Раздел 2. ИСКУССТВО

Насколько хорошей должна быть профессиональная работа в искусстве? Это относится к живописи, музыке, фотографии – чему угодно. Это также относится к умению преподнести себя или свою работу как форму искусства.

Да, так насколько хорошим должно быть произведение искусства?

«О-о-о, - скажете вы, - на этот вопрос невозможно ответить, это неощутимо. Вы задаете такой вопрос, на который не существует ответа, кроме, разве насмешек или аплодисментов критиков. Именно для этого и существуют критики! Кто же может сказать, насколько хорошим является хорошее. Кто может?»

Я могу удивить вас. Ответ СУЩЕСТВУЕТ.

Как вы знаете, на протяжении многих лет моего упорного труда в основном направлении, я для разнообразия также занимался искусством и накопал некоторые материалы, которые могут определить основы искусства.

До сих пор искусство на нашей планете было наименее определенным и наиболее зависимым от мнений предметом (кроме разве мужских идей о женщинах, и женских о мужчинах). Искусство было чьим-то суждением. Шедевры не удостаивались аплодисментов, а явное уродство вызывало бурю восторга.

Итак, насколько хорошим должно быть произведение искусства, чтоб быть хорошим?

Художник будет указывать на малейшие технические детали, известные только художникам, музыкант обратит внимание на партию альтгорна и будет что-то объяснять по поводу положения губ и щелканья клапанов, поэт будет рассказывать о типах размера стиха, актер объяснит, как позиция и взмах одной руки по инструкции такой-то школы превратят деревенщину в настоящего актера. Так можно перебрать все виды искусства и все их элементы.

Но все эти люди спорят о частностях и полной тайн технике, мельчайшие элементы которой может опознать лишь человек, посвященный в этот вид искусства. Они говорят о технике. В действительности они не ответят на вопрос, насколько хорошим должно быть произведение искусства.

О произведении искусства составляют мнение люди. Люди их слушают, люди их чувствуют. Произведения искусства не создаются для тесной группы посвященных, они являются единой пищей для всех людей.

Никто не спорит, что искусство преследует широкие цели. Но некоторые профессора, которые не хотят иметь конкурентов, говорят своим студентам: «Искусство существует для собственного удовольствия», «Это хобби». Другими словами, не показывай, не выставляй своих работ, дитя, иначе ты станешь конкурентом! Мир сегодня полон таких измышлений. Но поскольку такое искусство «ради собственного удовольствия» не соответствует определению более широкого назначения искусства, то профессионала оно не интересует.

Какой бы вид искусства мы не взяли, кто является потребителем художественной продукции? Люди. Не критики, боже упаси, а люди. Не эксперты в этой области искусства. Просто люди.

Прав был древний китайский поэт, когда, написав свою поэму, он спускался с традиционного чердака и читал ее старухе-цветочнице за углом. Он знал, что делает. Если цветочница понимала его и мысль казалась ей великолепной, то он публиковал работу. Если не понимала, то он бросал рукопись в бамбуковый сундук с прочим хламом. Не имеет значения, что столетия спустя его поэмы встречали восторженно.

Итак, можно было бы ответить на наш вопрос, просто сказав, что искусство должно общаться с людьми всех слоев общества. Но эта мысль, в действительности, не доходит до потеющих профессионалов, поскольку те, кто их ведет, не берут на себя ответственность донести это до них и дать им в руки посох, опираясь на который, профессионал мог бы сказать: «Это то-то», «Я это сделал». И уйти в уверенности, что он действительно это сделал.

Что такое техника? Какова ее ценность? Где она уместна? Что такое профессионализм? Где следует прекратить подчищать картину или стирать ноты и сказать: «Это то-то»?

Такой момент существует. Но некоторые его так и не находят. Импрессионисты, как группа, практически сбились с ног, пытаясь разработать новый путь видения мира и передачи этого другим. Они сделали это (по крайней мере, некоторые из них, например, Моне). Но большинство не знают, когда надо остановиться, и не делают этого. Они не могут ответить на вопрос: «Насколько хорошим должно быть произведение искусства, чтобы быть хорошим?».

В наше время есть множество каналов для передачи произведений искусства. Поскольку некоторые произведения искусства можно легко показать очень многим, то, возможно, теперь требуется меньшее количество деятелей искусства? Поэтому конкуренция очень острая, острее кинжала. Чтобы быть хорошим, нужно быть очень хорошим. Но как, каким образом?

Бывало, я оплачивал завтраки художников из Гринвич-Вилли (которые они жадно поглощали, делая остановки только между порциями, чтобы выразить сожаление по поводу моего коммерческого подхода и упрекнуть за то, что я променял свой талант на золото, которым, кстати, и оплачивал их завтраки). Временами я задавал им этот вопрос, и нет нужды говорить о том, что ответы были самые разные. Они обрушивали на меня лавину сведений о технике и ее недостатках, туманно рассуждали о врожденном таланте. Они таскали меня по галереям, чтобы показать Пикассо, или к стендам абстракционистов. Но ни один из них не сказал мне, насколько хорошей должна быть песня, чтобы быть песней.

Я был озадачен этим. А разгадка пришла, когда дорогой мой друг, ныне покойный Хуберт Мэтью, на котором оставили отпечаток молодые годы, проведенные на левом берегу Сены, а в зрелом возрасте рисовавший матрон в школе изящных искусств, сказал мне: «Чтоб сделать что-то в стиле модернизма, абстракционизма или кубизма, ты должен первым делом научиться рисовать». И он развивал эту тему, пока я в тихую манхэттенскую полночь донимал его расспросами и угощал хересом со льдом, а он дорисовывал что-то там на великолепном платье первой леди Нантукета. Мэтью умел РИСОВАТЬ. Наконец, он набросал для меня абстракцию, чтобы показать, как это сделал бы тот, кто не умеет рисовать, и как это может быть сделано.

Я усвоил этот урок. Чтобы создать что-то действительно сверхсовременное, вы, в первую очередь, должны уметь рисовать. И я сказал, черт, ведь есть Гертруда Стайн, Томас Манн и другие подобные сочинители. Посмотрим, действительно ли это форма искусства. Я настроил свою печатную машинку, набросал последнюю главу романа далеко не в стиле пресной прозы, написал «КОНЕЦ» и отправил книгу редактору. Он незамедлительно позвонил мне, пообещал приличный гонорар, пригласил на ланч и сказал в несвойственной ему манере: «Я потрясен (это было несколько десятилетий назад – другое время, другой язык), такая неожиданная концовка! Вы, право, превзошли себя». Это подняло рейтинг его тиражей, что было очень странно, так как, видите ли, первые главы были написаны прямо перед встречей с Мэтью, утолявшим жажду хересом, и требовали продолжения, а последние были в потоке импрессионистского сознания, которое сам Манн мог бы назвать «продвинутым, скорее авантюрным, сверх-финнеганизированным течением какой-то ультра-школы».

Тогда, чтобы посмотреть, как далеко это может зайти, я некоторое время писал прозу, используя стили разных эпох, просто чтоб увидеть, что произойдет. То, что произведения продавались, еще ничего не доказывало, так как с этим у меня никогда не было проблем. А то, что их вообще понимали, было для меня удивительно, поскольку использованные стили (от Шекспира до Беовульфа) были в диких сочетаниях с чем-нибудь недавно опубликованным.

Я показал это Мэтью в очередной раз, когда его мучила жажда, и нужно было дорисовать чье-то бальное платье или тройной подбородок. Он просмотрел и сказал: «Хорошо, ты доказал мою точку зрения. Здесь нет загадки. В сущности, ты – опытный писатель. Это видно».

Но сегодня мы пришли к чему-то не только благодаря мне, или моим приключениям, или делам давно минувших дней.

С течением времени я понял вот что: деятели искусства, владеющие техникой, видят и слышат малейшие технические нюансы. Художник растет на точном применении определенных точных действий, которые и производят их холсты, их партитуры, их романы, их выступления.

Успешный деятель искусства настолько хорошо делает эти маленькие вещи, что все свое внимание и мастерство может посвятить донесению своего послания. Он не просто исполняет на скрипке трели на шестнадцатых нотах. Он отключен от этого процесса. Он может повторять и повторять их бесконечно как техническое действие. Никакого напряжения. Чистая рутина.

Вот три картины, написанные в стиле сюрреализма. Каждая из них несет свое послание. А публика проходит и смотрит с восхищением только на одну. В чем ее отличие от двух других? Она несет другое послание? Нет. Она больше нравится? Слишком туманное объяснение.

Если вы смотрите или слушаете какое-либо произведение искусства, то есть только одна вещь, которая заставляет вас признать его художественным произведением, и которая вызывает отклик у широкой аудитории. Что это? Это техническое мастерство, которое само по себе адекватно эмоциональному воздействию.

Это ответ на вопрос, насколько хорошим должно быть произведение искусства, чтобы быть хорошим.

Если вы посмотрите на это с разных сторон, вы увидите, что обычный зритель в основном не сведущ в технике. Техника – это удел создателей искусства.

Если понаблюдать за толпой, которая смотрит выступление фокусника, то можно определить качество, вызывающее однотипную реакцию. Если он хороший фокусник, то он ловкий шоумен. Он не показывает, как он делает свои трюки. Он показывает безошибочное, гладкое исполнение. Только одно это обеспечивает несущую волну, которая доставляет суть его действий к аудитории. И хотя это далеко от настоящего большого искусства, даже здесь проявляется искусство делать эти вещи. Если он хороший исполнитель, публика видит прежде всего и помимо всего прочего техническое мастерство его исполнения. Они видят, что он делает такие вещи, которые, как они уверены, они сделать не могут. Они наблюдают результаты его представлений. Он хороший фокусник, если он обеспечивает технически безупречное исполнение в пределах действий и движений, создающих канал для того, что он представляет.

Не сравнивайте Баха с фокусником (хотя могли бы), но все основные области искусства имеют только этот один общий фактор. Еще до того, как человек начнет рассматривать лица на картинах или прислушиваться к смыслу песни, он воспринимает техническое мастерство, вызывающее эмоциональное воздействие. Прежде, чем человек воспримет послание, или поймет его смысл, он испытывает воздействие технического мастерства.

ТЕХНИЧЕСКОЕ МАСТЕРСТВО состоит из всех больших и малых частей техники, известных опытному живописцу, музыканту, актеру, - деятелю любого жанра. Он имеет эти вещи в качестве основы своего представления. Он знает, что он делает, и как это нужно делать. А затем к этому он добавляет ПОСЛАНИЕ.

Все старые мастера, прежде чем оказаться в Метрополитен, прошли школу ученичества, отмывая кисти, растирая краски и натягивая холсты на рамки.

Но сколько кистей вам нужно отмыть? Такое количество, которое достаточно, чтобы осознать, что чистая кисть даст чистый цвет. Сколько мундштуков на кларнетах вы должны заменить? Такое количество, чтобы узнать, какой тип даст чистую ноту «си».

За каждым деятелем искусства стоит техника. Вы видите их, что-то нащупывающих, ищущих, отбрасывающих, ошибающихся. За чем они охотятся? За новой краской? Нет, обычно краски соответствуют требуемому качеству.

Иногда вы встретите художника, действительно умеющего рисовать, но зациклившегося на технике, - явное превышение.

Но однажды он говорит: «Вот то техническое мастерство, которое достаточно для оказания эмоционального воздействия». И все. Теперь он МОЖЕТ. И отныне он посвящает себя ПОСЛАНИЮ.

Если вы перепутаете эти вещи или поменяете их местами, у произведения искусства не будет шанса быть хорошим. Если вы бросаете послание публике, не обеспечив несущей волны (технического мастерства), то вы разрушаете первый стандарт большинства зрителей.

Хитрость в том, чтоб стать мастером в технике, сохранив при этом свой пыл. И вы станете создавать шедевры, как каскад молний. Кажется, все великие мастера владели этим. И когда они осваивали новые тропинки в искусстве, они сначала совершенствовали технику, а затем создавали великие произведения.

Это замечательная мысль по поводу мастерства. Вы знаете, что некоторые деятели искусства действуют только на базе идеи, что «техническое мастерство адекватно эмоциональному воздействию», не передавая никакого послания? Они могут и не подозревать об этом. Но это так.

Достаточное техническое мастерство необходимо, так как само по себе является искусством. Это никогда не бывает великим искусством. Но оно производит эмоциональное воздействие одним своим качеством.

Насколько высоким должно быть мастерство? Не очень высоким. Просто АДЕКВАТНЫМ.

А что значит адекватным? Известны случаи, когда рассказ критиковали только за опечатки и печатали неумелого автора, в рассказе которого страница за страницей ничего не происходит, и никто не появляется. Известны музыкальные произведения, которые определяли слабыми и скучными, потому что исполнитель фальшивил или неверно брал аккорды. Известен случай, когда хорошему актеру было отказано в роли только потому, что он не знал, куда деть руки во время своего искрометного исполнения Барда на сцене.

Любой вид искусства требует определенного мастерства. Когда оно в основном присутствует, - волшебство! Почти каждый будет смотреть и говорить «Ах!». Одно только качество оказывает эмоциональное воздействие. Будь это кубизм, или диссонанс, или белый стих, - не имеет большого значения. Если мастерство адекватно, то оно оказывает эмоциональное воздействие, независимо от того, в какой форме искусства оно себя выражает.

ПОСЛАНИЕ – это то, что публика думает, что она видит или слышит. Значимость игры, вздымающиеся волны звуков в симфонии, или грохот современной поп-группы, – это то, что публика думает, что она воспринимает, то, что она обычно будет описывать, или то, что, как она думает, восхищает ее. Если это приходит на волне мастерства, которое само по себе способно вызвать эмоциональный отклик, они будут думать, что это великолепно. И это будет великолепно.

О деятелях искусства думают, что они возносятся на какие-то особые небеса, где все чисто, не надо потеть, а они с полузакрытыми глазами впитывают вдохновение. Что ж, может иногда так и бывает. Но все, кого видел я, были или испачканы чернилами, или с мокрым от пота полотенцем на лбу, или с аэрозолем для горла в руках, чтоб снять напряжение с голосовых связок после того, как он двадцать два раза подряд прочитал свою роль, обращаясь к стенке или к коту. Это относится к лучшим из них. Остальные бездельничают, надеются на авось и обсуждают продюсера или владельца художественной мастерской, которые к ним несправедливы.

Великие деятели искусства всегда работали, чтоб достичь необходимого технического совершенства. И когда достигали, они знали об этом. Почему они знали? Потому что то, что они делали, было технически правильно.

Жизнь сама по себе есть искусство. Человек моделирует ее. Случайно ничего не происходит. Мужчина должен знать, как постирать свою сорочку, девушка – какую косметику использовать, а также то, что слишком много конфет может испортить фигуру и поджелудочную железу.

Некоторые люди сами по себе являются произведением искусства, потому что они довели до совершенства маленькие практические навыки жизни, придающие им качество, достаточное для того, чтобы производить эмоциональное воздействие на окружающих еще до того, как люди узнают их имя и род занятий.

Даже борода или мешковатые штаны требуют определенного искусства, если их предназначение - произвести эмоциональное воздействие.

Некоторые вещи производят незаметное отрицательное эмоциональное воздействие. Вы можете вспомнить много таких примеров, как, например, неубранная комната. Следовательно, если мыслить от противного, может существовать противоположное мастерство, способное произвести желаемое отрицательное эмоциональное воздействие.

Это все о том, насколько хорошим должно быть произведение искусства. Как только исполнитель достигает технического мастерства в этой форме искусства, он может выразить ПОСЛАНИЕ.

ПОКА НЕ ДОСТИГНУТ ПРОФЕССИОНАЛИЗМ, ПОСЛАНИЕ ПЕРЕДАТЬ НЕВОЗМОЖНО.

Многие деятели искусства тратят слишком много сил, добиваясь гораздо более высокого качества, чем это необходимо для создания эмоционального воздействия. И много больше таких, кто как из пулемета обстреливает мир посланиями, не обладая каким-либо мастерством, создающим жизненно важную несущую волну для них.

Так насколько хорошим должно быть произведение искусства?

Раздел 3. ИСКУССТВО И ОБЩЕНИЕ

Когда работа в живописи, музыке или другой форме искусства достигает двухстороннего общения, она действительно является искусством.

Вам, видимо, приходилось слышать критику, основанную на том, что работа в искусстве слишком «буквальна» или слишком «обобщенна». Но вам редко приходилось слышать, если вообще приходилось, какую-либо дефиницию слова «буквальный» или слова «обобщенный». И многие деятели искусства, протестуя против такой критики, застревают на этом. Многие авангардные школы, наткнувшись на этот утес, обходят любые «буквально» и любые «обобщенно», а в действительности полностью уходят от общения.

Обратным потоком от человека, который смотрит работу, мог бы быть ВКЛАД в нее. Настоящее искусство всегда вызывает вклад от тех, кто смотрит, слушает или переживает это. Под ВКЛАДОМ мы понимаем «добавление к этому».

Иллюстрация является «буквальной» в том, что она передает все, что нужно знать. Скажем, иллюстрация – это картинка, на которой тигр бросается на закованную в цепи девушку. В действительности дело не в том, насколько хорошо выполнена картинка. Она остается иллюстрацией, и она буквальна. Но давайте возьмем маленькую часть этой сцены и увеличим ее. Возьмем, скажем, голову тигра с его красивыми глазами, его хищным оскалом. Внезапно мы ощущаем, что перед нами больше не иллюстрация. Она больше не «буквальна». А причина в том, что зритель может добавить свое отношение, свои собственные концепты, идеи, переживания, он может додумать, почему тигр скалится, он может сравнить его голову с кем-то, кого он знает. Короче, он может СДЕЛАТЬ ВКЛАД к этой голове.

Мастерство, с которым эта голова выполнена, определяет степень отклика. Это является искусством, поскольку зритель может сделать вклад в картину.

В музыке слушатель может сделать вклад своими собственными эмоциями или движениями. Если даже эта музыка – просто барабанный бой, но она вызывает вклад в виде эмоций или движений, это настоящее искусство.

ТА РАБОТА, КОТОРАЯ ПРЕДОСТАВЛЯЕТ ВСЕ, А НЕ ВОЗВРАЩАЕТ НИЧЕГО, НЕ ЯВЛЯЕТСЯ ИСКУССТВОМ.

Избитая или заурядная мелодия, привычный вид или форма получают очень мало или вовсе не получают вклада от слушателя или зрителя.

Кстати, могут спросить, является ли фотография искусством, об этом идет спор около столетия. Могут сказать, что это трудно решить, так как требуется установить, каков вклад фотографа в «реальность» или «буквальность» того, что перед его камерой, как он интерпретировал это. Но вопрос только в том, вызвал ли фотограф вклад от своих зрителей. Если да, то это искусство.

Новизна играет большую роль во всех работах, которые могут стать искусством. Но даже здесь можно перестараться. Оригинальность может быть превышена до степени, когда это становится вне пределов понимания зрителей или слушателей. Можно стать настолько оригинальным, что оказаться за самой дальней границей соглашения со зрителями или слушателями. Это происходит порой, когда человек считает, что он не должен затрачивать труд, необходимый для исполнения работы. Он находит этому различные оправдания, наибольшая ошибка – это «самосоглашение» исполнителя. Нельзя утверждать, что это искусство, если даже это вполне правильно в соглашении с собой, но при этом не вступает в общение с кем-либо еще, и никакое общение с другими невозможно.

Третий поток, когда люди разговаривают друг с другом по поводу представленной работы, может быть также определен как общение, и, когда это случается, это ценный вклад, поскольку это делает работу известной.

Разрушительное отношение к произведению искусства можно определить, как отказ делать вклад. Слишком причудливые работы шокируют до такой степени, что могут вызвать протест и снискать себе дурную славу, как искусство.

Можно рассмотреть случай, когда мнения по поводу работы разделяются. Некоторые делают вклад в нее, некоторые отказываются. В этом случае нужно провести анализ, кто делает и кто отказывается. Можно сказать, что эта работа является искусством для тех, кто делает вклад, и не является таковым для тех, кто отказывает в этом.

Критика есть некоторый показатель степени вклада. Грубо говоря, существует два типа критики: «обесценивающая» и «конструктивная». Обесценивающая критика слишком уж превалирует в искусстве, для нее существуют такие вещи, как «индивидуальный вкус», «современные стандарты» и, к несчастью, даже зависть или ревность. Очень часто критичность – это просто индивидуальный отказ делать вклад. Можно даже утверждать, что ТЕ, КТО НЕКОНСТРУКТИВНО КРИТИКУЮТ, САМИ НЕ МОГУТ ДЕЛАТЬ.

«Конструктивная критика» - это термин, который часто используется, но ему редко дается определение. Видимо, это лучше всего определить как критику, которая УКАЗЫВАЕТ, КАК ДЕЛАТЬ. По крайней мере, по мнению критиков. Те, кто просто ищут ошибки, никогда не предлагая практических средств сделать это лучше, должны быть лишены права на критику.

Наверное, искусство является наименее систематизированной и наименее организованной из всех областей жизни. Поэтому оно привлекает к себе самые большие «авторитеты». От «авторитетов» ничего не требуется, кроме как сказать, что правильно, что неправильно, что хорошо, а что плохо, что приемлемо, а что неприемлемо. Очень часто единственной квалификацией «авторитета» (по причине слабого обучения в некоторых областях) является запоминание перечня объектов, их создателей и дат со смутным представлением о самой работе.

«Авторитеты» могли бы значительно повысить свой статус путем использования точных определений своих терминов. Новейшая тенденция ПОИСКА ЗНАЧИМОСТЕЙ в том, что деятель искусства имел в виду, по-видимому, не слишком способствует улучшению искусства.

Работоспособным методом является рассмотрение и испытание искусства на основе того, какой вклад в него вносит деятель искусства, и что в это вносят другие. И это могло бы дать результаты в улучшении искусства и в улучшении оценки. Интересно, что такая точка зрения вносит в область искусства некоторые вещи, прежде не замеченные.

Раздел 4. СУТЬ ИСКУССТВА.

Отдельные области искусства имеют свои собственные основные правила. Сюда относятся: писательство, рисование, освещение, работу с камерой, с костюмами, изучение спроса, ведение документации, ремонтные работы – каждый участвующий сектор до конечного продукта искусства. Каждая из этих областей имеет свои основные правила, которые этой областью управляют. Они содержатся в учебниках по этим предметам. Это СТАБИЛЬНЫЕ ДАННЫЕ - главные данные в каждой специализированной области.

Мы следуем правилам, так как правила обеспечивают отдачу. Мы не следуем правилам, которым мы не обучены. Мы следуем правилам, чтобы получить продукт. Это эффективно и производит то, что мы хотим произвести, так как правила содержат все, что нужно сделать, чтобы получить ценный конечный продукт.

Любой может превратить работу в любительский хлам. Кто посмотрит на это? Кто мог бы это смотреть, если бы даже это было оплачено?

Дистанцию между любительским хламом и эффективным продуктом создает знание и следование основным правилам, которые используются профессионально. Когда вы добавляете к этому умелое владение материалом и оборудованием плюс некоторый опыт, вы получаете профессионала.

Будьте профессионалом в любом деле, которым вы занимаетесь, остальное сделает воздействие продукта на мнения и намерения публики.

Таким образом, какова бы ни была ваша специализация, вы должны выбрать главные СТАБИЛЬНЫЕ ДАННЫЕ – правила – и вызубрить их так, чтоб вы не думали о них, а думали ими.

Вы когда-нибудь задумывались о том, что каждая специализация имеет всего лишь одну-две дюжины правил?

Большинство людей, имеющих дело с правилами, считают их равнозначными: А=А=А. А между тем некоторые из этих «А» имеют в 1000 раз большую важность, чем другие. Если вы знаете это, и можете рассортировать их, у вас есть шанс стать профессионалом. А если вы рассортировали их, если вы можете ими думать и имеете ловкость рук в обращении с материалами и оборудованием, то любой профессионал в вашей области узнает в вас профессионала. Но гораздо более важно, что ваша специализация при этом начнет общаться.

Если вы не согласны с этим, вы будете вне общения с вашей специализацией, и не только со специализацией, но и с каждым зрителем, включая детей, независимо от того, знают ли они правила.

Будьте профессионалом во всем, что вы делаете.

Раздел 5. ПРОФЕССИОНАЛИЗМ

Профессионал – это тот, кто производит продукт высокого качества. Профессионалы – это не обычная публика. Когда профессионал смотрит на вещи, он ищет, что в них хорошего и пренебрегает слабыми вещами низкого уровня. Причина, по которой он делает это, в том, что у него есть ИДЕАЛЬНАЯ КАРТИНА. Не имея идеальной картины, он бы действовал вне технических данных, производил низкопробный продукт и не являлся бы профессионалом. Без идеальной картины невозможно предвидение результата.

Рассматривая вещи, в которых достигнута идеальная картина, настоящий профессионал представит, как это сделано, а когда встретится с похожими задачами, то сможет привнести в свою работу то, что достигнуто в идеальной картине.

Другая вещь, которая выделяет профессионала в аудитории – это то, что профессионал думает только в рамках получения настоящего продукта. Ему никогда не придет в голову, что он здесь на прогулке, или что достаточно быть «экспертом». Человек из публики не имеет ни малейшего представления о продукте.

Профессионал знает правила игры как вещь, которую он может постичь, чтобы достигнуть более высокой квалификации, более высокого уровня в искусстве.

Это относится к писателю, директору, актеру, фотографу, гримеру, гардеробщику, продюсеру, художнику – любому профессионалу. Не имея такой точки зрения, он не сможет аккумулировать идеальные картины. А как тогда он сможет создать что-либо хорошее? Он не будет иметь в памяти библиотеки, с которой мог бы сравнивать свою собственную продукцию.

Когда человек смотрит на все с точки зрения просто «нравится – не нравится» - он просто публика и находится по другую сторону рампы.

Будьте профессионалом.

Раздел 6. ПРЕЗЕНТАЦИЯ ИСКУССТВА.

Мы живем в мире машин. Вся болтовня по телевизору и в газетах направлена на сокращение усилия. Кажется, что цель цивилизации, в которой мы живем, - сократить все личное усилие до нуля. Но, чем меньшее усилие может производить существо, тем большим следствием усилия оно становится. Современный тренд «неделания» сопровождается трендом увеличения процента безумных в обществе. Чем глупее человек, тем меньше он производит или делает.

Таким образом, мы живем в обществе, которое ведет человека к безумию.

Но, что более характерно, мы страдаем от продолжительного соблазна «делать это более легким способом», «делать это таким способом, который требует наименьших усилий».

Мы видим это в производстве: самый легкий путь – это самый дешевый и выгодный. Так мы приходим к «деланию легким способом».

Хорошо, это может быть применимо к деланию ложек для профессионалов, но это не применимо к профессионалам.

Весь мир искусства прямо противоположен философии бизнесменов или производителей. Искусство стремится производить эффект, что не всегда создается легким путем. В самом деле, лучшие примеры трудно достижимы.

Человек может настолько уйти в создание легких эффектов, что полностью провалится. Например, на завершение окружной ярмарки представили дюжину тортов. Тот, что победил, не был самым легким в производстве. Правда, повар, который изготовил победивший торт, мог иметь легкие способы приготовления быстрых тортов. Но он применил несколько больше старания, чтобы сделать все правильно.

Нет ни волшебства, ни везения, которое делает профессионалов. Это трудная победа путем старательного применения ноу-хау.

По-видимому, настоящий профессионал может делать вещи очень легко, но, в действительности, он заботится о мельчайших деталях, которые делает правильно.

Победитель делает это инстинктивно. Отстающий редко может даже ухватить смысл выражения «делать правильно».

Презентации искусства всегда успешны в той степени, в какой они сделаны хорошо. Насколько они сделаны легко – это полностью вторично.

В мире презентаций ведущий использует воображение и прилагает необходимую заботу, чтоб сделать хорошую работу.

В мире бизнеса производитель первым делом заботится о том, «как мы можем сделать это легко».

Эти две философии сталкиваются.

Реклама, лидеры страны, социалисты учат нас ежедневно, что ДЕЛАТЬ ЧТО-ТО С НАИМЕНЬШИМИ УСИЛИЯМИ - это величайшая цель в жизни. Делайте наименьшую работу за наибольшую оплату. Покупайте машины-автоматы, которые изжуют больше белья за наименьшее время. Используйте кровельную бумагу, которая очень быстро монтируется и не пропускает ни капли дождя. Голосуйте за Джимми Х., который сделает так, чтоб весь мир ел, не работая. Не делайте ничего сами, спихивайте это на Смешанную Бухгалтерскую Компанию (или на человека за следующим столом).

То, что это все ведет к тотальной зависимости от приспособлений, тотальному порабощению сотворенными экономическими головоломками, даже к полному порабощению Комиссаром Круштодом в следующем поколении, полностью пренебрегается. Не учитывают даже того, что менее, чем два столетия назад мы жили вполне хорошо, строили прочнее и были значительно разумнее без всех этих добавлений, приспособлений и комиссаров.

Человек позволил себе вымирание. И это все под лозунгом «Не напрягайся».

Это пришло в такое гадкое состояние, что люди отвернулись от всей ответственности за состояние, за своих друзей, за все и вся. «Ничто не должно делать ничего ни с чем» - такую эпитафию никто не потрудился написать на надгробном камне этой цивилизации.

Это не выпад против автоматизации или приспособлений, или самостерилизующихся котов.

Используйте все приспособления, к каким вы можете приложить свои руки, если они действительно делают работу в ваших руках, но не тратьте все ваше время на зарабатывание их стоимости или исправление их ошибок. Нет, моя мысль только вот в чем: поддерживайте ваш уровень действий выше уровня ваших механизмов.

Поддерживайте уровень автоматизации, но пусть она работает на вас. Не лишайте себя избирательного права, отказываясь от всякой работы в пользу машин или рабочих.

Если вы получаете оборудование, то делайте одну из двух вещей:

а) используйте его, чтоб увеличить ваше производство и эффект, или

б) избавляйтесь от него.

Но, подготавливая презентацию чего-либо и обдумывая способы, как это сделать, уясните себе раз и навсегда: лучший путь не всегда самый легкий. Лучший путь – это наиболее эффективный путь.

Продумайте сначала, какой эффект вы пытаетесь произвести. Затем, когда вы все это описали, только тогда определяйте самый легкий путь добиться этого. И никогда не принимайте более легкий путь, если он менее эффективен.

И в тот день, когда вы забудете об эффекте, который вы собирались произвести, вы станете немного старее, немного слабее, немного менее разумным.

Итак, не покупайтесь на легкий путь. Выбирайте эффективный путь. Если потом вы сумеете сделать некоторые из его шагов более легкими – хорошо. Если нет, сделайте их по трудному пути.

И только если вы осознаете это, вы сможете избежать гигантской ловушки общества с массовой целью - «ничто не должно делаться ничем, кроме машин или кого-нибудь еще».

Раздел 7 КАК СМОТРЕТЬ ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУССТВА.

Существует способность, в которой нуждаются все вовлеченные в сферу искусства, включая писателей, музыкантов, художников, редакторов, рабочих сцены и так далее – одним словом, все.

Это врожденная способность или приобретенное мастерство - увидеть какую-то часть работы каждый раз заново в новую единицу времени. Человек должен быть способен отмести все прошлые суждения относительно любой части работы, которая была изменена или над которой работает, и увидеть или услышать ее в новейшую единицу времени так, как будто раньше никогда о ней не слышал. Это позволяет ему увидеть или услышать именно то, что перед ним, а не свои прошлые оценки, касающиеся этого.

Это умение состоит единственно в способности увидеть или услышать в новую единицу времени так, будто человек впервые столкнулся с этим. Только так можно в точности ухватить то, что перед вами. Если не делать этого, то человек будет видеть и слышать частично то, что осталось у него в памяти от прошлого прослушивания или просмотра, и это смешает его прошлое и настоящее восприятие.

Если человек имеет эту способность, то он дорастет до звездных высот. Но если он не считается с этим, то, скорее всего, он завершит полным провалом.

Некоторые художники, например, переделывают, переделывают, переделывают, нанося слои краски в несколько сантиметров, в то время как, вероятно, многие из этих переделок были вполне приемлемыми. Но они продолжают попытки корректировать первое впечатление.

У некоторых художников или иллюстраторов есть даже хитрость для этого. Они смотрят на свой рисунок через зеркало. Поскольку они видят перевернутое изображение, они могут взглянуть на рисунок по-новому.

Есть и другая хитрость – посмотреть через уменьшительное стекло (с другой стороны телескопа), сокращая рисунок до размера печатной страницы - размера презентации. Надо сказать, что это действительно заметно меняет впечатление от картины. Но в то же время, если увеличить маленький рисунок, который не очень смотрится маленьким, то в увеличенном виде он будет выглядеть ужасно. Но это эффект изменения формата, а не взгляд на вещь в новый момент времени.

СПОСОБНОСТЬ ПОСМОТРЕТЬ НА ЧТО-НИБУДЬ В НОВЫЙ МОМЕНТ ВРЕМЕНИ ЖИЗНЕННО НЕОБХОДИМА.

Если кто-то, занимаясь искусством, не приобрел этой способности, он никогда не определяет уверенно момент, когда он приходит в пункт завершения. И очень часто он продолжает отрицательно думать о работе, когда она уже не заслуживает этого.

ПУБЛИКА

Существует и другая способность, касающаяся просмотра и прослушивания. Это способность принять точку зрения публики, для которой предназначалась работа.

Существуют направления в обучении деятелей искусства, которые делают упор на «самоудовлетворение» как высшую возможную цель для всех, кто связан с любой работой в области искусства. Это верно, человек испытывает определенное самоудовлетворение, создавая хорошую работу в искусстве. Но заявление, что человек работает в этой области для своего собственного удовлетворения – это преувеличение личности до такой степени, что значение работы художника или технического специалиста становится мизерным. Это чистейшая чушь, которая является жалким извинением перед теми, чьи работы не имеют успеха: «вы же работали для собственного удовлетворения».

Это ложное данное может запутать деятелей искусства и технических работников, которые могли бы быть успешными. Разблокировать это ложное данное и сделать работника искусства успешным может только одна вещь – испытание публикой.

Поэтому жизненно важно для каждого, работающего в области искусства, быть способным принять точку зрения публики. Нужно уметь видеть или слышать любое произведение, в котором вы как-то участвовали, с точки зрения публики.

Каждый, конечно, может и даже должен иметь собственную точку зрения на произведение. Но он должен быть способен переключаться и видеть или слышать его с точки зрения публики.

С этим связано несколько хитростей. Одна из них – держать уши открытыми для «закулисных комментариев». После исполнения или просмотра какой-либо работы, кинофильма, концерта или чего-либо еще (не обязательно собственного) нужно смешаться с теми, кто был на представлении, и послушать, что говорят. Это не является жизненно необходимым, это просто реальный способ получить точку зрения публики, которую даже никогда не видел. Просто так делают.

Инженер по ремонту оборудования часто добавляет это к будущей пробе, но это потому, что его дорогостоящее оборудование высшего качества – это не то, что публика собирается слушать. Так что он берет дешевый тайваньский кассетный плэйер или трехпрограммный радиоприемник в местном ларьке и прослушивает программу через него, корректируя по ходу дела то, что требуется. Это дает ему представление о том, что в действительности слушает публика. Но это, главным образом, технические вещи, так как отличные приемники или наушники способны сами устранить некоторые погрешности, а дешевые приемники подчеркивают их. Когда он получает эти вещи, он может отрегулировать их так, что это будет отлично звучать даже через дешевый приемник. Это пример технических средств получения точки зрения публики.

Суть дела в том, что инженер по оборудованию существует не для того, чтоб ремонтировать неисправности оборудования, а для его регулировки с целью достижения максимального качества предоставения для публики. А для того, чтоб обеспечить это, он должен знать точку зрения публики.

Таким образом, во всех видах искусства необходимо быть способным переключать свою точку зрения на точку зрения зрителя или слушателя. И это может относиться к разным видам искусства.

ВЫВОДЫ

Наличие этих двух качеств действительно отличает профессионалов от любителей и глупых болтунов. Человек должен быть способен увидеть или услышать то, над чем он работал, каждый раз заново в новую единицу времени. И он должен быть способен увидеть или услышать свое произведение с точки зрения случайной аудитории.

Другими словами, отличный профессионал должен скользить во времени, не застревая.

Раздел 8. ПОСЛАНИЕ

Успешная работа в искусстве имеет послание. Оно может быть эмоциональным, концептуальным или буквальным, даже подразумеваемым, предлагающим или утверждающим. Но послание должно быть. Это применимо к любым формам искусства: живописи, скульптуре, поэзии, прозе, музыке, архитектуре, фотографии, кинофильму – к любой форме искусства или связанной с искусством, даже к приключенческим брошюрам и витринным композициям.

Искусство существует для потребителя. Если потребитель понимает его, то он его любит. Если это приводит его к замешательству, то потребитель может игнорировать и даже испытывать отвращение к этому произведению.

Недостаточно того, чтоб его понимал создатель произведения, его должен понять потребитель.

При создании успешной работы в искусстве используется много элементов и много мастерства. Однако доминирующим является ПОСЛАНИЕ, которое все это объединяет в единое целое, делает произведение понимаемым и вызывает расположение тех, для кого это создается.

ПОСЛАНИЕ – это фундамент понимания произведения, а понимание создает согласие с ним, хорошее отношение, желание получать через него общение и новые идеи.

Раздел 9. СОЗДАНИЕ ГОВОРЯЩЕГО ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУССТВА.

Прежде, чем говорить о том, как создать произведение искусства, которое будет общаться со зрителем или слушателем, давайте договоримся о значении слов.

ПОСЛАНИЕ – это мысль, идея, или эмоциональный настрой, который создатель произведения хочет передать зрителю или слушателю.

МОНТАЖ – это серия кадров в одном послании.

КАДР – это быстрый проблеск чего-то, что удерживает форму и представляет скелет создания, в противоположность понятию СЦЕНЫ или КАРТИНЫ. Отдельные кадры в монтаже сами по себе, индивидуально имеют малое значение, но, соединенные вместе, они передают отдельное послание.

СЦЕНА – это картина, содержащая свое собственное послание. Кадр не содержит своего собственного послания и ничего не передает, если он не связан с другими кадрами или сценами.

ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНОСТЬ – это серия сцен, связанных местоположением или общей темой. В фильмах или фото-историях это аналогично главам в книгах.

ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНОСТЬ ДЕЙСТВИЙ – это прерывание одного и возникновение другого быстрого движения, которое никогда не может быть достигнуто монтажом, поскольку каждая картина здесь является сценой и содержит свое собственное послание.

Путая ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНОСТЬ ДЕЙСТВИЙ с МОНТАЖОМ или КАДР монтажа со СЦЕНОЙ, вы не получите большой реакции публики, а в этом, в конце концов, суть игры. Делать что-то для самоудовлетворения – это для профессоров, которые ничего не могут.

Итак, чтобы сделать монтаж, кинокадр или любую другую работу в искусстве, которая может что-то передать, необходимо:

1.Представить, в чем состоит ваше послание.

2.Принять решение передать его.

3.Приложить к нему другие вещи или организовать их так, чтобы они способствовали передаче послания.

4.Исключить или изъять все, что не способствует передаче послания.

Все это идет под заголовком ИНТЕГРАЦИЯ, которая состоит в объединении похожего.

Если вы пытаетесь соединить полностью непохожее и не соединяемое, то вы не получите интеграции и не получите искусства. Вы получите хаос.

Принцип интеграции применим ко всем видам редактирования и композиции во всех областях.

Указанные выше пункты 1, 2, 3, 4 – это формула, которая помогает получить чистое, эстетическое общение в искусстве.

Раздел 10. ИСКУССТВО И ИНТЕГРАЦИЯ.

Искусство является результатом интеграции всех его компонентов. Можно добавить, что результат этот зависит также от вклада зрителя или слушателя.

Это очень загадочно.

Под КОМПОНЕНТАМИ мы понимаем все части, которые составляют целое. В рисунке или в живописи, в производстве рекламы или дизайна это может включать такие вещи, как действительный объект, который должен быть показан, краски, гармонию и глубину цвета, глубину перспективы, геометрический дизайн и общее настроение, стиль печати и используемых форм. Здесь могут быть также и другие компоненты.

Компоненты, которые используются в работе, зависят от формы искусства. В музыке, например, важным вопросом в интеграции является то, что мелодия должна соответствовать ритму, а тональность инструментовки должна соответствовать настроению. В противном случае вы не получите интеграции в музыке.

Компоненты выбираются исключительно по признаку сочетаемости друг с другом, образуя единое целое. И только поэтому получается нечто желаемое. В противном случае компонент может ощущаться как заноза в пальце.

ДИЗАЙН в искусстве хорош настолько, насколько добивается гармонии компонентов. Когда компоненты конфликтуют, то это происходит потому, что они не имеют ничего общего (кроме тех случаев, когда они специально противопоставляются, то есть, предназначены вскрыть конфликт). Например, в модели Форд 1960 года нарушена интеграция, так как здесь есть не сочетающиеся элементы. Красиво и упорядоченно расположенные кубы не сочетаются с ломаным стеклом.

В искусстве необходимо достигать хорошей интеграции, а не сочетающиеся вещи использовать только с целью противопоставления, чтобы подчеркнуть интеграцию остальных компонентов.

ПОСЛАНИЕ

Целью искусства является передача подразумеваемого ПОСЛАНИЯ. Послание – это то, что вы хотите, чтобы кто-то думал по поводу чего-то. Это не описание каких-то вещей. Это то, что передает значимости. Посланием может быть чувство, ощущение, желание, отвращение – практически все, о чем можно подумать. Здесь доминирует идея. Техники существуют, чтобы продвигать идею, давать ей энергию и силу.

Таким образом, выбор компонентов, которые способны интегрироваться, делается для того, чтобы продвигать и помогать посланию. А через выбор и организацию таких компонентов, которые могут интегрироваться, мы приходим к композиции.

Но! Послание должно появиться ДО композиции.

Сама по себе композиция не является отдельным предметом. Это просто приведение к единству всех составляющих.

КОМПОЗИЦИЯ

слово композиция неверно определено в большинстве словарей в том смысле, что обычно определяется как вещь в себе. Но композиция не может существовать независимо от послания. Поэтому я нашел исчерпывающее определение:

КОМПОЗИЦИЯ- это любые и все действия, применяемые для интеграции компонентов, необходимых для выражения смысла послания.

На основе этого определения я в дальнейшем получил лучшую возможность регулировать это, чем предлагают многие учебники с их определением роли композиции. Есть среди них и ценные мысли, но большинство ложны и ведут к заблуждению. У меня есть то «почему», на основе которого можно строить композицию надлежащим образом, что позволяет создать интегрированную, а не дисперсную сцену или картину. Это то «почему», на основе которого можно использовать гармонию цвета, геометрический дизайн, линию настроения, центр интереса и другие подобные инструменты.

Сцена может разрушать сама себя, показывая вещи, которые не кажутся естественными в ней, или представляя позитивное противоречие, которое шокирует или слишком задевает.

Композиция – это просто расположение вещей так, как их могут ожидать, или - для контраста - наоборот, так, как не ожидают, в то же время контролируя и направляя их.

Композиция – это просто объединение таких форм, которые естественны в этом объединении, и которое не представляет и не включает в себя ничего, что не принадлежало бы этому объединению. Это применимо к объектам (типам), цветовой гармонии, глубине цвета, глубине восприятия и так далее.

ЦЕНТР ИНТЕРЕСА

В любой сцене или дизайне есть ЦЕНТР ИНТЕРЕСА, который очень близко связан с посланием. Если у вас нет никакого послания, то не получится никакой композиции. Композиция неизменно связана с посланием. Если нет послания, пользуются избитой композицией. Иногда пытаются передать два послания. Это называется РАСЩЕПЛЕНИЕМ ИНТЕРЕСА и является ДИСПЕРСИЕЙ, а не интеграцией. Это не значит, что нельзя иметь два пункта интереса, но если они есть, их надо интегрировать. Если вы расщепляете интерес, не интегрируя два пункта интереса, то результатом будет отсутствие послания.

ОБЪЕКТЫ

Выбор объектов очень важен для интеграции. Тип или типы объектов, выбранных для сцены, должны сочетаться. Например, человек работает с морской тематикой, но не учитывает специфику исторического периода или опыта. Декор разных периодов нельзя смешивать. Если это парусное судно периода 1802 – 1840 годов, необходимо выбирать объекты из этого периода. Такая вещь, например, как носовое украшение корабля, должна соответствовать романтическому стилю. Таким же сделайте капитанское кресло. Наличие в этой сцене портрета королевы Марии 1930 года не будет сочетаться с остальным. Если эта сцена интегрирована, то все в ней соответствует парусному судну 1802 –1840 годов.

ГЕОМЕТРИЧЕСКИЙ ДИЗАЙН

Дизайн берет свои геометрические формы от доминирующего объекта, который вы включаете в вашу сцену.

Геометрический дизайн имеет дело с согласованностью, что также связано с интеграцией. Те вещи, геометрический дизайн которых не согласован с остальными, выглядят инородными, не принадлежащими этой сцене.

Вот пример основной ошибки дизайна. Человек мог сделать ошибку, расположив круги на прямоугольнике, а затем умножил ее, используя прямоугольную надпись. Различные типы шрифтов на разных уровнях, не параллельно, вызывают замешательство. В геометрическом дизайне может быть недостаток интеграции, если его формы в действительности не сочетаются. Ошибки в дизайне могут происходить из-за несоблюдения параллельности линий.

Художник может знать, о чем идет речь и что ожидается, но он стремится что-то передать публике. И когда у него нет интеграции в дизайне – окружности перемешаны с треугольниками, прямоугольниками и сферами, к тому же использованы различные типы шрифтов, непараллельные линии, - его геометрический дизайн запутан. А результат этого – замешательство публики.

Классический дизайн предполагает геометрические образцы, связанные с похожими геометрическими образцами – окружности с окружностями, квадраты с квадратами и т.д., каждый из которых, может быть противопоставлен другим геометрическим формам. Другие геометрические формы – это треугольники, овалы, прямоугольники, горизонтальные и вертикальные линии. Согласованность выбранных геометрических форм, повторяющихся в других вариантах, является основой классического дизайна.

Главная идея дизайна – это сделать так, чтоб две вещи вместе выглядели как продолжение одна другой. В этом причина использования геометрического дизайна, а не в том, что используются геометрические формы. Это способствует достижению цели согласования и интеграции. Это то, почему вещи выглядят гладко и красиво или дисгармонично и уродливо. Они либо интегрированы в геометрический дизайн, либо они перемешаны в дизайне со смешанным геометрическим дизайном.

Например, прямоугольник и восьмиугольник не смотрятся вместе. Однако, восьмиугольник и треугольник вместе смотрятся, поскольку восьмиугольник делится на треугольники. Прямоугольники не только не подходят к ним, но не являются даже контрастными. Смысл геометрического дизайна в сочетаемости геометрических форм.

Линия настроения (см. приложение 2) используется здесь как средство передачи эмоций сцены или дизайна. Например, если послание призывает к оптимизму, то линией настроения должен быть оптимизм. Если нет, то следовало бы подобрать и использовать такую линию, которая будет лучше передавать желаемое настроение. Очень важно знать и следовать линиям настроения для интеграции всех составляющих в целое. В декорации даже люди, актеры, являются частью дизайна и, если они не вписываются в тот же геометрический план декорации, то будут выглядеть не принадлежащими этой сцене. Поэтому, если в ваших декорациях использованы треугольники или производные треугольников, то даже костюмы должны выглядеть треугольными или производными от треугольников. Если это не соблюдается, то части декораций и люди не смотрятся, как единое целое, а выглядят разрозненно. Причина того, что геометрические формы костюмов и декораций должны сочетаться, та же самая, благодаря которой вы достигаете гармонии цвета – это интеграция.

ЦВЕТ

Чтобы эффективно применить цвет как средство интеграции, надо знать, как использовать цветовой круг и цветовую гамму в соответствии с таблицей восприятия глубины цвета. Глубина цвета и цветовая гамма должны быть согласованы.

Использование цвета как средства достижения интеграции отдельных частей, подробно раскрыто в 14 главе.

Каждый может и должен поэкспериментировать с этими данными, чтобы достигнуть хорошей осведомленности в использовании цвета и его глубины. Немного поупражнявшись, можно увидеть, например, как один объект можно переместить на расстояние, а другие выдвинуть на передний план, используя только цвет.

Это может помочь, когда прорабатывают дизайн по карандашному эскизу, в котором использованы сочетающиеся геометрические формы. Экспериментируя с различными цветами, можно добиться интеграции в целом.

КАЛЛИГРАФИЯ И ТИПЫ ПЕЧАТИ

При интеграции также рассматривается такая вещь как каллиграфия, или тип печати, или написание вообще, имея в виду и размер шрифта, и его расположение. Несоразмерность шрифтов, используемых в родственных областях, где должно быть единообразие, порождает диссонанс. Если размеры шрифта варьируются на одной странице, то это приводит к замешательству и не способствует интеграции.

Меняющаяся цветовая гамма никак не сочетается с резким модернистским стилем печати. Если шрифт не вписывается в форму искусства, то они не сочетаются. Они не смотрятся как единое целое, и потому не кажутся искусством.

Для того чтобы сочетаться с бегущим цветом, каллиграфия или написание должны соответствовать линиям, которые создают впечатление движения или течения или чего-то подобного. Различные типы цветовых форм требуют различных типов каллиграфии.

Одним словом, в рекламе или других видах дизайна каллиграфия или стиль печати должны вписываться или интегрироваться в используемую форму искусства. А сам по себе стиль печати должен сочетаться с цветом.

Необходимо работать над интеграцией геометрического послания, глубины цвета, центровки текста и самого текста. Необходимо добиваться направленности коммуникации во всех этих областях.

Когда очевидно, что достигнута интеграция всех элементов, и эта композиция способна передать послание, - это и будет финальным пунктом дизайна.

Можно описать дизайн, но это не будет даже грубым планом. Это просто идея. Нужен художник с его эскизами полного дизайна. Без этого невозможно увидеть, достигнута ли интеграция всего, что сюда входит.

Что касается остальных компонентов, которые могут позже войти в окончательный продукт, то это не основной шаг. Нужно просто подумать о том, что они добавят к дизайну.

Сначала нужно сделать черновой план или несколько вариантов, основанных на одной или более идей, и только затем можно будет увидеть, что из этого выйдет. Только после этого можно будет понять, будет ли это работать, то есть, достигнута ли интеграция.

Без этого вы будете стрелять в темноту.

Эти данные применимы ко всем видам дизайна – рекламе, монтажу фильмов, большой живописи, дизайну автомобилей. На этой же основе делается дизайн и в других областях искусства – музыке, литературе и так далее.

Ключом является ИНТЕГРАЦИЯ. Начинайте с послания. Добивайтесь гармонии компонентов, которые будут помогать посланию.Добейтесь интеграции всех компонентов.Таким путем вы достигнете качества общения, которое вызовет вклад зрителей. В этом и состоит искусство.

Раздел 11. РИТМ

РИТМ – это движение любого типа, характеризующееся равномерным чередованием сильных и слабых элементов, это любой поток с равномерно повторяющимся рисунком, приливы и отливы звуков в речи, музыке, чередование элементов письма, танца или любой физической деятельности.

ТАКТ, в основном, определяется как мера, и применяется к системам или образцам измеряемой повторяемости длины, размера музыки или стиха.

ТИПЫ МУЗЫКАЛЬНЫХ РИТМОВ

Существует ШЕСТЬ отчетливых музыкальных ритмов:

ОБЫЧНЫЙ, содержащий одинаково акцентированные (подчеркнутые) элементы.

СИНКОПИРОВАННЫЙ, в котором сильные и слабые удары чередуются с равномерными или неравномерными интервалами.

ЗАДЕРЖАННЫЙ, имеющий размеренные отчетливые остановки потока или мелодии. Но все звуки присутствуют, они просто регулярно через определенные интервалы останавливаются. (Термин пришёл из хореографии, когда в танце чечетка чередуется с остановками).

АКЦЕНТИРОВАННЫЙ, когда один или больше ударов в такте более сильные, акцентированные. Акцент в ритме можно получить за счет объема, продолжительности, силы звука или качества тона (тембра).

ПРОПУЩЕННЫЙ УДАР – регулярный пропуск одного или более ударов в тактах. Счет пропущенных ударов сохраняется, чтобы обеспечить пропуск.

ДОПОЛНИТЕЛЬНЫЙ УДАР – дополнительный сильный или, чаще, слабый удар, добавленный к ритму в согласующейся или не согласующейся манере.

ПРИМЕНЕНИЕ

Все существующие ритмы строятся на этих шести основных. В сложных образцах могут использоваться два или более вышеприведенных типа.

ПОВТОРЕНИЕ

Ритм является ритмом благодаря повторению.

РАППОРТ

РАППОРТ – это родственная связь, взаимное доверие или аффинити. Аудитория в раппорте совсем иная, чем просто аудитория зрителей.

Аудитория в раппорте участвует в большей или меньшей мере в исполнении артиста или в произведении искусства движениями тела или подпеванием.

Это участие достигается следующим образом:

1. Опора на гладкое повторение ритма.

2. Способность предвидеть повторение.

3. Формирование согласия на основе этого надежного предвидения.

4. Позволение публике заполнять пробелы или значимости. Регулярный пропуск ударов или шагов и подробное объяснение публике, как заполнять их и таким образом принимать участие, физическое или духовное.

РИТМ

Вся жизнь - это пульсирующий прилив и отлив движения. Жизнь становится трудной, когда ожидаемый ритм не происходит. Возникает беспокойство. Поэтому участие в предсказуемом ритме произведения искусства становится отдыхом. Это безопасно и действует успокаивающе. Если ритм возбуждающий, это возбуждает. Поэтому участие в предсказуемом ритме - это удовольствие, и даже наслаждение.

ПРИВЛЕЧЕНИЕ ВНИМАНИЯ

Когда внутри отдельной работы меняют ритм, это воспринимается как «ошибка», поскольку человек настроился на определенный ритм, а его предвидение не сбылось. Он ощущает, что он не прав. Если он получает ожидаемый ритм, он ощущает свою правоту.

Новый ритм привлекает внимание. Если он согласован и повторяется, то вызывает участие.

ФОРМЫ ИСКУССТВА

Сказанное выше относится не только к музыке, это применимо к любому виду искусства.

Даже проза имеет ритм. Не все ритмы приятны и приемлемы.

Есть много способов использования этих наблюдений по поводу ритмов. Например, можно начать с нежелаемого ритма, используя протест аудитории, чтобы привлечь внимание, а затем перейти к желаемому.

Жизнь движется сквозь время, а время – это чередование повторений. Некоторые ритмы слишком вялые, чтоб привлечь внимание. Поэтому ритмы, используемые в искусстве, должны замедлять, ускорять иди изменять привычные ритмы обычной жизни, чтобы управлять вниманием.

Ритм может успокаивать, возбуждать, пробуждать в некоторых пределах Шкалы Эмоциональных Тонов (см. приложение).

Ритм, который на 1.0 – 1.5 тона ниже обычного ритма жизни, вызовет депрессию и деградацию аудитории.

Ритм, который на 1.0 – 1.5 тона выше обычного, будет доминировать и вызовет интерес.

Ритм и его выражение являются основным ключом для всех форм искусства.