Вагнер, Бизе, Верди , Берлиоз , Лист 4 страница

Мак Сэннет образовал киностудию, на которой начал свой творческий путь Чаплин.

Большая роль в кинематографе принадлежит Гриффиту, придумал параллельный монтаж («Уединенная вилла», 1909). «Рождение нации» (1915 г.) и «Нетерпимость» (1916 г.) – 2 значительный фильма Гриффита. «Нетерпимость» – состоит из четырех эпизодов – вавилонского, библейского, современного, варфоломеевской ночи. Вавилонский эпизод: Вавилон отбивает осаду войск персидского царя, Валтасар устраивает пир. Девушка, влюбленная в царя, узнает, что персы опять готовят нападение, но не успевает предупредить. Вавилон повержен, Валтасар с женой закалываются стрелой, девушка убита. Библейский эпизод: несколько сцен из жизни Христа и его распятие. Варфоломеевская ночь: в день св. Варфоломея в Париже происходит массовая резня, в которой погибают герои. Современный эпизод: после расстрела забастовщиков в городе герои переезжают в большой город, где женятся. Один из них несправедливо приговорен к смерти за убийство, но его жена в последний момент добивается помилования. В финале жизнь на земле становится райской.

На съемках этого фильма, по сути, родился Голливуд. Фильм очень дорогой, гигантские декорации, огромные массовки. Многие участники съемок стали известными режиссерами и

актерами. Впервые был задействован зрительский интеллект – надо было связать воедино события разных эпох. Новшество – сочетание перекрестного(когда эпизоды перемешиваются между собой) и параллельного монтажа. Фильм окрашен, вирирован (при проявке пленка погружается в фиксаж с проявителем). Масштабен сам замысел фильма: показать, что религиозная и иная нетерпимость во взаимоотношениях людей приводит к гибели. Это знаковый фильм в истории кино. Производство фильмов становилось фабричным.

В Росси первый жанр – царская хроника – блистательное фотографическое качество. В сначала строились кинотеатры, а затем – снимались фильмы. Первый жанр – царская хроника, жизнь двора. Снимал Камил Серф.

Первый игровой фильм – «Понизовая вольница» Ромашкова (1908), продюсер Дрангов. Это экранизация песни о С. Разине. Признан первым художественным фильмом русского кино. Основная масса кадров снята на общих и дальних планах, поэтому оценить игру невозможно, да они и не знают, как играть. Все сгрудились, машут руками, пляшут. Выражение их лиц нейтрально – непонятно, переживают ли они, радуются или печалятся.

«Пиковая дама» (1916) Протазанова – более или менее буквальная иллюстрация пушкинской повести, состоящая из 34 эпизодов. Знаменит своеобразной манерой игры. Главная роль – Мозжухин, прекрасный актер, после революции уехал во Францию, где играл и ставил фильмы. Считалось, что любое движение камеры – это брак, и фильм в целом смонтирован из больших статичных сценически сыгранных эпизодов. Но уже присутствуют некоторые приемы, например «глубинная» композиция кадра, тень не стене, показ детали крупным планом.

Рождение кинематографа возникло не в один день.

В 1826г. Жозеф плато проделал опыт. Смотрел на солнце 25 секунд. Вывод: сечатка глаза запоминает изображение. Эффект инерции зрительного восприятия.

1832 Плато соорудил фенакистископ (2 диска на штире между ними щели. При вращении через щели были видны пофазные рисунки. Создавали движение)

Начало 70х- англ. фотограф Майбриджз выстраивает 12 фотоаппаратов привязывает нитки и фотографирует движущуюся лошадь. Через несколько лет Ж. Марей создает фотографическое ружье – скоростную фотокамеру (100 снимков в сек.)

Создание кинокамеры и создание кинопроектора это 2 разных события.

Кинокамеру (Кинетограф)-изобрел Эдисон 1889г.

1891- Эдисону и Диксону пришло в голову скоммутировать Кинетограф с Фонографом.

Первый фильм снял на пленку Диксон в отсутствии Эдисона. Он был звуковым. Снимает шляпу и здоровается с Эдисоном. «Я приветствую Вас на этом кинетофонографе»

Кинопроектор (Синематограф)- братья Люмьеры 1895. Создали кинопрокат.

Первый платный киносеанс в помещении Гранд Кафе. «Прибытие поезда»

Эдисон и Люмьеры снимали хронику.

Ж. Мельес создает игровое кино. Вымышленные сюжеты, спецэффекты, фильмы о космосе «Путешествие на Луну» 1902г.

«Большое ограбление поезда» Э. Портера 1903г. Режиссеры не знали монтажа. Сцена ограбления показана целиком (очень затянутая).

Шарль Пате стал первым продюсером. Создает первую в мире киностудию 1908.

Был цех для раскрашивания от руки кадров. Первая цветовая система.

Эдисон пробивает через конгресс создание патентной компании.

Некоторые компании начинают отчислять за изобретения, другие бегут на границу с Мексикой, в поместье Холливуд.1909г.

Дэвид Уорк Гриффит – первый выдающийся режиссер. Открывает параллельный монтаж (2 линии действия происход. одновременно, но в разных местах). Снимает полнометражные фильмы. «Рождение нации»(1915)- 3 часа. «Нетерпимость»(1916)- 4 часа. Один из самых затратных фильмов. Эти фильмы потребовали большое кол-во актеров, костюмов аксессуаров и.т.д.

Первый жанр кино - царская хроника коронации Николая 2.1896

1908 г «Понизовая вольница(Стенька Разин)».В. Ромашкова – Первый русский фильм. 6 минут. Плохая игра актеров. Нет монтажа.

10 е годы – налаживается кинопроизводство, открывается школа актерского мастерства.

Выпускается по 500 фильмов в год. Основное направление дореволюционного кино – мистическая драма.

Я. Протазанов снимает фильм «Пиковая дама». Превращает повесть в мистическую драмму.

62. Творчество Чарльза Чаплина - наиболее выдающееся явление в американском кино первой половины ХХ века («На плечо!», «Малыш», «Золотая лихорадка», «Новые времена», «Мсье Верду», «Король в Ныо-Йорке»).

Чаплин – англичанин, родился в семье мюзик-холльных актеров, отец умер, а мать лишилась работы. Они голодали, и от голода мать сошла с ума. Чарли впервые выступил на сцене в 1894 году, в возрасте пяти лет, заменив в программе мюзик-холла свою мать. В конце 1898 года он поступил в детскую танцевальную группу. Чарли в возрасте 6 лет отправили в сиротский приют. Там он стал актером передвижных мюзик-холльных групп. В 1903 году он (в возрасте 14 лет) получил постоянную работу в театре и роль посыльного Билли в пьесе «Шерлок Холмс». 21 февраля 1908 года получает место актёра в театральном предприятии Фреда Карно, которое поставляло готовые скетчи(короткая пьеса с двумя, реже тремя персонажами) и пантомимы(вид сценического искусства, в котором основным средством создания художественного образа является пластика человеческого тела, без использования слов) для целого ряда мюзик-холлов. Вскоре становится одним из ключевых актёров в ряде постановок (некоторые из них он позже адаптировал для экрана). Во время одного из выступлений его замечает кинопродюсер Мак Сеннет. Чаплин дебютировал на студии Сеннета. С 1914 года он стал сниматься. Первый фильм – «Зарабатывая на жизнь».

В 1914 году Чаплин самостоятельно снял свой первый фильм («Застигнутый дождём»), в котором он выступил в качестве актёра, режиссёра и сценариста. Далее – «Тихая улица» (1915), «На плечо» (1918). «На плечо» – насыщен массой дегов. Дег – неожиданность.

В 1915 он уходит в фирму " Эссеней", где в поставленных им по собственным сценариям фильмах окончательно складывается образ его героя – маленького бродяги Чарли в широких штанах, пиджачке в обтяжку, ботинках с носами, смотрящими в разные стороны, дополнением стали усики, котелок и тросточка. В таком виде герой Чаплина переходил из фильма в фильм вплоть до картины " Новые времена" (1936). " Иммигрант" (1917; история Бродяги, приплывшего на корабле через океан, чтобы увидеть " свободный мир", встретивший его пинками). " Исцеление" (1917; герой фильма - богатый выпивоха, приехавший на курорт минеральных вод). " Тихая улица" (1917; Чарли поступает на работу в полицию и его направляют на самый опасный участок - на одну из " тихих улиц" городских трущоб). " Искатель приключений" (1917; о побеге заключенного с каторги). Со временем он решил обрести творческую самостоятельность и в 1919 году, вместе с Гриффитом и Мэри Пикфорд, основал студию «Юнайтед Артистс».

Расцвет деятельности Чаплина – 20-е годы. «Малыш» (1920, первый полнометражный фильм Чаплина; история ребенка, брошенного матерью вскоре после рождения). «Пилигрим» (1923), «Парижанка» (1924, психологическая драма о нравах высшего общества, единственная мелодрама Чаплина, и он там не снимается), «Золотая лихорадка» (1925, комедия; одна из сцен - знаменитый " танец булочек" на вилках; фильм вошел в десятку лучших фильмов всех времен), «Цирк» (1928, лирическая трагикомедия о приключениях Чарли в составе гастролирующего цирка; в 1928 - специальный " Оскар" за " гениальность сценария, актерского мастерства, режиссуры и продюсерства").

«Золотая лихорадка» - эксцентрическая комедия. Группу золотоискателей отрезало снежным заносом от мира. Отправившиеся за помощью вынуждены были есть тела своих погибших товарищей. Те, кто выжил, ели собак, воловьи шкуры, мокасины. Главный герой – маленький бродяга, ставший миллионером. Чаплин сыграл в этом фильме несколько ролей. Фильм интересен гэгами. Например, Чарли – миллионер, но стоит ему переодеться в костюм бродяги, как у него меняется статус. Фотограф пытается им управлять, а когда Чарли скатывается по лестнице вниз, его уже готовы арестовать. Словом, успех, богатство – лишь случайность, крайне ненадежная.

Чаплин стремился уйти от «комедии пощёчин», в жанре которых снимались все комедии того времени. В фильме «Ссудная касса» Бродяга в сцене увольнения показал жестом, что у него несколько детей, которых нужно кормить. Чаплин заметил, что зрители, находящиеся на съёмочной площадке, смахивают слезу. После этого образ Бродяги стал обретать лирические и трагические черты.

Затем в кино приходит звук. Чаплин отнесся к звуку в кино резко отрицательно. Он просто не знал, что следует говорить, его производительность резко упала. В 1931 году немые фильмы снимать перестали, и Чаплину пришлось с этим считаться. В «Огнях большого города» (история любви безработного бродяги к слепой цветочнице; первый фильм Чаплина с музыкальным сопровождением) он пустил речь оратора с неестественной скоростью, и речь превратилась в щебетание, а в «Новых временах» (1936, история любви бродяги и уличной девчонки, пытающихся выжить в период депрессии и безработицы в Америке; с экрана впервые прозвучал голос Чарли Чаплина) исполнил песенку на языке, в котором были смешаны слова английского, немецкого, итальянского и еврейского языков, в фильме разговаривают не люди, а механизмы. «Полукровка» (1937) – много звуков, но диалога нет. Текст идет либо по радио, либо по телевизору (у Чаплина в фильме уже было телевидение).

«Новые времена» - попытка примерить новые времена на себя, понять, что значит жить неимущим в стране, переживающей кризис. Учитывая, что Чарли мал ростом, то есть мал в

социальном отношении, он – изгой. Чарли у конвейера, но все у него идет не так, он не приспособлен к работе. В итоге он сходит с ума, а, выйдя из больницы, остается без работы, многократно попадает в тюрьму, встречает девушку. После всех приключений он говорит ей: «Встряхнись! Все наладится!». Это некий призыв, девиз.

«Великий диктатор» (1940, антифашистская сатира; Чаплин выступал в двух ролях - еврея-парикмахера, и фашистского главаря Аденоида Хинкеля; премия нью-йоркских критиков за лучшую актерскую работу) – первый стопроцентно звуковой и последний фильм Чаплина как актера. Это был последний фильм, где используется образ бродяжки-Чарли. Несмотря на то, что немое кино уступило место звуковому, актёрская и режиссёрская техника Чаплина оказала значительное влияние на многих комических актёров. После войны Чаплин снимает фильм " Месье Верду" (1947; фильм о маньяке-женоубийце; в основу картины положена реальная история француза Ландрю).

В 1952 году Чаплин создаёт фильм «Огни рампы» — рассказ о судьбе творческого человека и о творчестве вообще, лирическая драма; во многом автобиографичная история последней любви старого клоуна Калверо, в фильме снимались члены семьи Чаплина. После этого фильма ему запретили появляться в США, он поселился в Швейцарии. В Швейцарии Чаплин пишет музыку к своим старым немым фильмам, озвучивает фильм «Золотая лихорадка».

В своём фильме «Король в Нью-Йорке» (1957) Чаплин всё ещё сам играет главную роль. В 1967 «Графиня из Гонк-Конга» – последний фильм по собственному сценарию и неудачный. С Софи Лорен и Марлоном Брандо в главных ролях, Чаплин играет эпизодическую роль стюарта.

63. Идеи и фильмы С.М. Эйзенштейна - теория и практика советского пропагандистского кинематографа (статьи «Неравнодушная природа», «Монтаж», фильмы «Октябрь», «Иван Грозный»).

Итоги его и теоретических размышлений, и его фильмов – 100% пропаганда. Он не снял ни одного фильма по собственной инициативе, все – заказные. И фильмов было немного, всего 6, и один – «Бежин луг» – уничтоженный. В марте 1937 года приказом по Главному управлению кинематографии работа над картиной «Бежин луг» была прекращена по идеологическим соображениям. Эйзенштейну пришлось написать покаянную статью «Ошибки «Бежина луга». Все его соратники – Дзига Вертов, Довженко, Кулешов – тоже были пропагандистами. Он вел большую исследовательскую работу, 6 томов сочинений, 2-томники «Монтаж Неравнодушная природа». В этих статьях он пытался добиться звукозрительного синтеза. «Монтаж, 1938», «Вертикальный монтаж», «Монтаж. Неравнодушная природа» - все это попытки создать теорию звукозрительного синтеза. Это понимание фильма как целостного произведения во всех его элементах. Все слитно – изображение, звук, свет, шумы, музыка, цвет. И развивается параллельно. Название «вертикальный монтаж» заимствовано у композиторов. Они свои произведения оркеструют. Для этого все инструменты записывают в столбик, и каждому из них сочиняет свою тему. Эти темы разворачиваются вертикально. В основе вертикального монтажа – партитура. Результаты исследований – особая часть творчества, не параллельная фильмам.

В 1924 Эйзенштейн выпустил свой первый кинематографический шедевр — «Стачку».

«Броненосец Потемкин» (1925) - пропагандистское кино в чистом виде. Кульминация «Потемкина» — сцена расстрела на одесской лестнице, когда мирные люди гибнут под пулями и сапогами карателей. Потрясают детали этой сцены молодая мать, сраженная пулей; детская

коляска, стремительно катящаяся вниз по ступеням; убитый ребенок под ногами солдат; лицо старой учительницы, рассеченное казацкой нагайкой... Кадры, имеющие сильное эмоциональное наполнение, монтируются в жестком ритме. Оптимистичный финал картины – раскрашенный от руки красный флаг гордо реет над броненосцем, как символ торжества революции.

«Октябрь» (1927) - фильм, в котором впервые в художественном кино показан образ Ленина. Это череда событий, предшествующих штурму Зимнего дворца в октябре 1917 года. «Октябрь» можно считать в мировом кино одним из первых примеров воплощения на экране «второй реальности», кажущейся подлиннее настоящего (эпизод расстрела июльской демонстрации). Снят совместно с режиссером Г. В. Александровым. Интересен монтажом, это чисто монтажное кино. Этот монтаж ассоциативен. Например, эпизод, в котором показано, как восставший народ сбрасывает с постамента памятник Александру III, при падении памятник разлетается на куски. А потом, чтобы показать, что в стране происходит реставрация царского режима, применен обратный монтаж: памятник из этих осколков снова собирается, становится целым. Или, например, эпизод, в котором разводится мост. Наверху застревает коляска с лошадью – лошадь убивают в кадре, и она висит с одной стороны, а коляска – с другой. В этом фильме одна странность – обилие титров. Автор боялся, что его не поймут.

«Старое и новое» (1929) – жизнь советской деревни в канун сталинского плана коллективизации. Создавая фильмы " Октябрь", " Старое и новое" и др., Эйзенштейн разработал теорию " интеллектуального кино", согласно которой с помощью развития киноязыка появлялась возможность для зрителя получать не только образные, но и научные понятия. Эйзенштейн предсказал техническое будущее звукового кино.

«Александр Невский» (1938) - чисто политический фильм, патриотический фильм о разгроме немецких рыцарей в 13 веке. Вышел в 1938 году, а потом был изъят из проката – по причине заключения «Секретного пакта» с немцами. Повторно вышел в прокат после начала войны. Работая над «Александром Невским», Эйзенштейн был увлечен проблемой синтеза музыки и пластики. Весь год он работал с композитором Сергеем Прокофьевым. Фильм имел большой успех.

«Иван Грозный» (1941-1946) – 1 серия снималась в Алма-Ате, приняли ее хорошо, фильм был награжден Сталинской премией. «Ради Грозного, ради русского царства великого» - под таким лозунгом прошла 1 серия, то есть Грозный выступал как объединитель Руси. Таков, по мысли режиссера, и Сталин. Главную роль сыграл Николай Черкасов. 2 серия снималась в Москве, и ее запретили. Фильм был показан только в 1958. Сталин увидел в ней пародию на себя, а в лице опричников – пародию на НКВД. 2 серия снималась под тезисом «Един, но один». Все, чем занимается Грозный во второй серии – это сплошные казни, то, чем, собственно занимался и Сталин. Возможно по этой причине, его и запретили. Ведь Сталин был, по сути, единственным цензором в кино. В фильме много значат позы Грозного, удивительная операторская съемка. Структура фильма, построенная на эпизодах, один от другого почти независимых. Речь – лозунговая, митинговая. 2 серия наполовину цветовая, но цветовые эпизоды проигрывают черно-белым.

Заказ и постоянная оглядка на заказчика делают авторство невозможным. Идея трагической расплаты в борьбе за власть подверглась уничтожающей критике. Фильма не спасли ни прекрасные актерские работы (Н. К. Черкасов, А. М. Бучма, С. Г. Бирман, М. И. Жаров и др.), ни изобразительное решение, ни музыка Прокофьева. Эйзенштейну в категорической форме было предложено переработать фильм.

64. Пропагандистские задачи и документальное отражение действительности в фильмах Дзиги Вертова ХХ годов («Киноправда», «Киноглаз», «Шестая часть мира», «Человек с киноаппаратом»).

65. Неореализм и психологическая драма в итальянском кинематографе послевоенных лет («Земля дрожит» Л. Висконти, «Похитители велосипедов» В. Де Сики, «Дорога», Ф. Феллини, «Хроника одной любви» М. Антониони).

Неореализм – самое влиятельное направление в мировом кино за всю его историю, следы неореализма можно наблюдать на разных континентах. Это послевоенное направление, возникшее в 1945 году, первым фильмом этого направления следует считать фильм «Рим – открытый город» Роберто Росселлини. Хотя термин возник с фильмом Висконти «Одержимость».

Это направление сформировалось стихийно, непредумышленно. Неореализм породила сама жизнь, ее жесткие условия, которые обычный итальянец не мог ни принять, ни преодолеть. Мастера кино решили показать и обществу, и правительству, что в таких условиях жить невозможно. Для этого и начали снимать подобные фильмы. Отсюда – предельно упрощенная драматургия, документальный стиль съемок, отсутствие декораций, участие неактеров.

«Рим – открытый город» - немецкая оккупация и итальянское сопротивление показаны как череда эпизодов, происходящих с обычными людьми в обычных бытовых условиях. Эти особенности картины стали основой для последующих неореалистических фильмов.

До 1948 года основная тема неореализма – война («Германия – год нулевой» Росселлини, «Пайза» Росселлини, «Солнце еще восходит» Альдевергамо). После 1948 года количество фильмов о войне уменьшается, появляются фильмы о разрушенной экономике в Италии, сиротах, безработице, и прочих социальных проблемах. Каждой из этих проблем посвящался фильм. Фильм снимался методикой, максимально приближенной к реальной жизни. Документальная манера съемок, в подлинных местах, практически отсутствовали павильонные съемки, при участии непрофессиональных актеров. Впервые трудящиеся массы узнавали в киногероях себя, в их проблемах - свои проблемы, увидели страшную правду: голод, безработицу, нищету, а вместо рекламных италийских пейзажей - трущобы бедняцких кварталов.

«Земля дрожит» Висконти (1948), снимался на Сицилии, в среде рыбаков, все роли играли рыбаки, режиссеру приходилось переводить за кадром. Нищета, убогий быт, тяжелые условия труда – в основе фильма. Висконти снимал рыбаков долгими кадрами, нередко на крупных планах, всегда трудных для исполнителя. Лучше смотрятся эпизоды, где рыбаки оказываются в своей стихии: когда они выходят в море, когда чинят сети на берегу, ругаются, умываются или переодеваются.

Фильмы снимались по материалам прессы. Так сняли фильм «Похитители велосипедов» Де Сики. Кража велосипеда у главного героя приводит его к проблемам на работе и проблемам в семье – герой вынужден доказывать собственному сыну, что он сам взрослый и сильный мужчина. Он вынужден украсть чужой велосипед. Герой неореалистического фильма всегда обречен – обречен вести себя так, а не иначе, обречен терпеть поражение. Что бы герой нп предпринимал, все напрасно – он остается таким, каким был в начале фильма – без работы, без денег, без велосипеда и без честного имени.

В газете появилась заметка о вакансии девушки-машинистки. Вакансий было 2, а пришло 2000 человек. Под ними рухнула лестница, были жертвы. По этому сюжету был снят фильм «Рим, одиннадцать часов», Де Сантис (1952).

С 1951 года Италия стала присоединяться к ЕЭС, приняла экономическую помощь, экономика страны стала возрождаться, уровень жизни начал расти и неореалистические фильмы стали постепенно исчезать. На смену неореализму пришли психологические драмы (Ф. Феллини, Антониони, Висконти). Одна из ведущих тенденций западноевропейского кинематографа конца 50-х - середины 60-х гг. - исследование психологии современного человека, социальных мотивов его поведения, причин смятения чувств и разобщённости между людьми. Об этом фильмы Феллини: " Дорога", " Маменькины сынки", " Ночи Кабирии", " Сладкая жизнь", " Восемь с половиной".

Дорога (1954) – в нищую семью приезжает цирковой актер Дзампано. В прошлом он уже выкупил у матери ее старшую дочь, и теперь хочет купить младшую, Джельсомину (она не вполне нормальная). Он увозит ее, делает своей ассистенткой, обращается с ней грубо, периодически бросает ее одну на дороге. После всех этих перипетий она умирает – одинокая и больная. Вся ее короткая и скудная жизнь прошла на дороге. В этой картине

заложены насилие и молчаливое непротивление ему. В итоге Дзампано осознает, как далек он от того пути, на который его пыталась направить Джельсомина.

Картины Антониони " Хроника одной любви" (1950), «Крик» (1957, настоящая психологическая драма), " Ночь", " Затмение", " Красная пустыня" (первая цветная картина режиссёра). «Хроника одной любви» Антониони – полудетективная драма. В нем сформировалась вся поэтика Антониони, его склонность к длинным долгим кадрам, взятых общими и дальними планами, замедленным темпом развития событий. Здесь вырабатывается характерный для его последующего творчества подтекст. Мы узнаем о прошлом героев не с помощью флэшбеков (переноса в прошлое), а за счет рассказа. Это угроза прошлых событий довлеет над всеми поступками героев.

Висконти стал снимать костюмно-исторические фильмы («Чувства», 1954). Действие развивается в 19 веке. В 1957 году экранизирует «Белые ночи» Достоевского, перенеся действие в современную Италию – психологическая драма.

С неореализма началось возрождение киноискусства. Из него вышли практически все крупные режиссеры итальянского кино 50-60-х годов. Неореализм показал, как можно раскрывать достаточно сложные проблемы, используя при этом минимум средств. Но главное – это то, что неореализм показал интерес к мелким бытовым подробностям и увеличение внимания к тому, что показывается на экране.

66. Творчество И. Бергмана - одна из вершин европейского авторского кино ХХ века («Земляничная поляна», «Персона», «Фанни и Александр»).

Фильмы, поставленные Бергманом в 40-е годы, содержат резкую социальную и нравственную критику шведской действительности. В своих ранних картинах Бергман охотно показывает Швецию «с черного хода», изображает нищету, материальную и нравственную неустроенность людей, выброшенных из жизни, не нашедших себе

применения и опускающихся на дно. Тема тусклой, засасывающей повседневности получает почти аллегорическое выражение в фильме «Корабль идет в Индию» (1947), где действие происходит на старой, никуда не годной морской посудине, стоящей на приколе и медленно погружающейся в прибрежный ил, в то время как действующие лица все глубже увязают в тине быта и мучительных психологических проблем. Но в том же фильме возникает и тема нравственного противостояния человека силе враждебных обстоятельств. «Нельзя оставаться в одиночестве, — говорит героиня фильма, — это все равно, что умереть». Ей вторит другой герой: «Нельзя все время плыть по течению, а то затянет в омут и уже больше не выберешься».

Бергман вывел на шведский экран героев со сломанными судьбами, ущербной психикой, болезненными страстями. Однако изображение мрачных, мучительных сторон жизни не было для режиссера самоцелью, оно заставляло зрителей задуматься над положением общества в целом. Ведь в ситуации отверженных и гонимых у Бергмана неизменно оказываются люди наиболее чуткие, ранимые, восприимчивые к проявлениям жестокости и несправедливости.

Трудно найти у Бергмана фильм, в котором не возникала бы тема человека, виновного в том, что отказался разделить страдания других людей. Эгоистическую замкнутость, равнодушие режиссер рассматривает как нравственное преступление.

«Земляничная поляна». Старый профессор Исаак Борг отправляется из Стокгольма в университет города Лунд, чтобы получить награду за научные заслуги. Эта поездка, полная мучительных воспоминаний, тревожных сновидений, встреч с милым прошлым и неумолимым настоящим, подводит итог всей его жизни. Герой едет на машине и останавливается в знакомых местах. По дороге он встречается с разными людьми, «путешествует» по характерам и типам отношения к жизни. Герой также путешествует во сне: в сновидениях он лишь безмолвный свидетель того, что близкие люди ему вовсе не были близки. Происходит переоценка ценностей. Фильм «Земляничная поляна» весь построен на мотиве возвращения человека к своему прошлому.

Со временем меняется стилистика фильмов. Быт все чаще отступает. В центре его внимания находится человек, который ищет высшую идею. Он ищет ее, исходя только из своего личного опыта, но поиски эти имеют общее значение, и они приводят его к другим людям. И бог у Бергмана — это не только высшая идея, но и личная идея. Бергман говорил, что, будучи сыном священника, он с детства привык видеть изнанку жизни и смерти. Христианские мотивы занимают важное место в его фильмах.

В начале 1960-х годов Бергман поставил свою трилогию («Как в зеркале», «Причастие», «Молчание»), через все части которой черной, траурной нитью проходит сквозная тема человека, утратившего надежду. «Молчание» — самая мрачная часть бергмановской трилогии. Десятилетний мальчик в чужой стране и незнакомом городе становится свидетелем ненависти, царящей в отношениях матери и ее тяжело больной сестры. Перед нами последний круг «ада» — люди, утратившие достоинство и способность к сопротивлению. Их страдания показаны так, что внушают не только ужас, но и отвращение.

Бергману мировой кинематограф обязан разработкой языка. Творчество Бергмана можно разделить на три этапа, и эти этапы связаны с разработкой этапов киноязыка. Если в «Земляничной поляне» (1957) нет каких-либо острых монтажных решений, там решения драматургические, то в фильме «Персона» (1966) – острое монтажное решение.

«Персона». История двух женщин, одна из которых актриса, потерявшая способность говорить. Другая – медсестра, которая должна ее вывести из этого состояния. Одна все время говорит, другая – молчит. Этот диалог чрезвычайно интересно смонтирован. Все действия в этом фильме разворачиваются в двух направлениях. Во-первых – история этих женщин, во-вторых – пленка, на которую эта история снята. Мы видим пленку, идущую по лентопротяжному механизму. Фильм начинается с того, что идет сеанс кино, и показывается эта история. А когда история доходит до кризиса, пленка начинает гореть. Заканчивается фильм тем же самым проектором. Постепенно они как бы сливаются и переходят одна в другую, меняясь сознанием, личностью, потаенными желаниями... Так возникает в фильме тема неустойчивости, расщепления человеческой личности — тема двойника. Женщины похожи друг на друга, как сестры-близнецы, между ними по ходу фильма происходит «обмен ролями». На экране возникает серия крупных планов лица, у которого левая часть принадлежит одной женщине, а правая другой. Двойное развитие

действия (собственная история и пленка с этой историей) придает своеобразие фильму. Это вполне в духе тех произведений, которые снимались в 60-е годы (Феллини, «Фотоувеличение» Антониони, Годар).

«Фанни и Александр» снят в последний период творчества. Это автобиографический фильм. Драма, показанная в фильме – это драма семьи Бергмана. Есть очень откровенные эпизоды взаимоотношений между людьми. И в этом весь Бергман.

Бергман обычно снимал фильмы по собственным сценариям, затрагивая в них широкий круг проблем: поиски своего «я» (Персона), творчество и больное сознание (Час волка, 1968), одиночество и сексуальные отклонения (Молчание), способность любви выстоять во враждебном мире (Стыд, 1968), отношения человека с Богом (Причастие, 1962), смерть (Седьмая печать и Шепоты и крик, 1972), разобщенность – между мужем и женой (Сцены из супружеской жизни), между человеком и Богом или между людьми (все его фильмы). Фанни и Александр (1983) и Благие намерения (1992) – глубокие исследования детства и отношений между родителями.