Есть 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13, 14, 15, 16, 17, 18, 19, 20

1) Рождение театра. Религиозные мистерии.

Первые организованные греческие театральные представления имели форму религиозных мистерий, а первыми актерами были жрецы, которые служили тем или иным богам. " Мистерия" с греческого языка переводится как " таинство", " тайное священнодействие", " причастность к Божественному". А это уже не абы что.

Славно известный дельфийский оракул, жрец бога Аполлона мог предсказывать будущее, но для того, чтобы дать ответ на вопрос, ему нужно было создать специальную атмосферу с целой кучей театральных и декоративных элементов, а ответ на вопрос сам по себе был маленьким театральным представлением. Ясное дело, что кто-либо к оракулу не приходил (не пустили бы просто) и глупые вопросы не задавал. Да и вообще, театральные мистерии долгое время были закрытыми для широких слоев населения, и принимать в них участие могли только посвященные жрецы. А быть посвященным в мистерии в древней Греции было очень-очень почетно, но все посвященные давали торжественную клятву не разглашать происходящее во время мистерий и вообще - держать язык за зубами.

Но очевидно, язык за зубами держали не все, потому что с течением времени театральные мистерии стали приобретать все более и более массовый характер, в мистерии стали посвящать не только жрецов, а и просто уважаемых (или богатых) греков, а потом и вообще всех подряд. Пока мистерии совсем не превратились в массовые народные гуляния.

Театральных мистерий было немало, самыми священными и сакральными считались " Элевсинские мистерии". Это обряды инициации в культах богинь плодородия Деметры иП ерсефоны, которые проводились ежегодно в Элевсине (около Афин) в Древней Греции.

Из всех обрядов древности Элевсинские мистерии считались наиболее важными. Вероучение, обряды, культовые действия держались в тайне от непосвящённых, а инициация объединяла человека с богом, вплоть до бессмертия и обладания божественной властью в потустороннем мире. Мистерии были основаны на мифах о Деметре. Её дочь Персефона была похищена Гадесом, богом подземного мира. Деметра, являющаяся богиней жизни и плодородия, после похищения дочери пустилась на поиски. Узнав от Гелиоса о её судьбе, Деметра удалилась в Элевсин и дала клятву, что пока ей не вернут дочь, то ни один росток не пробьётся из земли.

Обеспокоенный неурожаем Зевс приказал Гадесу вернуть Персефону. После возвращения дочери Деметра позволила земле расцвести и на радостях открыла царю Келею и царевичам Триптолему, Эвмолпу и Диоклесу свои священные обряды и мистерии.

Но так как Гадес дал съесть Персефоне перед уходом из подземного мира зёрнышко граната, чтобы она вернулась к нему, то дочь Деметры не могла долго оставаться с матерью. Боги пришли к соглашению, что Персефона две трети года будет жить в Верхнем мире, а оставшееся время посвятит себя Подземному владыке.

Элевсинские мистерии воспроизводили возвращение Персефоны из Подземного мира, подобно тому как ежегодно весной возвращаются брошенные осенью в землю семена, являясь символом воскрешения из мёртвых. Келей был первым священником Деметры, посвящённый в её обряды и тайны, а его сын Триптолем, обученный богиней искусству выращивания пшеницы, открыл его другим людям по всей земле.

Но наибольшей популярностью и уважением у простого народа пользовались так называемые вакханалии - театральные мистерии в честь вечно пьяного бога вина Диониса (или Вакха). На этих празднествах, которые устраивались весной, во время расцвета природы (Великие дионисии), выступали хоры наряженных в козлиные шкуры певцов. Они изображали свиту Диониса, несущего людям всей страны радость и веселье. Хор исполнял дифирамбы - особые гимны, где прославлялся Дионис и рассказывалось о суровых испытаниях, выпавших на его долю, о победах бога над врагами. Пение сменялось буйной пляской, безудержным весельем.
      В этих песнях было много трогательного и смешного, веселого и печального. Постепенно в хоровое пение и пляску вводятся элементы драматизации. Руководитель хора - корифей - становится первым актером. Он изображает то, о чем поется в дифирамбах. Хор выражает свое отношение к событиям; когда действие приобретает сатирический характер, в пение вплетаются шутки на злобу дня, высмеивающие человеческие пороки: ханжество, лицемерие, скупость и т.д.

Со временем греки стали строить для театральных действ, специальные здания - театры, а одним из первых и самым известных театров в сердце Греции Афинах был театр Диониса.

В конце театральное зрелище перетекало в безудержный праздник – люди веселились, танцевали и конечно в больших количествах пили вино.

2) Театр Древней Греции

Над Афинами, самым большим городом древней Эллады, возвышается холм, на котором белеют прекрасные здания с мраморными колоннами. Это Акрополь - афинская крепость-святилище, место народных собраний и торжественных празднеств в честь богов покровителей греческих городов-государств – полисов. На южном склоне холма, неподалеку от главного афинского храма Парфенона, высечены в скале длинные ряды скамей. Они полукругом сбегают вниз, охватывая подковой широкую площадку и небольшое возвышение за ней.
      Это театр Диониса - один из самых больших театров древности. Он окружен южной зеленью, а вместо крыши над ним глубокое синее небо. Около семнадцати тысяч зрителей, почти все население Афин, размещалось некогда на этих скамьях. Театр уподоблялся святилищу, театральное зрелище считалось важным общественным событием. Греческий актер пользовался особым почетом и уважением. Во время войн актеры, как и жрецы, объявлялись неприкосновенными и нередко выступали в качестве послов и посредников между воюющими.

Устройство театрального здания в Древней Греции: Театрон – места для зрителей (от гр. глагола «смотрю»). Орхестра – круглая площадка, на которой находился хор (от гр. глагола «танцую»). В центре орхестры находился алтарь бога Диониса. На ступенях алтаря на ранних этапах существования театра выступал протагонист. Скена – особое сооружение, примыкавшее к орхестре. Скена в переводе означает «шалаш» или «палатка». Введение скены приписывается Эсхилу.

Внешняя стена скены, обращённая к зрителям, играла в спектакле, важную роль. В трагедии она изображала фасад храма или дворца, а в комедии обычные жилища или так же фасад храма или дворца (при пародировании трагедии). Введение расписных декораций приписывалось Софоклу.

Проскений. В греческом театре V-IV вв. так называлась передняя стена скены или особая декоративная стена, являвшаяся фоном для игры актёров. В эпоху эллинизма проскений превращается в сценическую площадку высотой примерно в три метра, на которой выступали актёры.

На обоих концах скены находились два боковых выступа, которые назывались параскениями. Выступая вперёд, параскениии ограничивали скену справа и слева, улучшали акустику.

Пароды – проходы между скеной и зрительными местами. По ним проходили зрители, а во время представления актёры и хор. Как пишет В. В. Головня, пароды имели своё условное значение, левый проход считался проходом в чужую страну, а по правому появлялись персонажи, приходящие из города или гавани.

Периакты –боковые декорации, трёхсторонние вращающиеся призмы (свойственны для более позднего театра).

Костюм в Древней Греции обладал той же функцией, что и маска. Общей чертой костюмов была яркость и пестрота. В основе трагического костюма лежало одеяние жрецов Диониса – пышное, яркое, многоцветное. Под верхнюю сценическую одежду (хитон) актеры надевали «толщинки», на хитон набрасывали плащ (гиматион или хламида). Ноги трагических актеров были обуты в особую обувь, увеличивающую рост - котурны.

Трагический актер, лишенный мимики из-за маски, в утяжеляющих одеждах, на высоких подставках был малоподвижен. Он должен был виртуозно владеть движениями и жестом. Комический же актер, напротив, двигаться должен был как можно больше. Он использовал цирковые приемы, кувырки, жонглирование, пел, плясал и т.п. для достижения Буффонады.

И те, и другие должны были очень четки и красиво говорить. Дикции и голосу придавалось большое значение. Ценилось техническое мастерство: эллины различали 34 манеры актерского произношения.

Мужской хитон. Низ хитона подшивали, т.к. неподшитый, обтрёпанный низ - знак траура или рабства. Хитоны с рукавами носили только актеры. Длинные, до лодыжек, хитоны носили трагические актеры. Цвет костюма был характерной приметой роли: цари носили красное., несчастные – синее с черным. Были и индивидуальные одежды: сетчатый плащ для прорицателя, алая накидка для охотников. Котурны – закрытые сандалии (сапоги) на высокой подошве. Как элемент одежды в повседневной жизни котурны были доступны только обеспеченным людям. В театре Древней Греции актеры использовали эту обувь при исполнении трагических ролей. Подошва увеличивала рост героя, придавала ему величавость и торжественность, а так же возвышала его над сценой. Подошва постоянно росла и постепенно от размера всего, примерно, в 5 сантиметров подошва достигла длины в локоть. Напоминая больше ходули.

В Древнем Риме ботинки –котурны использовались при исполнении ролей богов или императоров, приравнивающих себя к богам.

Маски

Существовали для быстрого перевоплощения. Актеры просто меняли маски в которых выступали. Нужно помнить, что женские роли исполняли мужчины. Так же маска была нужна из-за размеров греческого театра: без маски лица актеров были плохо видны на дальнем ряду. Во временя драматурга Эсхила появились цветные маски, так как было введено окрашивание. Маски надевали на голову наподобие шлема. Сначала маски делали из дерева и луба, позднее – из гипса.

Маска как рупор. В масках делали приспособление для усиления голоса актера. Внутренняя часть маски около рта выкладывалась серебром и медью и имела вид воронки. Иногда маски были сдвоенные, строенные, это давало возможность небольшому количеству актеров играть несколько ролей, быстро преображаться.

Портретные театральные маски стали делать позднее, они чертами лица были похожи на знаменитых людей: царей, полководцев. Это обижало, поэтому со временем портретная маска была запрещена. Полумаски использовали редко. Позднее стали к маскам прикреплять парики, сделанные из пакли, веревок. Голова в своем размере сильно увеличилась.

В древней комедии большая часть масок (как и костюмов) должна была вызывать смех, отсюда их карикатурный и гротесковый характер.

Четкое разделение типов маски. Каждому определенному характеру и настроению соответствовала «своя» маска. Так, силу и здоровье. представлял смуглый цвет лика маски,. болезненность — желтый, хитрость — красный, а гнев — багровый. Гладкий лоб выражал веселое настроение, а крутой — мрачное.

Одежды хора в трагедии, вероятно, мало чем отличались от костюмов актеров. Хоревты сатировской драмы носили обтянутое косматое трико и козлиную шкур.

Хор Аристофановской комедии-сказки носил диковинные и фантастические одежды, и являлся то в виде птиц, то в наряде ос или облаков. Театр Аристофана (комедия Др.Греции). Здесь тело актеров прежде всего увеличивалось в толщину: огромное брюхо, свислый зад, часто горб, дополненные символом бога, огромным фаллом, создавали каррикатурный и гротескный образ клоуна-шута. Костюм его состоял из пестрого трико, плотно облегающего тело, и длинных штанов. Поэтому Аристотель определяет комедию как: «подражание худшим людям, но не во всей их порочности, а в смешном виде»

До нас дошли многочисленные свидетельства, того, как горячо и взволнованно воспринимали театральные зрелища эллины. Представления начинались утром и заканчивались с заходом солнца. В один день ставили три трагедии, комедию и «драму сатиров».
      Постановка важных общественно-политических и этических вопросов, внимание к человеку, глубокая обрисовка героических характеров, воспитывающая гражданское сознание зрителей, составляют жизнеутверждающую силу древнегреческого театра.

3) Драматургия Древней Греции

Трагедия и комедия родились из хоровых выступлений - два основных жанра греческой драмы.
      Трагедия развилась из серьезных элементов торжества. Слово «трагедия» в буквальном переводе означает «песнь козлов» - в честь хора, одетого в козлиные шкуры. В «комедии» (что значит «песня на гульбище») нашли отражение веселые стороны празднества. Позднее к этим двум жанрам прибавился третий. Его назвали «драмой сатиров», по имени легендарных полулюдей-полукозлов, сопровождавших Диониса в странствиях. О «драме сатиров» греки говорили, что это «трагедия, которая шутит». Она была, как правило, серьезной по содержанию, но с комическими эпизодами и счастливым концом.
      Древнегреческий театр развивался очень быстро. Сюжеты для трагедий, комедий и «драм сатиров» стали брать не только из жизни Диониса. История сохранила пьесы трех великих трагиков древности: Эсхила, Софокла и Эврипида и комедии Аристофана. В трагедиях этих драматургов рассказывалось о героических событиях, происходивших в незапамятные времена. В основе их лежали древние предания, мифы. Боги в трагедиях выступали как грозная сила. Герои вступали с ними в борьбу, погибали, но стойко переносили удары судьбы. Герои же комедий, созданных Аристофаном, не легендарные личности, а жители современных ему Афин: торговцы, ремесленники, рабы. У Аристофана нет былого почтения к богам, наоборот, комедиограф зачастую выставляет их в смешном виде.

Устройство древнегреческой трагедии:

Древнегреческая трагедия, согласно Аристотелю, должна была изображать людей лучших, чем мы (т.е. зрители). Трагический герой - это почти идеальный человек, нравственно благородный и обладающий всевозможными добродетелями. Он совершает роковую ошибку, которая оборачивается ужасными несчастьями, как для него самого, так и для других людей. Сюжет трагедии изображает перемену судьбы одного человека от счастья к несчастью (реже - от несчастья к счастью).

По Аристотелю фабула (последовательность основных событий) трагедии бывает двух видов:

Простая – переход от счастья к несчастью осуществляется без перипетий и узнаваний

Сплетённая – переход от счастья к несчастью осуществляется с перипетией, узнаванием или и с тем и с другим

Перипетия – перемена событий к противоположному

Узнавание – переход от незнания к знанию (может быть узнавание людей, предметов, узнавание о том, было или не было совершено какое-либо действие)

Характеры, изображаемые драматургом должны быть благородными, подходящими (т.е. соответствовать персонажу), последовательными (их поступки должны логично диктоваться образом) и правдоподобными.

Главная цель трагедии – вызвать в зрителе сострадание и страх. Зритель театрального представления, сострадающий герою и испытывающий страх переживает катарсис (т.е. очищение собственной души от страдания и страха).

По своей форме трагедия делилась на несколько частей:

Пролог – часть трагедии до появления хора.

Парод – первая песнь хора

Эписодий – диалогическая часть трагедии между песнями хора.

Стасим – песнь хора.

Эксод – часть трагедии, за которой не следует песня хора.

Коммос – совместная печальная песнь актёров и хора.

Античные авторы. Все они писали пьесы для представлений на празднествах. В творчестве древнегреческих драматургов, несмотря на все различия, было много общего, например стремление показать все самые существенные социальные, политические и этические проблемы.

Эсхил. Для оживления театра Эсхил придумал выводить второго актера. Пока из сцены выходил всего один актер, он мог только рассказать словами о том, что случилось с богом или героем, которого он изображал. Двое актеров, особенно если они представляли противников, могли воспроизвести само происшествие, могли представить действие (по-гречески драма). Чтобы актеры могли свободнее двигаться и все-таки быть выше хора, Эсхил перестал выводить их на помост или на повозке и снабдил их высокими деревянными каблуками или привязными скамеечками. Эсхил устроил и первую декорацию. В трагедиях Эсхила сюжет был возвышенный или грустный. В «Прометей Прикованный» автор показал Зевса не правым и справедливым, а жестоким тираном, который хочет стереть с лица земли всех людей. Поэтому Прометея, который заступился за человеческий род, он осудил на вечные муки, приказав приковать его к скале. Прометей показан автором борцом за свободу и разум людей, против тирании и насилия Зевса. В драмах Софокла действие разнообразилось живыми картинами. В его пьесе " Аякс" представлен герой троянской войны, впавший в дикое безумство, когда доспехи убитого Ахилла присудили не ему, а Одиссею; жена Аякса сообщает хору его товарищей, что Аякс в бешенстве и ослеплении перебил стадо баранов, приняв их за Одиссея и его воинов; во время этих слов широко распахиваются двери сценической палатки: из них выезжает на колесах помост и на нем несчастный, потерявшийся Аякс среди фигур перебитых им животных; через несколько минут эту подвижную сцену укатывают назад, и действие продолжается. Трагедия «Орестея», где богини кровавых призраков преследовали несчастного Ореста, убившего мать за то, что она изменнически зарезала своего мужа Агамемнона, отца Орестова, когда он вернулся домой после взятия Трои. В «Орестее» драматургическое мастерство Эсхила достигло своего пика. В этой трагедии намного больше динамики, чем в ранних произведениях Эсхила. Характеры выписаны более конкретно, намного меньше общих мест и рассуждений. В произведениях Эсхила показана вся героика греко-персидских войн, которые играли важную роль при воспитании патриотизма у народа.

Софокл. Поначалу Софокл сам принимал участие в постановках своих трагедий в качестве актера, но затем из-за слабости голоса ему пришлось отказаться от выступлений, хотя он и пользовался большим успехом. По сравнению с Эсхилом Софокл несколько поменял содержание своих трагедий. Если у первого в пьесах действуют титаны, то второй ввел в свои произведения людей, хотя и немного приподнятых над обыденной жизнью. Поэтому исследователи творчества Софокла говорят, что он заставил трагедию спуститься с неба на землю. Человек со своим духовным миром, разумом, переживаниями и свободной волей стал главным действующим лицом в трагедиях. Софокл ввел в трагедию третьего актера, который очень оживил действие. На сцене теперь было три персонажа, которые могли вести диалоги и монологи, а также выступать одновременно. Самыми известными трагедиями драматурга из фиванского цикла считаются «Эдип-царь», «Эдип в Колоне» и «Антигона». В основе сюжета всех этих произведений лежит миф о фиванском царе Эдипе и о многочисленных несчастьях, обрушившихся на его род. Софокл старался во всех своих трагедиях вывести героев с сильным характером и несгибаемой волей. Но в то же время этим людям были присущи доброта и сострадание. Такой была, в частности, Антигона. Трагедии Софокла ярко показывают, что рок может подчинить себе жизнь человека. В этом случае герой становится игрушкой в руках высших сил.

Еврипид. У него пьеса обыкновенно начиналась с большой живой картины. Чтобы не готовить ее на глазах у зрителей и не портить впечатления, он придумал занавес. Сам не принимал участия в постановке своих трагедий, и не был актером. Большой популярностью в Греции не пользовался. Публике не нравилось то, что драматург стремился как можно реалистичнее изобразить жизнь в своих произведениях В пьесах Еврипида к концу были приготовлены новые эффекты: герой взлетает на воздух на крылатом коне; волшебницу увозят в облака драконы Драматург стал показывать публике такие сцены, которые до него не вводил ни один из поэтов-трагиков. Например, это были сцены убийств, болезни, смерти, физических мук. Кроме этого, он вывел на сцены детей, показал зрителю переживания влюбленной женщины. Самым знаменитым - «Медея». Охваченная жаждой мести Медея страшна в гневе. Сначала она при помощи отравленных даров убивает молодую жену Ясона и ее отца. После этого мстительница убивает своих сыновей, рожденных от Ясона, и улетает на крылатой колеснице.