой музыки Бродвея. Только в конце 20-х г., будучи популярным композитором, Гершвин смог серьёзно заняться в Париже изучением теоретических дисциплин (в частности, брал консультации у Мориса Равеля). Музыкальная карьера началась для него с утомительной работы тапёра в модном нотном магазине. Однако уже в восемнадцать лет Гершвин стал автором музыки для спектакля, поставленного в одном из театров на Бродвее, а к двадцати пяти годам считался известным мастером развлекательных жанров. До середины 20-х гг. творчество Джоржа Гершвина было связано с эстрадной песней и мюзиклом. Но в 1924 г. он получил необычный заказ − написать произведение, которое бы сочетало в себе черты джаза и классической симфонической музыки. Так родился первый шедевр Гершвина − «Рапсодия в блюзовых тонах» (1924 г.) для фортепиано с оркестром. В 1925 г. появился фортепианный концерт, в котором те же черты развиты в рамках большого сонатно-симфонического цикла. Удачным оказался опыт также в области симфонической музыки: в 1928 г. была написана сюита «Американец в Париже». В 1935 г. Гершвин создал первую национальную американскую оперу «Порги и Бесс» по пьесе Дебоса и Дороти Хейуорд «Порги». В музыке оперы Гершвин соединил «традиционные» оперные средства с интонациями джаза. «Порги и Бесс» входит не только в число лучших произведений композитора, но и является лучшей американской оперой. Жизнь Джорджа Гершвина была короткой (он прожил тридцать восемь лет), и смерть наступила в момент расцвета его дарования. Умер Гершвин 11 июля 1937.

Губайдулина София Асгатовна (род.1931) − крупный композитор второй половины ХХ века. Родилась в Чистополе (ныне Татарстан). В 1954 г. окончила фортепианный факультет Казанской консерватории и поступила в Московскую консерваторию как композитор (класс Пейко), а в 1959 г. в аспирантуру (класс В. Шебалина). Лейтмотивом ее творческой жизни в этот период стало слово-напутствие, сказанное ей Д. Шостаковичем: «Я вам желаю идти вашим «неправильным» путем». Обычно Губайдулину помещают в «первой тройке» советского авангарда 1960-1980-х гг. сразу вслед за Э. Денисовым и А. Шнитке. В 1969-70 гг. она сотрудничала в Московской экспериментальной студии электронной музыки, где написала электронную пьесу «Vivente − non vivente» («Живое − неживое»). Все это время она очень мало исполнялась, публиковалась, была известна только узкому кругу музыкантов, В 1979 г. в докладе Т. Хренникова она была упомянута в «черном списке» отечественных композиторов. Спасением для Гу байдулиной стала поддержка ее со стороны талантливых отечественных исполнителей, настойчиво включавших ее произведения в свои концертные выступления. Мировое признание Губайдулиной принес скрипичный концерт Offertorium, исполненный Г. Кремером в 1981г. До начала 1990-х годов она жила в Москве на положении «свободного художника» и занимала независимую позицию, сотрудничала с разными киностудиями. С 1992 г. живет в Германии. Лауреат ряда иностранных и российских премий, почетный член Берлинской Академии искусств. Первым представительным ее сочинением стала кантата «Ночь в Мемфисе» для меццо- сопрано, мужского хора и оркестра на древнеегипетские тексты (1968). В дальнейшем она отдавала предпочтение инструментальным формам сравнительно небольших масштабов, часто с оригинальным составом инструментов, исключением является большая симфония в 12 частях под названием «Слышу... Умолкло...» (1986). С конца 1980-х годов в ее творчестве вновь появляются вокально-инструментальные композиции; в их числе «Аллилуйя» для хора, оркестра, органа, солиста-дисканта и цветных проекторов (1990); кантата из Часослова на стихи Р.М.Рильке (1991); кантата «Теперь всегда снега» на стихи Г.Айги (1993) и одна из последних работ − «Страсти по Иоанну» (2000), в ознаменование 250-летия со дня смерти И.С. Баха. Критики отмечают в творчестве Губайдулиной взаимодействие западных и восточных традиций; ее стиль свободен, подвижен и не принадлежит к какому-либо определенному направлению.

Дебюсси Клод Ашиль (1862-1918), французский композитор. Основоположник музыкального импрессионизма. Рано проявив музыкальные способности, в 1872 г. поступил в Парижскую консерваторию, где проучился до 1884 г. В летние месяцы 1880-82 гг. Дебюсси работал домашним пианистом Н. Ф. фон Мекк (покровительницы П. И. Чайковского). На окончание консерватории Дебюсси представил кантату «Блудный сын» на библейский сюжет. Это произведение принесло ему Римскую премию − почетную награду для молодых композиторов. Творческие устремления Дебюсси поначалу почти не встречали сочувствия среди музыкантов ближе по духу ему были поэты-символисты и художники-импрессионисты. Как и лидер французских символистов С. Малларме, Дебюсси предпочитал завуалированную выразительность; ему был близок принцип поэтики символизма, сформулированный Малларме: «Не называть предмет прямо, а вызывать его в представлении, пользуясь словами, которые лишь косвенно указывают на него». Как и основоположник импрессионизма художник К. Моне, Дебюсси стремился уловить и запечатлеть изменчивость красок окружающего мира. Композитор призывал «искать дисциплины в свободе», а не в академических правилах и устоявшихся формальных схемах. Первым произведением, в котором его эстетические идеалы воплотились в полной мере, стал оркестровый «Прелюд к «Послеполуденному отдыху фавна» (1894), созданный под впечатлением поэтичной эклоги Малларме. В 1893 г. Дебюсси приступил к сочинению оперы по пьесе драматурга Метерлинка «Пеллеас и Мелизанда», работа над которой растянулась на 9 лет. Среди симфонических произведений этого периода выделяются «Ноктюрны» для оркестра («Облака», «Празднества» и «Сирены») и оркестровый триптих «Море». В 1905-12 гг. сочинялись «Образы» для оркестра − три произведения, в которых запечатлены звуковые «образы» трех стран: Англии («Жиги»), Испании («Иберия») и Франции («Весенние хороводы»). Одна из самых смелых партитур Дебюсси − одноактный балет «Игры» (1913), написанный по заказу великого русского импресарио С. Дягилева. Дебюсси внес неоценимый вклад также в фортепианную музыку. Самые значительные произведения: «Бергамасская сюита» (1890), цикл «Эстампы» (1903), «Образы» (1907), «Прелюдии» (2 тетради по 12 пьес, 1909-13); 12 этюдов (1915), сюита «По белому и черному» для двух фортепиано (1915).

Интересно и камерно-вокальное творчество композитора: вокальные циклы на слова французских поэтов Возрождения «Песни Франции» (1904), «Прогулка двух влюбленных» (1904-10), «Три баллады Вийона» (1910), вокальный цикл «Три стихотворения Малларме» (1913). В последние годы композитор обращается и к камерно-инструментальной музыке: сонаты для виолончели и фортепиано, флейты, альта и арфы (обе 1915), скрипки и фортепиано (1917). Дебюсси умер от рака, не успев довести до конца запланированный цикл из 6 сонат для разных составов.

Денисов Эдисон Васильевич (1929-1996) − российскийй композитор, музыковед, общественный деятель. Родился в Томске в семье инженера (отец назвал сына в честь американского изобретателя Томаса Эдисона). Первоначально получил образование на физико-математическом факультете Томского университета, одновременно занимаясь в музыкальном училище. В 1950 г. послал несколько своих сочинений Д. Д. Шостаковичу и, получив ободряющий ответ, поступил в 1951 г. в Московскую консерваторию в класс композиции В. Шебалина. После окончания консерватории и аспирантуры работал там же, преимущественно на кафедре инструментовки (одно время вел класс анализа и впоследствии композиции). С начала 60-х г. Денисов заявил о себе как один из лидеров «советского авангарда». Он также установил прочные связи с представителями «авангарда» в других странах, способствуя тем самым как знакомству Запада с деятельностью музыкантов, живших в СССР, так и распространению в стране знаний о тенденциях западной музыки. На рубеже 1970-80-х гг. Денисов выступил пропагандистом русского музыкального авангарда 1920-х годов. Ключевое произведение 60-х г. − кантата «Солнце инков» на слова чилийской поэтессы Мистраль (1964), а также кантата «Плачи» на русские народные тексты (1966). Жанровый диапазон творчества Денисова достаточно широк: его центральным сочинением считается опера «Пена дней» по Борису Виану (1981), а также ряд сочинений для оркестра и солирующих инструментов с оркестром (концерты для виолончели, фортепиано флейты, скрипки, флейты и гобоя с оркестром, созданные в основном по заказам известных исполнителей). В 1980-90-е гг. Денисова привлекали крупные вокально-инструментальные формы («Реквием», «История жизни и смерти Господа нашего Иисуса Христа»). В начале 90-х г. по России прокатилась вторая волна эмиграции (из знаменитой «московской троицы» уехали Шнитке и Губайдулина), Денисов был единственным русским композитором мирового масштаба, который не уехал из России, но судьба сложилась так, что умер он во Франции: попав в автомобильную катастрофу, он вынужден был лечится за границей. В последние два года парижский госпиталь стал для Денисова вторым домом. Умер Денисов в Париже в 1996 г., где и похоронен.