Вторая главная идея Авангарда II – открытие «нового звука». 8 страница

20 век характеризуется большим разнообразием национальных школ. Некоторые из них впервые достигают международного признания. Венгерский композитор Б. Барток в опере – психологической притче – «Замок герцога Синяя Борода» (1911) оригинально связывает национальный музыкальный язык с новой оперной эстетикой. Американец Дж. Гершвин создал национальную оперу «Порги и Бесс» (1935) на основе афро-американского фольклора и джаза. Поднять английскую оперу на новую высоту удалось Б. Бриттену (1913-1976). Первая его опера − «Питер Граймс» (1945), «Поворот винта» (1954) и «Поругание Лукреции» − камерные оперы, «Сон в летнюю ночь» (1960) − сказочно-романтическая. В 1960-е гг. Бриттен много внимания уделял операм-притчам («Пещное действо» (1966), «Блудный cын» (1968). Последние произведения композитора − телеопера «Оуэн Уингрейв» (1971) и «Смерть в Венеции» (1973) − одно из вершинных оперных достижений композитора. Опера появилась и в Испании − «Короткая жизнь» (1913) и «Балаганчик маэстро Педро» (1923) Мануэля де Фальи.

В музыкальном театре 20 века особую популярность завоевал мюзикл − музыкально-сценическое произведение, в котором используются различные средства эстрадной и бытовой музыки, драматического, хореографического и оперного искусств. Мюзикл много взял от оперетты 19 в. Подобно оперетте, мюзикл также обращается к своей аудитории языком современной эстрадной музыки, но намного больше внимания уделяет пластическим средствам выразительности. Жанр сформировался в США в 1920-30-х гг. и называли их «музыкальными комедиями» (Дж. Гершвин, Дж. Керн, В.Юменс). Расцвет мюзикла наступил в 1940-60-х гг. Среди наиболее популярных постановок можно назвать: Р.Роджерс «Оклахома» (1943), Ф. Лоу «Моя прекрасная леди» (1956), Л. Бернстайн «Вестсайдская история» (1957). Художественные завоевания мюзикла позволили ему оказывать серьезное воздействие на современный музыкальный театр во всем мире. Мюзикл – универсальный жанр, театральная форма, вобравшая в себя все лучшее от шоу в широком смысле этого слова. В конце 20 века возникает новая волна интереса к жанру. В список наиболее известных мюзиклов входят ««Нотр-Дам де Пари» Ришара Коччианте, «Метро» Януш Стоклоса, «Кошки» и «Призрак оперы» Ллойда Уэббера, «Чикаго» Джона Кандера и др. В конце 60-х гг. возник особый жанр − «рок-опера».Это театрализованное представление с сюжетом, действующими лицами, декорациями; музыка пишется и исполняется в рок- стиле. У истоков жанра стояла британская группа «Ху» («Кто»), создавшая рок-оперы «Томми» (1969 г.) и «Квадрофения» (1973 г.). Наиболее выдающееся произведение − рок-опера «Иисус Христос − Супер звезда» (1970 г.) английского композитора Эндрю Ллойда Уэббера.

ОРФ Карл (1895-1982) − немецкий композитор, педагог, драматург и актер. Карл Орф родился в 1895 г. в Мюнхене в семье военных, где очень любили музыку. Первые уроки фортепиано Орфу давала мать. Рано определился главный интерес его жизни − к драматическому театру, в девять лет он уже не только организовывал домашние кукольные представления, но и сам писал для них пьесы с музыкой. В 1913 г. Орф поступил в Академию музыкального искусства, где он занимался композицией и дирижированием. С началом первой мировой войны ему пришлось прервать обучение и начать работать капельмейстером в разных городах Германии. Лишь в 1921 г. Орф возобновил занятия композицией. Для него определяющим весь последующий творческий путь стало открытие мира старинной музыки, он занимается редактированием произведений старых мастеров. В 20-х гг. начинается педагогическая деятельность Орфа. В 1924 г. он основал в Мюнхене школу гимнастики, музыки и танца, в которой работал многие годы, серьезно занимаясь вопросами музыкального воспитания, а также фольклором.

30-е годы − важный этап в творчестве композитора. Все его интересы теперь поглощает театр. Свое собрание сочинений Орф начинает с «Кармина Бурана» − сценической кантаты на стихи литературного памятника 13-го столетия. Следующими произведениями стали оперы «Луна» и «Умница». Вторая сценическая кантата «Песни Катулла» была завершена семь лет спустя. Это история горестной любви римского поэта Катулла к прекрасной Лесбии. Последняя кантата Орфа под итальянским названием «Триумф Афродиты, сценический концерт» (1951), создавалась в качестве финала кантатной трилогии «Триумфы». Результатом педагогической работы композитора явился труд «Шульверк («школьное творчество»). Самым подходящим материалом для занятий с детьми Орф считал народную музыку, он сконструировал даже специальные детские инструменты, главным образом ударные. Его изыскания в этой области были весьма глубокими и ценными и привели к созданию в 1962 г. в Зальцбурге Института Орфа, который стал крупным интернациональным центром подготовки музыкальных воспитателей для детей. У Орфа существует своя музыкально-педагогическая система, с успехом применяющаяся не только в его институте, но и во многих странах мира. Орф скончался 29 марта 1982 года в Мюнхене.

Основные сочинения:

Музыкально-драматические произведения: «Триумфы», театральный триптих (1936-1951); «Кармина Бурана», сценическая кантата (1936); «Песни Катулла», сценические игры (1943), «Триумф Афродиты», сценический концерт (1951). «Луна», одноактная пьеса (1938); «Умница» (История о короле и умной женщине), одноактная пьеса (1942); «Бернауэрин», баварская пьеса (1946); «Хитрецы», одноактная комедия (1947); «Антигона», трагедия (1948); «Царь Эдип», трагедия (1958); «Прометей», трагедия (1966); «Мистерия о конце времени», ночное бдение (1972). Кантаты: «Возведение башни» (1920); хоры. Педагогические труды: «Шульверк Орфа − начальное музыкальное воспитание» (1930), «Шульверк. Музыка для детей» (1950-1954); произведения для детского музицирования.

Пендерецкий Кшиштоф (род.1933) − польский композитор и дирижер. Родился в Дембице, после окончания Государственной высшей музыкальной школы в Кракове стал профессором полифонии и композиции, позже преподавал те же дисциплины в Германии и США. Пендерецкий − один из лидеров музыкального авангарда. Международная известность пришла к нему в 1960 г., когда был исполнен «Плач по жертвам Хиросимы», где использованы средства сонористики. За «Плачем» последовала «Полиморфия», основанная на энцефалограммах больных людей, сделанных во время прослушивания ими «Плача». В своих сочинениях он успешно соединяет новейшие приёмы композиторской техники с глубоким духовным содержанием музыки, обращаясь при этом к традиционным жанрам и формам церковного музицирования. Примеры тому − «Страсти по Луке» (1965), «Утреня» на православные тексты на церковнославянском языке(1971), оратория «Магнификат» (1974) и «Польский реквием» (1983). Оперы Пендерецкого привлекли внимание театров разных стран («Дьяволы из Лудена» (1969), «Потерянный рай»(1978), «Король Убу».(1991). В конце 70 -х годов композитор обратился к неоромантизму.

Постмодернизм (от лат. post – «после» и «модернизм») − широкое культурное течение 60-90-х годов, противопоставившее себя модернизму и связанное с радикальной переоценкой ценностей. Постмодернизм явился художественной реакцией на крайности авангардизма. «Война с традицией» – ключевая идея авангарда – сменились сосуществованием с ценностями прошлого. Искусство постмодернизма провозгласило лозунг «открытого искусства», которое свободно взаимодействует со всеми старыми и новыми стилями. Провозгласив идею возвращения искусства в рамки искусства, постмодернизм вместе с тем в поисках средств художественного языка открыто ориентируется на обыденные вкусы, взгляды и настроения массового сознания. Постмодернистское искусство «мозаично», оно соединяет «высокое» и «низкое», традиции классического искусства и массовую культуру, выдвигает стилевое многообразие, мышление в форме игры, диалога разных ценностей культуры. В музыке одно из самых ярких проявлений постмодернизма стали тенденции «полистилистики»: совмещение разнообразных современных композиторских техник, цитирование, аллюзии (стилистические намеки, игра в стиль) и т.д.

Пуантилизм (в переводе «точка») − техника «точечной» организации музыкальной ткани в творчестве композиторов 20 века. Это музыка «отдельных» звуков или созвучий, различающихся по динамике, длительности, тембру и отделенных паузами. В музыке пуантилизм и возникает в творчестве А. Веберна, который первый придал значение отдельно взятому звуку. Ему последовали послевоенные авангардисты, особенно выделяются имена К.Штокхаузена и П.Булеза.

Пуленк Франсис (1899-1963) − французский композитор и пианист. Родился в1899 году в Париже. Пуленк был в основном самоучкой, хотя в студенческие годы вместо того, чтобы исполнять строгие предписания родителей в отношении его образования, успешно использовал свободное время для занятий по фортепиано и композиции. В 1920-е гг. попал под влияние Э. Сати и был членом знаменитой французской «Шестерки». Первые сочинения Пуленка: «Негритянская рапсодия» и «Вечные движения» для фортепиано, вокальные циклы, инструментальные сонаты, сюиты, экспромты. В 20-е гг. творчество Пуленка расцветает с новой силой. По заказу С. Дягилева для русской балетной труппы был создан балет «Лани». Через несколько лет композитор вновь обращается к балетному жанру, создав «Утреннюю серенаду». В 30-е гг. Пуленк обращается к новым для него музыкальным сферам, на свет появляется кантата «Засуха». Излюбленными жанрами становятся сонаты, концерты, сюиты, прелюдии, песни, балет. Наиболее ярким произведением 40-х гг. является кантата «Лик человеческий». Она была написана в годы немецкой оккупации, когда композитор, обычно далёкий от политики, стал активно сотрудничать с подпольной прессой движения Сопротивления. Партитура кантаты была тайно переправлена в Лондон и исполнена по радио. Все лучшие находки композитора в области оперы сконцентрированы в трех его произведениях: буффоной «Груди Тирезия», трагедийной «Диалоги кармелиток», лирико-психологической моноопере «Человеческий голос», которая стала одним из лучших достижений оперного искусства столетия. Вокальные циклы композитора столь многочисленны, что исследователи называют Пуленка «французским Шубертом». Умер Пуленк в 1963 году в Париже.

Основные сочинения:

Оперы: «Груди Тирезия», опера-буфф по фарсу Г. Аполлинера (1944); «Диалоги кармелиток», по драме Ж. Бернаноса (1956); «Человеческий голос», музыкальная трагедия по монодраме Ж. Кокто (1958); «Дама из Монте-Карло», монолог для сопрано с оркестром, слова Ж.Кокто (1961). Балеты: «Новобрачные на Эйфелевой башне» (совместно с Д. Мийо и др.) (1921); «Лани», балет с пением (1923); «Утренняя серенада», хореографический концерт для фортепиано и восемнадцати инструментов (1929); «Примерные животные» (1941). Для хора и оркестра: кантаты «Засуха»(1937); «Лик человеческий» (1943); «Месса» (1937). Инструментальные произведения: Сельский концерт для клавесина (или фортепиано) с оркестром (1927); Концерт для двух фортепиано с оркестром (1932); Концерт для фортепиано с оркестром (1949). Фортепианные произведения: «Вечные движения» (1918), «Прогулки» (1935), «Вечера в Назелле» (1936). Негритянская рапсодия» для баритона с инструментальным ансамблем (1917). Вокальные циклы. Романсы и песни. Музыка для театра, кино.

Пуччини Джакомо (1858-1924) − крупнейший итальянский оперный композитор. Пуччини родился 22 декабря 1858 года в маленьком городке Лукка, недалеко от Флоренции. Пуччини принадлежит к династии потомственных музыкантов. Мальчику было семь лет, когда умер его отец-композитор, но мать дала сыну хорошее музыкальное образование. Пуччини поступил в музыкальный институт, пел в церкви, а в 14 лет занял место церковного органиста. В 1880 г. он закончил музыкальный институт, написав большую мессу. Но в поисках своего стиля, он обращается к музыкальному театру. В 1880-1883 гг. Пуччини занимался в Миланской консерватории (по классу композиции), и в год ее окончания напи сал свою первую оперу «Виллисы». Эта опера имела успех, а вот вторая его опера («Эдгар») была признана неудачной. Но Пуччини не унывал − поиск вел его в сторону новых художественных решений. В 1890-92 гг. Пуччини пишет оперу «Манон Леско» по знаменитому роману А. Прево. Опера встретила восторженный прием у слушателей. На рубеже 90-х и 900-х годов была создана знаменитая «триада»: «Богема» (1896), «Тоска» (1900) и «Чио-Чио-сан» («Мадам Баттерфляй», 1904). Эти оперы ознаменовали расцвет его дарования и в то же время высшую фазу в развитии итальянского оперного веризма. Но после триумфа мировых премьер последних опер Пуччини переживает семилетний период творческого кризиса. Оперы, написанные в предвоенные и военные годы, не принадлежат к его высшим достижениям. «Девушка с Запада», написанная по заказу Нью-Йоркского театра, написана в духе американского вестерна, новые пути он пытался наметить в одноактных операх «Плащ», «Сестра Анджелика», «Джанни Скикки» (1919), а также в неоконченной опере «Турандот». Кроме 12 опер Пуччини написал «Реквием», произведения для симфонического оркестра, пьесы для органа, хоры, романсы, камерно-инструментальные сочинения. Последние годы его жизни были омрачены тяжелой болезнью. Пуччини скончался 29 ноября 1924 года в Брюсселе. Он был похоронен в Милане в фамильном склепе Тосканини, талантливейшего пропагандиста его оперного творчества. В 1926 году прах Пуччини был перенесен в Торре-дель-Лаго в специально построенный мавзолей.

«Русские сезоны» (1909-1929) «Русскими сезонами за границей» называются выступления оперы и балета, организованные С. П. Дягилевым. С.П. Дягилев, в прошлом чиновник петербургской театральной конторы, тщательно подобрал для заграничных гастролей труппу. Балетмейстером и художественным руководителем был назначен М. Фокин. Спектакли оформляли прекрасные художники А. Бенуа, Л. Бакст, А. Головин, Н. Рерих. Поддерживаемые кругами русской художественной интеллигенции («Мир искусства», Беляевский кружок), «Русские сезоны» начались в Париже в 1907 г. историческими концертами с участием Н.А. Римского-Корсакова, С.В. Рахманинова, А.К. Глазунова, Ф.И. Шаляпина. В 1908 – 09 гг. были исполнены оперы «Борис Годунов», «Князь Игорь». В 1909 г., в театре Шатле были показаны и первые балеты М. Фокина, ранее поставленные им в Петербурге, среди них «Половецкие пляски», «Шопениана». Начавшись 19 мая 1909 г., гастроли принесли труппе огромный успех и С.П. Дягилев, М. Фокин, солисты А. Павлова, В. Нижинский сразу же стали мировыми знаменитостями. С 1910 г. «Русские сезоны» проходили без участия оперы. В 1911 г. Дягилев принял решение о создании постоянной труппы, которая окончательно сформировалась к 1913 г. и получила название «Русский балет» Дягилева. Событием сезона стал балет «Петрушка» (худ. А. Бенуа, муз. И.Стравинского) с В. Нижинским в роли Петрушки. Этот балет стал вершиной балетмейстерского творчества Фокина в дягилевской антрепризе, он знаменовал собой начало мирового признания И.Ф. Стравинского, роль Петрушки стала одной из лучших ролей В. Нижинского. В 1912-14 гг. балетмейстерами были М. Фокин и В. Нижинский. С началом Первой мировой войны труппа навсегда покинула Россию. В 1917 – 1929 гг. в труппе работали балетмейстеры Леонид Мясин, Бронислава Нижинская, Джорж Баланчин. После смерти С.П. Дягилева в 1929 г. труппа распалась. Деятельность труппы «Русский балет» С.П. Дягилева составила зпоху в истории балетного театра, которая разворачивалась на фоне всеобщего упадка хореографического искусства. «Балет» Дягилева стал «лабораторией новой музыки», впервые спектакль строился на равноправии трех слагаемых: музыки, хореографии и живописи. В течение двух десятилетий, находясь в центре внимания художественной жизни Запада, «Русский балет» служил стимулом к возрождению этого вида искусства. Реформаторская деятельность хореографов и художников дягилевской труппы повлияла на дальнейшее развитие мирового балета.

Сериализм − метод композиции, в основе которой использование «серий» для структурной организации одного или нескольких параметров музыки. В сериализме различаются два основных типа. Первая − «серийная» композиция или «додекафония» − когда «серийной» организации подвергаются 12 различающихся по высоте звуков (творчество Шёнберга, Берга и Веберна). Новое поколение приверженцев серийной техники (Мессиан, Штокхаузен, Булез, Бэббит, Милтон, Ноно) стали разрабатывать «сериальную» технику, или метод «тотального сериализма», про котором принцип «серии» распространяется не только на высоту звука, но и на длительность, динамику, тембр, артикуляцию и т.д.

Символизм (от франц. simbolism, от греч. simbolon − знак, символ) − художественное направление, появившееся во Франции в конце 60 − начале 70-х гг.19 в. первоначально в литературе, а затем и в других видах искусства − изобразительном, музыкальном, театральном. В литературе его яркими представителями становятся: Шарль Бодлер, Поль Верлен, Стефан Малларме, Артюр Рембо. Эcтeтикa cимвoлизмa oбpaщaeтcя к cфepe дyxa, «внyтpeннeгo видeния». В основе символистской концепции лежит постулат о наличии за миром видимых вещей истинного, реального мира, который наш мир явлений лишь смутно отражает. Мир − это признание равноправия двух начал − духа и материи. Поэзия должна подходить к действительности через тонкие намеки и полутона: «Никаких цветов: ничего, кроме нюансов» (П.Верлен). Иcкyccтвo paccмaтpивaeтcя поэтами-символистами кaк cpeдcтвo дyxoвнoгo пoзнaния и пpeoбpaжeния миpa. Момент прозрения, возникающий во время творческого акта − вот то единственное, что может приподнять завесу над миром обыденных вещей. Поэт − носитель сокровенных переживаний, провидцем высшей действительности, избранник и маг, владеющий «ключами тайн». Интереснейшим моментом является в символизме тесное соприкосновение поэзии с музыкой, которая способна передать удивительное богатство оттенков чувств, смысла, красок. Не случайно характерной чертой эстетики символистов является «омузыкаливание» в стихах.

Симфоническая музыка ХХ века. В 20 веке продолжились поиски в трактовке симфонических жанров.Суть всех исканий в симфонической музыке – отказ от стереотипов классической и романтической симфонии.

Симфоническая музыка на рубеже 19-20-х веков шла по пути «наследования-исчерпания» традиций романтического симфонизма ведущих европейских школ. Именно в жанре симфонии ярче всего проявились тенденции постромантизма. Концептуальный симфонизм яркое воплощение нашел в творчестве австрийских композиторов Антона Брукнера (1824-1896) и Густава Малера. Новые грани в жанрах программного симфонизма рубежа 19-20-х веков выявились в программных симфонических произведениях немецкого композитора Рихарда Штрауса. Один из ярких представителей мирового симфонизма рубежа-начала 20 века − финский композитор Ян Сибелиус (1865-1957). Он трактовал симфонию как инструментальную драму, а также передал в произведениях своеобразный колорит родного фольклора.

В 10-е годы симфония отодвигается «на переферию» музыкального искусства. Причина этому − несовпадение поисков новых художественных течений (импрессионизма, экспрессионизма, неофольклоризма) с принципами традиционного симфонического мышления. Однако симфонические принципы проникают в сценические жанры (ярче всего это проявилось в балете), а также в камерную музыку.

В 20-е годы продолжаются кризисные явления в жанре симфонии, интерес композиторов направлен на сочинение оркестровых сюит, камерных симфоний, симфонических картин и сольного концерта. Камерность, прежде вовсе не свойственная симфоническому жанру, становится весьма типичной. Это симфонии малых форм, «маленькие симфонии», инструментальные «музыки», причем данная черта характерна для самых разных сочинений, написанных в духе экспрессионизма, неоклассицизма и урбанизма.

В 30-е годы возвращается широкий интерес к различным жанрам симфонизма. Драматические потрясения, конфликтность исторических событий Европы конца 30-х годов лучше всего раскрыла «большая» концепционная симфония, интерес к которой неуклонно возрождался. Одна из ведущих тенденций симфонии 30-х − синтез симфонической логики с концертными и кантатно-ораториальными принципами.

40-е − 50-е годы − кульминационный период в развитии европейского симфонизма, особенно в жанре «большой» симфонии. Это связано с мировыми социальными катаклизмами. Тема «войны и мира» − одна из ведущих в творчестве композиторов.

Среди крупнейших симфонистов первой половины века одно из ведущих мест занимает творчество французского композитора Артура Онеггера. Именно его творчество способствовало возрождению в западной музыке жанра «большой» проблемной симфонии. Лидер немецкого неоклассицизма − Пауль Хиндемит − создатель эпико-философских симфоний. Симфонические жанры занимают значительное место в творчестве Игоря Стравинского. Концертный симфонизм − главная сфера инструментальных исканий композитора. Венгерский композитор Бела Барток в своих оркестровых опусах сочетал симфонические принципы с особенностями национального фольклора. Крупнейшие русские симфонисты 20 века − С.С. Прокофьев, Н.Я.Мясковский и Д.Д.Шостакович.

Симфонизм, как сфера музыкального мышления, не сводимая к четким формулам, раскрылся и в музыке второй половины 20 века. Технические приемы и средства организации музыки авангардных направлений искусства радикально отличается традиционных законов симфонизма. Композиторы-авангардисты внесли новые принципы в понимание оркестровых и симфонических жанров. Среди них как представители Авангарда-I, так и композиторы Авангарда-II.

Эстетика «открытого искусства», диалог с традициями в постмодернизме второй половины века вновь возродил интерес к жарну симфонии. В конце 20 века разные области художественной жизни все более тяготеют к органичному соединению исторического опыта и новаторских техник. Среди самых ярких представителей мирового симфонизма второй половины века − польский композитор Кшиштоф Пендерецкий, россияне Альфред Шнитке, Борис Тищенко, Софья Губайдулина, Эдисон Денисов, грузинский композитор Гия Канчели.

На развитие современной инстументальной музыки существенно влияет научно-технические средства. Все больше в арсенале современной композиторской практики синтезаторы и музыкальные компьютеры. Концертные формы бытования оркестровой музыки все чаще переходят к прикладным: оркестровая музыка распространяется и сохраняется через электронные средства массовой информации.

Слонимский Сергей Михайлович (род. 1932) − российский композитор и музыковед. Родился в Ленинграде в семье писателя М.Л. Слонимского. В 1955 г. он окончил Ленинградскую консерваторию по классам композиции (у О. Евлахова) и фортепиано. В 1968 г. закончил аспирантуру как музыковед. С 1959 г. преподает в Ленинградской консерватории, в 1963 г. защитил кандидатскую диссертацию по искусствоведению (в 1964 г. вышла книга «Симфонии Прокофьева» − итог многолетней исследовательской работы). Слонимский − автор опер «Виринея», «Мастер и Маргарита», «Мария Стюарт», «Гамлет», «Иван Грозный»; балета «Икар», десяти симфоний, 24 прелюдий и фуг для фортепиано, симфонических, камерных, хоровых сочинений и романсов. Композитор неоднократно обращался к сочинению музыки для кино («Интервенция», «Республика ШКИД»).

Сонористика или сонорика (от лат. Sonorous − «звучный», «звучащий») − метод композиции 20 века, где форма строится из тембрового материала. Сонористика предполагает самые смелые эксперименты в области звуковых красок. Главной звуковой единицей для композитора является не нота, а «сонор» − комбинация звуков разной высоты и тембра. Задача композитора − составление оригинальных по тембру соноров и затем соединение их в музыкальную ткань. Композиторы-авангардисты много внимания уделяют разработке новых способов игры на инструментах, созданию разных вариантов сочетаний традиционных звуков со звуками немузыкальных предметов.

Стравинский Игорь Федорович (1882-1971) − русский композитор и дирижер. Один из крупнейших композиторов 20 века. Родился в Ораниенбауме, в семье знаменитого русcкого певца Фёдора Игнатьевича Стравинского, баса Мариинского театра. В доме отца в Петербурге собирались виднейшие деятели русской культуры, что в немалой степени способствовало становлению художественных вкусов будущего композитора. Учась в гимназии, Стравинский занимался игрой на фортепиано, любил музыку, но не собирался полностью посвятить себя ей. После окончания гимназии, в 1900 г. Стравинский стал студентом юридического факультета Петербургского университета. В университете Стравинский близко сошелся сыном композитора Римского-Корсакова. Именно Римский-Корсаков отсоветовал Стравинскому поступать в консерваторию. В 1903-1905гг. Стравинский брал частные уроки у Римского-Корсакова, консультации у которого продолжались вплоть до его смерти в 1908 г.

Творчество Стравинского можно условно разделить на три периода: «русский» (1908-1923 − 15 лет), «неоклассицистский» (1923-1953 − 30 лет) и «поздний» (серийный) (1953-1968 − 15 лет). Первые сочинения Стравинского были близки традициям «Могучей кучки», и в первую очередь − Римскому-Корсакову. Дебютировал Стравинский как композитор в 1908 г. исполнением 1-й симфонии. Определяющую роль в развитии творческих и эстетических взглядов Стравинского сыграла сама художественная атмосфера Петербурга начала века, его сближение с С.П. Дягилевым, А.Н. Бенуа, Л.С. Бакстом, Н.К. Рерихом, другими представителями художественной группировки «Мир искусства». Три первых балета, написанные по заказу Дягилева для «Русских сезонов», организованных им для Парижа, открыли «русский период» творчества Стравинского и представили русскую тему его творчества в трёх различных ракурсах: сказочную в «Жар-птице» (1910), бытовую в «Петрушке» (1911) и ритуально-архаичную в «Весне священной» (1913). С 1914 г. композитор оказался оторван от Родины навсегда (в 1914-18 гг. жил в Швейцарии, с 1920 г. − во Франции, с 1940 − в США). Русскую тему в его творчестве продолжили балетные произведения с пением: «Байка про Лису, Петуха, кота да Барана», «История солдата», «Свадебка».

С момента создания балета с пением «Пульчинелла», целиком построенного на свободной обработке музыкальных тем старинных композиторов, главным образом Дж. Перголези, в творчестве Стравинского обозначился резкий стилистический перелом, открывший новый, самый протяжённый по времени этап его деятельности − период неоклассицизма. Новый стилистический период его творчества, по числу произведений наиболее плодотворный (около 45 сочинений), можно охарактеризовать как возвращение к стилю прошлых времен. В каждом его неоклассическом опусе в известном смысле «исследовались» всё новые и новые музыкальные архетипы прошлого. «Стилистическими моделями» для неоклассицистских произведений Стравинского служили: оратория эпохи барокко − опера-оратория «Царь Эдип», опера конца 18 в. − «Похождения повесы», придворный балет эпохи Людовика XIV − балет «Аполлон Мусагет», музыка Чайковского − балет «Поцелуй феи»; жанры симфонии и концерта для солирующего инструмента с оркестром в их разнообразных исторически сложившихся разновидностях − ранний инструментальный классицизм в Симфонии in C, concerto grosso − в концерте Дамбартон-Окс и Базельском концерте. В наиболее значительных образцах, таких, как «Симфония псалмов» для хора и оркестра на латинский текст (1930), «Симфонии в трех движениях», балете «Орфей», элемент игры с моделями музыки прошлого отходит на второй план; тем самым полнее выявляется глубинный философский смысл этой музыки, воплощенная в ней тоска по высшим, вневременным духовным ценностям. Под влиянием американского «художественного климата» появляются произведения с явными следами воздействия джазовой культуры: «Концертные танцы», «Русское скерцо», «Цирковая полька», «Эбони (“Черный”) концерт». 1939 год стал поистине роковым для композитора: в течение нескольких месяцев скончались старшая дочь, жена и мать Стравинского. Эти трагические события, как и начинавшаяся вторая мировая война, вынудили его переехать в США, где он остался уже до конца жизни.

В 1953 г. в творчестве Стравинского, перешагнувшего 70-летний рубеж, произошла новая творческая переориентация: он обратился к додекафонии. Музыке позднего, «серийного», периода Стравинского свойствен подчёркнутый аскетизм, столь отличающий её от предыдущих периодов, строгая конструктивная логика формы, обращение к полифоническим приёмам добаховской музыки. Метод додекофонии Стравинский творчески переработал. Отнюдь не двенадцать неповторяющихся звуков, как это было предложено Шёнбергом, стали основой метода Стравинского, а отдельные сегменты двенадцатитонового звукового ряда, то есть комбинации из нескольких звуков − трёх, четырёх и т. д. − стали более привлекательны для Стравинского в последний период его деятельности. Большая часть сочинений последнего периода Стравинского связана с религиозной темой, нередко на библейские темы − «Священное песнопение», «Плачи пророка Иеремии», «Потоп», «Авраам и Исаак». Завершающее творческий путь сочинение Стравинского − реквием «Заупокойные песнопения» (1966), ставший венцом его творчества. Последние пять лет жизни Стравинский был лишён физической возможности сочинять, многие замыслы остались неосуществлёнными. В сентябре-октябре 1962 г. Стравинский впервые после 1912 г. посетил две российские столицы, выступив с триумфальным успехом с авторскими концертами. Его приезд восстановил, казалось, навсегда утерянные связи с Родиной.